lunes, 28 de abril de 2014

Películas - Años 40: ¡Qué verde era mi valle! (1941)


HOW GREEN WAS MY VALLEY (10/10)

Lo he dicho en numerosas ocasiones, John Ford demuestra su talento como director en practicamente casi todas sus películas, y más cuando estas se alejan del género del western. Salvo un par de excepciones como Centauros del Desierto, las grandes obras maestras de Ford son El Hombre Tranquilo, Las Uvas de la Ira, El Delator... las pruebas están ahí. Incluso Hollywood lo veía así. Cuatro Oscar a Mejor Director, todos por estas películas incluida la que os voy a hablar hoy. El director pensaba de manera diferente con su antológica cita de: Me llamo John Ford y hago películas del oeste.
En la filmografía de Ford adquiere gran importancia la familia, especialmente la de la madre. Criado en una familia de inmigrantes irlandeses en EEUU, con alrededor de una docena de hermanos, la infancia del director se ve reflejada en sus mejores películas, y ¡Que verde era mi valle! no es una excepción.
Los Morgan son una orgullosa familia minera de Gales, Reino Unido, en la que el respeto por su trabajo, su forma de vida, y la unidad familiar lo son todo. El pequeño de la familia, Huw, observa con admiración a sus hermanos mayores y a su padre, deseando ser un día como ellos. Pero tras la drástica bajada de sueldos de los mineros, el malestar de los trabajadores irá en aumento, viendo quizás en una unión sindical la única manera de evitar el desastre. Al mismo tiempo, la llegada del nuevo reverendo, Mr. Gruffydd, servirá para orientar tanto al pueblo sobre que camino tomar, como a Huw, quien verá en este, una persona a la que admirar también.
La voz de un Huw adulta narra en voz en off al comienzo de la cinta los recuerdos de su pueblo natal. Como todo era vivo, hermoso y verde en su infancia, y como acabó en desastre. El plano del pueblo, sucio y triste vigilado por la mina en la pendiente del mismo, hace presagiar un aciago destino para este hermoso paraje. Sabemos que nos encontraremos ante un final dramático, y esto se nos hará aún más duro cuando conozcamos a la familia Morgan. Una entrañable familia galesa en la que la figura de los padres inspira amor y respeto a partes iguales. Donde los hijos son el reflejo de un buen trabajo por parte de sus progenitores. Donde todo parece casi idílico... hasta que las cosas se tuercen. Hasta que empiezan a surgir las primeras fracturas. Cuando el pueblo entero se ve sumergido en la crisis de los salarios en la mina, en la que desean crear un sindicato, y cuando el padre (Donald Crisp) se niega. Es ahí donde la madre (Sara Allgood) toma las riendas y busca en la unidad la fuerza de su familia, llegando a enfrentarse y a amenazar a todo el pueblo si alguno ponía la mano en su marido o sus hijos. La fuerza de la madre lo dice todo. Ella es el pilar de la familia. Si ella cae, la familia también. Le preguntaron una vez a John Ford por la importancia de la familia en sus películas, a lo que el respondió: "tiene usted madre, ¿verdad?".
La figura del reverendo progresista (Walter Pigeon) también resulta más que interesante. Un hombre dedicado a Dios, pero que no deja de ser uno de los suyos, ya que fue minero en otros tiempos. Conoce y entiende los problemas del pueblo, y no tiene otra intención más que la de ayudar. Sin embargo, todo se complica aún más cuando se enamora, y es correspondido, por la hija de la familia Morgan, una joven Maureen O´Hara. El reverendo se ve incapaz de mantener a una familia, y de privar a la muchacha de la vida que le podría un hombre con más recursos, por lo que rechaza a la joven, destrozando a ambos. Pero la cosa no terminará ahí. Los futuros acontecimientos servirán de ejemplo de degradación del pueblo y sus habitantes.
En conclusión, el mensaje de Ford es más que claro. No hay nada más fuerte que el amor paternal. Nada puede contra este, ni siquiera las terribles fauces de una mina. Nada. Ellos son nuestra guía ante el sendero de la vida. No lo olvidemos.
Basada en la aclamada novela de Richard Llewellyn, la Fox se hizo con sus derechos y empezó a trabajar en la adaptación. Esta, en un principio, iba a ser dirigida por William Wyler  (entre el soberbio trabajo de Ford, o la posibilidad de ver una nueva obra maestra de Wyler, no sé que preferiría), aunque finalmente fue reemplazado por Ford, no sin antes escoger al protagonista de la historia, el pequeño Huw, interpretado por un jovencísimo Roddy McDowell. Ford quería rodar en un pueblo auténtico de Gales, pero debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y el peligro por los bombardeos alemanes, tuvieron que reconstruir el pueblo en Malibu, California.
La película logró 10 nominaciones en los Oscar, alzándose con la mitad, Mejor Película, Mejor Director (John Ford, que ganaba su tercer Oscar, y el segundo seguido), Actor Secundario (Donald Crisp), Fotografía y Dirección Artística.
Podéis ver la película online aquí:

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miércoles, 23 de abril de 2014

Películas - Años 30: Remordimiento (1932)


BROKEN LULLABY (8,5/10)


-Cuando miles de hijos ajenos fueron asesinados, lo llamamos victoria y lo celebramos con cerveza. Y cuando miles de nuestros hijos fueron asesinados, ellos lo llamaron victoria y lo celebraron con vino.

En 1930, Lewis Milestone dirigió toda una obra maestra del género bélico basado en la Primera Guerra Mundial, Sin novedad en el frente. Un claro film antibelicista, como lo son todas las buenas películas de guerra, en la que asistíamos a la evolución de un grupo de jóvenes soldados alemanes de ansiar la guerra por causas patrióticas, a odiarla y rechazarla. Dos años después, Ernst Lubitsch continua la tarea de Milestone en contar las secuelas de Paul Renard, un soldado francés que es incapaz de perdonarse a sí mismo, un año después del desenlace del conflicto, tras haber asesinado a un soldado alemán en un trinchera. Sus remordimientos van a más tras encontrar y leer las cartas del germano en las que escribía a su prometida confesando que no sabía que hacía allí, que no era su deseo matar franceses, y su miedo ante una más que segura muerte. Paul descubre que el joven al que mató amaba la vida y la música, al igual que él. Que había vivido en París, y que incluso habían ido a la misma academia de música. 
Ante la imposibilidad de encontrar consuelo, decide ir hasta el pueblo alemán de donde provenía el joven para pedir el perdón a sus padres. Sin embargo, las cosas no saldrán como Paul tenía previsto, iniciándose en una de las pruebas más difíciles de su vida.
A lo largo de la historia del cine encontramos genios del celuloide que trabajaron casi siempre en un único registro y es por lo que se les recuerda. Lubitsch está catalogado como maestro absoluto de la comedia, y bien merecido además. Mas, en Remordimiento encontramos la que podríamos catalogar como su película anómala. Un film bélico, o anti-bélico si lo preferís, en el que el director alemán hace uso de su característico toque Lubitsch, para ponerlo al servicio de la historia que cuenta. Una historia que en manos de otro director podría haber acabado en desastre. Un melodrama sobre el dolor por ante la pérdida, y la necesidad del perdón. Para ello se sirve de todo un monstruo de la actuación al que habría que rendir homenaje cada día del año, Lionel Barrymore. Este da vida al doctor Holderlin, padre del soldado alemán, quien cegado por el odio hacia los franceses por la pérdida de su único hijo en la guerra, compagina su carácter bondadoso y amable, con un fuerte resentimiento ante todo lo francés. Se muestra como un claro reflejo de la sociedad alemana, quien, tras perder la guerra, a millones de jóvenes, parte de su territorio, y ser víctima de una continua humillación por parte de los franceses, comienza a rezumar un fuerte sentimiento anti-francés, que tendrá como resultado algo que la historia denomina como "La Segunda Guerra Mundial". No es hasta la llegada de Paul, cuando Holderlin empezará a ver las cosas de otra manera, con la ayuda del perdón y el amor a la vida.
El resto del reparto cumple con sus respectivos papeles, siendo únicamente Phillips Holmes, en el papel de Paul Renard, quien no acaba de cuajar en su actuación, pecando de excesiva teatralidad y sobreactuación. Un personaje de mucha más importancia que podría haber ganado más con otro actor. Curiosamente, Holmes murió durante la segunda guerra mundial cuando su avión fue derribado cerca de Ontario, Canadá. Al comienzo de la película se confiesa a un sacerdote asustado ante la posibilidad de una nueva guerra. Al final sus palabras resultaron proféticas.
Toda una joya de film imprescindible para todo amante del cine clásico, antibélico, y especialmente, de los trabajos de Lubitsch.
Podéis ver la película online aquí:

@solocineclasico

miércoles, 16 de abril de 2014

Películas - Años 50: Mesas Separadas (1958)


SEPARATE TABLES (9/10)

Hace ya casi dos meses que estoy trabajando en un hotel en Alemania, por lo que he empezado a ver con otros ojos las cintas con temática hotelera. Ya esté centrado en los diferentes trabajadores del mismo, o de sus clientes. Trato de buscar similitudes parecidas a las que me encuentro cada día en mi faena, y me encuentro una y otra historia que daría para una genial película hotelera también.
Sin ser la mejor, o más conocida cinta de este género, Mesas Separadas si que presenta un conjunto de historias perfectamente hilvanadas y encajadas en la que sus protagonistas difícilmente pasarán al olvido.
En un antiguo y diminuto hotel británico, habitan un grupo de personas que por diferentes motivos, parecen no tener ningún otro lugar al que ir. Un antiguo militar inglés que aburre a la gran mayoría con sus historias de guerra; una estricta viuda acompañada de su tímida y dominada hija; un americano alcohólico; el grupo de viejas chismosas; la joven pareja de novios que se esconde para llevar vida de casados... centrándose el argumento dos historias paralelas escritas por el dramaturgo Terence Rattigan, "Mesas de la ventana", y "Mesa número siete", y adaptadas brillantemente por John Gay.
El guión es de suma importancia en una película con claros toques teatrales, pero que poco ha de importar al espectador si este gusta del buen cine clásico. El reparto artístico ayudará en este aspecto, ya que encontramos uno de los mejores trabajos de ese monstruo de la interpretación como era Burt Lancaster. Este actor, que tanto luchó por demostrar que no solo valía por su rostro y físico, sino por su propio talento. Un hombre que sudaba sangre por conseguir la perfección en cada uno de sus trabajos, es el protagonista de esta cinta con unos secundarios que también se dejan la piel por estar a su altura. Y más que secundarios, todos son miembros de un reparto donde nadie tiene mucha más importancia que el resto, aunque sean Lancaster y Rita Hayworth lo que se llevan los principales focos de atención. Aunque ojo, porque llevar el "peso" de la cinta, no te asegura ser lo mejor de esta, ni siquiera lo principal a ojos del espectador, ya que de esa tarea se encargan David Niven y Deborah Kerr, en uno de los mejores trabajos de la carrera de ambos. Niven dando vida al militar retirado, el cual esconde un oscuro pasado, y Kerr como la joven tímida que siente cierta afinidad por este último. Encontrar a esta última en algunas escenas junto a Lancaster, después de su trabajo juntos en From Here to Eternity Ambos están colosales. Como curiosidad, ver a un joven Rod Taylor en un papel más que secundario.
Y es que a fin de cuentas, Mesas Separadas trata de lo que su propio título indica. De esas personas que por más que estén rodeadas de otras, no dejan de estar solo. El paralelismo con el hotel es brillante. Tienes un gran número de personas a tu alrededor, que no tienen nada que ver contigo, estás solo. Estás de paso. De ahí el título, Mesas Separadas, gente en una misma habitación, con sus mesas apartadas unas de las otras. De ahí lo brillante de su final. La lucha contra las habladurías y el poder influyente de unos pocos contra el resto. La unidad, la compasión, la humanidad y el perdón. No será una de las mejores películas hoteleras de la historia, pero si que cuenta con el mejor desenlace del mismo.
Nominada a 7 Oscars, se llevó los de Mejor Actor para David Niven, y el Mejor Actriz de Reparto para Wendy Hiller, como dueña del hotel.

Podéis ver la película online aquí:

@solocineclasico

viernes, 11 de abril de 2014

ESPECIAL HERMANOS MARX (XVII) - The End


THE END (1949- 1979)

Ponemos punto y final, no sólo a esta interminable serie de artículos, sino a los propios Marx en este blog. Hemos hablado de todas sus películas, de la vida que llevaron fuera de esta, y como no podía ser de otro modo, toca cerrar este gratificante, aunque exhaustivo, especial de la mejor manera posible, hablando de lo que fueron sus vidas tras su "último" largometraje.
Groucho consiguió finalmente triunfar en la radio, y posteriormente en televisión gracias a su programa You Bet Your Life, el cual fue todo un éxito hasta su cierre en 1961. Además de eso, publicó una serie de libros como Groucho y yo (el cual en mi opinión es de lectura obligada para todos los marxistas), Memorias de un amante sarnoso, y Las cartas de Groucho. Como curiosidad, durante un tour por Alemania en 1958, visitó el lugar exacto donde estuve el bunker de Hitler en Berlín, y donde murió. Allí mismo bailó durante dos minutos un pasos de Charleston, asegurando que era una satisfacción, tras los 6 millones de judíos que había asesinado el dictador austriaco, ridiculizar un poco más aquel lugar. 
Participó en un sin fin de programas de televisión, y apariciones estelares en series de televisión, siendo seguramente la más recordada su visita al programa de Bill Cosby. Un año después, en 1974, recibió un Oscar Honorífico en su última gran aparición en público. La ovación de esta, tras anunciar Jack Lemmon su nombre, fue épica. Allí tuvo palabras para Chico y Harpo, quien posteriormente habían fallecido, para Margaret Dumont, la cual siempre considerada como la "hermana" Marx, y a Erin Fleming. Esta última fue la secretaria y "compañera" de Groucho durante sus últimos años de vida. Siempre ha habido cierta polémica en cuanto a la figura de esta antigua actriz canadiense. Si bien es verdad que cuidó en cuerpo y alma a Groucho, y ayudó a recuperar la notoriedad de este como figura pública, al parecer tuvo problemas legales con los hijos del actor tanto durante esos años como tras su muerte.
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Chico y Harpo continuaron actuando en teatros y salas de variedades, además de alguna que otra aparición en televisión. Participaron junto a Groucho, aunque por separado, en la película Historia de la Humanidad, donde Chico daba vida a un monje que acompaña a Colón en su primer viaje a América, Harpo a Isaac Newton, y Groucho a Peter Minuit (quien compró la isla de Manhattan a los indios por una miseria).
En 1947 apareció un artículo en la prestigiosa revista Newsweek en la que aseguraban que Groucho, Harpo, Chico y Zeppo habían firmado para aparecer en una película autobiográfica. Esta no llegó a realizarse, pero habría supuesto la primera intervención de los hermanos juntos desde 1933. Cuando si aparecieron juntos, además de Gummo, fue en el programa Tonight! America After Dark, dirigido por Jack Lescoulie. Fue la primera vez que actuaron los cinco hermanos.
(Harpo, Zeppo, Chico, Groucho y Gummo)
Chico murió en 1961, con 74 años debido a Arteriosclerosis. Tuvo una hija, Minnie, a la que estuvo muy unido durante toda su vida.
Harpo murió en 1964 a los 75 años. A pesar de perseguir mujeres constantemente durante toda su filmografía, en la vida real estuvo felizmente casado con Susan Fleming, con la que adoptó tres niños y una niña. En una entrevista afirmó que adoptaría tantos niños como ventana tenía su casa, así cuando se iba a trabajar, todas ellas tendría a un pequeño diciéndole adiós. 
Gummo murió en 1977 a los 83 años. Durante su vida fue un respetable hombre de negocios, y supo vivir apartado de la sombra de sus hermanos. 
Groucho falleció cuatro meses después de Gummo, a la edad de . Debido a su fuerte enfermedad nunca supo de la muerte de este. Se casó tres veces y tuvo 3 hijos. Sin restar mérito a Chico, y especialmente a Harpo, la figura de Julius Henry Marx es a día de hoy una de las conocidas y respetadas, no sólo del mundo de la comedia, sino del cine en general.
Zeppo dejó este mundo en 1979, a los 78, habiendo adoptado dos hijos. Continuó trabajando toda su vida como representante.
No son poco los artístas que reconocen a día de hoy la influencia de la filmografía Marxista. Tanto por el estilo de Groucho, las expresiones faciales de Harpo y su inteligente silencio, y la habilidad de Chico de hacer el piano un instrumento divertido.
Un artista muere en cuerpo, pero jamás en alma. El legado de los Marx está ahí, al alcance de nuestras manos. Sus películas, sus libros, sus entrevistas, sus vídeos en internet, todo está ahí para vosotros. Os animo a descubrirlo.

@solocineclasico

lunes, 7 de abril de 2014

ESPECIAL HERMANOS MARX (XVI) - Amor en Conserva (1949)


LOVE HAPPY (6/10)

El robo era un misterio para todos. La policía no consiguió descubrir nada. El FBI estaba en ascuas. Hasta que me llamaron a mí y resolví el caso: Me entregué.

En la carrera de los Marx hubo éxitos, fracasos, sorpresas y decepciones. Aunque sin poder catalogar su última como película como fracaso, sí que supuso una ligera decepción. Rodar la cinta no fue del agrado de ninguno de los Marx. Los agotó fisicamente tantos algunas de las escenas, como cumplir el horario de producción sabiendo que era su propio dinero el que estaba en juego. Ya hemos comentado anteriormente que Groucho no volvió a disfrutar de los rodajes de una película tras la muerte de Irving Thalberg, y su única motivación era la económica. Al igual que Chico, siempre necesitado de dinero, lo que impulsaba a Harpo a terminar de formar el trío.
Tras el estreno de Una Noche en Casablanca deciden nuevamente retirarse del mundo del cine. Al menos esa era la intención de Chico y Groucho. No lo tenía tan claro Harpo, quien desde hacía tiempo venía escribiendo el argumento de una película con él como protagonista. La United Artist, a través de Mary Pickford, decide producir la cinta a cambio de que sean los 3 hermanos los que aparezcan en ella, y no únicamente Harpo. Los Marx se reunían nuevamente para rodar su decimotercera película.
Amor en Conserva, o "la película de Harpo", presenta a un torpe detective (Groucho), que a su vez nos narra el caso de la desaparición de un precioso collar de diamante, y de como acaba en las manos de un integrante de una obra de teatro (Harpo) mientras robaba comida para su grupo, el cual sustrae el collar por accidene escondido en una lata de sardinas. Entrarán en escena una temible banda liderada por una femme fatale quien anda tras el collar, y los cuales saben que Harpo sabe donde se encuentra. Lo difícil será hacerle hablar.
Considerada como la peor película de los Marx, me cuesta catalogarla como tal. No sólo como la peor, sino además como una cinta de los Marx. Es una historia hecha por y para Harpo en la que sus hermanos se metieron con calzador, teniendo Chico un par de escenas torpes y casi sin sentido, y Groucho más de los mismos, apareciendo únicamente al principio y al final en cuatros escenas mal contadas. Es Harpo quien cuenta con los mejores momentos de la cinta, que desafortunadamente no son demasiados, pero si permiten conocer y entender un poco más el arquetipo de personaje al que este siempre daba vida. Pero por esta misma razón, me cuesta en un principio considerarla como una cinta más de los Marx, más bien de Harpo + 2. 
Quizás el dato más curioso de esta película no sea que es la "última película" de los Marx, sin contar el fragmento en el que participan en Historia de la Humanidad, o la película de Harpo, o que Groucho aparezca con su auténtico bigote, y no el que se pintaba siempre... sino que es una de las primeras películas en la que vemos en escena a Marilyn Monroe. Comparte una divertida escena junto a Groucho en la que apenas tiene una frase pero que ha acabado haciendo más conocida la película que por si mismo. Llegó a tal punto, que se reeditaron posters de la película con la imagen de Marilyn en ella, a pesar del escaso minuto en el que aparece.
Esto ya si supuso la retirada definitiva del cine de los Marx. No volverían a aparecer en pantalla hasta ocho después, aunque apenas unos minutos junto a un reparto plagado de estrellas. Lo que cada uno hizo mientras tanto, será de lo que hablemos en el próximo artículo.

Aquí podéis ver la película completa:

@solocineclasico

viernes, 4 de abril de 2014

ESPECIAL HERMANOS MARX (XV) - Una noche en Casablanca (1946)


A NIGHT IN CASABLANCA (7,5/10)

-Es usted la mujer más hermosa que jamás he visto.
-¿De veras?
-No, pero no me importa mentir si con ello saco algo.

Terminada la Segunda Guerra Mundial, debido a dificultades económicas, y tras el éxito vivido por los hermanos respectivamente en los diferentes actos públicos en los que participaron, decidieron reanudar su aventura cinematográfica una vez más. Para ello contaban con un guión trabajado por Joseph Fields y Roland Kibbee que la Metro guardaba buscando realizar una parodia de la exitosa cinta protagonizada por Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, y dirigida por Michael Curtiz, Casablanca, de la competencia, la Warner. La Metro deseaba llevar a cabo la cinta, pero tras anteriores colaboraciones con los hermanos Marx, y la edad de estos ante una película con cierto esfuerzo físico, las dudas planeaban por todo el estudio. Es por ello que los propios hermanos decidieron participar en la producción poniendo dinero de su propio bolsillo.
La historia arranca en la mítica ciudad de Casablanca, poco después de la Segunda Guerra Mundial. Tres gerentes del hotel Casablanca han muertos en extrañas circunstancias. Tras esta conspiración se encuentra el criminal de guerra nazi Heinrich Stubel (Sig Ruman), que ansía hacerse con el cargo de gerente para poder así encontrar un tesoro nazi oculto en el hotel. Aunque contra todo pronóstico, el hotel nombra gerente al peculir Ronald Kornblow (Groucho), el cual, fiel a su estilo, pondrá de patas de arriba el hotel con ayuda de Corbaccio, un entrañable estafador de turistas, y Rusty (Harpo). Ante dicho impedimento, Stubel hará todo lo posible para acabar con Kornblow, a la vez que tratará de evitar al teniente Pierre Delmar (Charles Draker), quien sabe de la existencia del tesoro, y a quien nadie parece dispuesto a escuchar salvo su novia Annette (Louis Collier).


Los Marx volvían a ser tan caóticos como cuando se etapa en la Paramount, a pesar de notar los años, y de las directrices heredadas por Thalberg y la Metro. Eso si, un villano bien represantado por el genial Sig Ruman, que ya había trabajado con ellos en A night at the opera y A day at the races, lo que permitía a los hermanos como siempre aliarse con la pareja en apuros.
Y fue sin duda alguna la película que los Marx se tomaron más en serio. Principalmente Groucho, y es que era su dinero el que ponían en juego ante una película pesaba. Para empezar, cumplieron un tiempo de rodaje ajustado, dirigidos por un buen director como fue Archie L. Mayo.
El propio Groucho afirma en su libro Groucho y yo, que el rodaje supuso un suplicio para ellos en el sentido físico, como he recalcado anteriormente. Especialmente en la escena final cuando han de subirse a un avión en marcha en plena pista de aterrizaje desde una escalerilla.


Además del famoso mito acerca de la "denuncia" de la Warner a la Metro por usar Casablanca en el título. Según la versión oficial, la primera productora exigió a la de los Marx que quitase el nombre de la ciudad Marroquí del título ya que se trataba de una propiedad intelectual de la Warner. Lo que realmente ocurrió es que Warner pidió ver el guión y argumento de la película ante la posibilidad de que esta fuera una parodia de una de sus cintas más exitosas. La Metro tenía en mente en un principio hacer toda una parodia de esta usando personajes nombrados como Humphrey Bogus. Groucho sacó beneficios publicitarios de esto al responderles en una carta en la que ignoraba que el nombre de Casablanca fuera propiedad de nadie, y que pensaba que el público sería capaz de diferenciar a Ingrid Bergman de Harpo. La Warner dio marcha atrás, aunque finalmente la cinta se convirtió más en un parodio de este tipo de cintas, que de la propia Casablanca.
A pesar del relativo éxito de la cinta, los Marx volvieron a alejarse del cine durante 3 años. Momento en el que volverían por petición de Harpo para realizar una cinta que este mismo había escrito.


@solocineclasico
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