lunes, 29 de abril de 2013

33 años sin Hitchcock!


Hoy se cumplen 33 años de la muerte del genial Alfred Hitchcock. Por eso creo conveniente dejaros este vídeo con alguna escenas de sus películas más conocidas o importantes.
¡Disfrutad!


P.D.: Y ya aprovecho para preguntaros un poco, ¿cuál es vuestra película favorita del inglés? Yo personalmente me quedo con Rebecca y Vertigo.

domingo, 28 de abril de 2013

10 de las Mejores Comedias del Cine Clásico!


Se habla mucho de las comedias actualmente. Que si en el pasado eran mejores, que si hoy el humor está muerto, etc... No estoy de acuerdo. El humor cambia de generación en generación acompañado del estilo de vida y las circunstancias que nos rodean. Hay ciertas cosas que siguen teniendo gracia, y otras que no por falta de incomprensión.  Por eso, grandes comedias del pasado ya no tienen cabida en el presente. La sociedad actual no pueden llegar a comprenderlas.
Pero al menos, podemos afirmar, que aún hay un gran número de comedías capaces de arrancar una sonrisa a más de un espectador. Os dejo aquí con diez de estas películas por orden cronológico. Espero vuestras propias recomendaciones:


THE GENERAL (Buster Keaton, 1926)

La obra maestra de uno de los mejores cómicos del cine mudo, Buster Keaton, y que supone un icono en la historia del cine. Considerada como una de las mejores comedias de todos los tiempos, y una de las mejores películas basadas en la guerra civil americana, Keaton nos presenta la historia de un joven maquinista del sur que pierde a su chica al creer esta que es un cobarde. Pero no pasará mucho tiempo hasta que el maquinista tenga la oportunidad de demostrar lo contrario, cuando un grupo de soldados del norte le roban la locomotora y a su antigua novia.
Mi escena favorita: Cuando le echan de la oficina de reclutamiento, se vuelve muy enfadado, les señala con el dedo y les dice "Si luego pierden la guerra, no me echen la culpa". 



CITY OF LIGHTS (Charles Chaplin, 1931)

Posiblemente, mi película favorita de Chaplin junto a Monsieur Vordeaux. En ella, el entrañable vagabundo de Chaplin, trata de ayudar a una joven y pobre florista ciega de la que se enamora para darle una vida mejor. Para ello, prueba suerte en distintos trabajos, incluso boxeador. También traba amistad con un millonario borracho que decide darle mil dolares. A la mañana siguiente, el millonario no recuerda nada, por lo que Chaplin es detenido por "el robo", no antes de que de el dinero a la joven para que se someta a una operación de la vista. No solo es una gran comedia, también tiene esos momentos dulces y dramáticos que impregnan la filmografía de Chaplin, cuyo mensaje no es más que sonreír cada día, a pesar de las adversidades.


IT HAPENNED ONE NIGHT (Frank Capra, 1934)

Considerada como una de las primeras, o la primera, "Screwball Comedy" (películas de enredo) de la historia del cine, una joven y consentida millonaria (Claudette Colbert) huye del lado de su padre para evitar un matrimonio concertado con otro consentido millonario. Huyendo en un autobus, un joven periodista (Clark Gable) la reconoce y le ofrece su ayuda a cambio de la exclusiva de la noticia. La magia de esta película reside en la química entre ambos actores y las situaciones en las que se verán envueltos.
Fue la primera película que ganó las 5 principales estatuillas de los Oscar (Mejor Película, Director, Actor, Actriz, Guión).
En este ENLACE podéis ver la película completa.



A NIGHT AT THE OPERA (Sam Wood, 1935)

Posiblemente la mejor comedia de los hermanos Marx, o la que tiene los mejores momentos. Yo le daría el puesto número uno junto a Duck Soup, pero eso es solo mi opinión. Sí que fue la más exitosa de sus películas, además de regalarnos posiblemente la mejor escena de comedia de la historia: la famosa escena del camarote. Y nadie puede olvidar la de "la parte contratante de la primera parte..."
Esta es mi favorita:



YOU CAN´T TAKE IT WITH YOU (Frank Capra, 1938)

Otro gran ejemplo de Screwball Comedy, en el que una joven (Jean Arthur) se enamora de su jefe (James Stewart), proveniente de una familia de la alta clase, y lo lleva a conocer a su lunática familia. Los enredos, malentendidos, y diferenciación, no solo entre dos clases, sino dos mundos, hacen la delicia del espectador.



NINOTCHKA (Ernst Lubitsch, 1939)

El gran maestro, Billy Wilder, tenía un cartel en su despacho en el que decía "¿Como lo haría Lubitsch?", y es que el director de Ninotchka trajo a Hollywood alguna de sus comedias más importantes. Cuidando especialmente la historia, los diálogos, y prestando atención a todos los detalles. No eran comedias baratas, eran obras maestras. En esta cinta vimos la bis cómica de Greta Garbo, y la frase promocional de "La Garbo ríe" ha pasado a la historia.
Una joven y fría rusa serán enviada a París para solucionar los problemas de una comisión de camaradas anterior que tratan de vender las joyas de una antigua aristócrata rusa. Una vez allí, conocerá al apuesto playboy que tratará de evitarlo, a la vez que se enamora de ella.



TO BE OR NOT TO BE (Ernst Lubitsch, 1942)

Realizada durante la segunda guerra mundial, "Ser o no ser", es mi cinta favorita de Lubitsch. No es solo una comedia; no es película de denuncia al nazismo; no es solo una película propagantística; es todo eso y mucho más. En mi opinión, su obra maestra.
Un grupo de actores polacos tratarán de evitar que la lista de los miembros de la resistencia lleguen a manos alemanas. Para ello, se harán pasar por oficiales nazis, e incluso por el propio Hitler.



SOME LIKE IT HOT (Billy Wilder, 1959)

En plena Ley Seca, dos músicos, testigos de un crimen de la mafia, deberán hacerse pasar por mujeres para evitar acabar bajo tierra. Considerada como una de las mejores comedias de la historia, Jack Lemmon, Tony Curtis y Marilyn Monroe presenta esta genial obra de Billy Wilder, en la que el humor negro, los malentendidos, y un soberbio guión, sigue despertando las carcajadas de sus espectadores.
La frase final de la película "Nadie es perfecto", ya es parte de la historia.




ONE, TWO, THREE (Billy Wilder, 1961)

Puede que a algunos os sorprenda, no sé muy bien la razón, pero esta es mi comedia favorita de Wilder. Sin tener el atractivo de la historia de Some like it hot, o su reparto, si tiene quizás los mejores diálogos de comedia de Wilder. Al menos los más cínicos. Más de cien minutos de ingenio visceral y crítica sobre la guerra fría, representada por el representante de Coca-Cola en Berlín oeste que ha de cuidar a la hija de su jefe, hasta que se entera que se ha casado con un joven comunista y que está embarazada. Tendrá que sacar al chico de Berlín Oriental y convertirle en un aristócrata alemán. 


EL VERDUGO (Luis García Berlanga, 1963)

No podía terminar este listado sin incluir una película española. Considerada por algunos como la mejor de la historia, esta genial comedía del maestro Berlanga es una genial sátira de la profesión de verdugo en la España franquista. Quizás su mejor muestra de humor negro.


Para terminar, aquí os dejo un genial vídeo de TCM sobre la comedia:


@solocineclasico

miércoles, 24 de abril de 2013

Películas - Años 50: Las aguas bajan turbias (1952)


LAS AGUAS BAJAN TURBIAS 8\10


Hablar de un película de Hugo del Carril, amerita que se hable de él. Pero hablar de él, de toda su carrera y pensamientos, es algo que debe hacerse en post especial. Por lo que aquí, resumiremos en pocas palabras algo de lo mucho interesante que hay para hablar de él. Así que vamos a decir que Hugo del Carril no era solo el cantante de tango (Y que cantor!!!), fue además un prolífico director, actor, productor y guionista, además de ser un hombre comprometido con la realidad social.

Metiéndonos ya en la trama, nos encontramos con un drama social, que comienza quizá con poca fuerza y levanta en intensidad a medida que avanzan los minutos.
Muchas personas son llevadas a trabajar (algunas queriendo y otras a la fuerza) al otro lado del río Paraná, en los yerbatales.
El cuento es viejo y repetido: la promesa es grande, el resultado es aterrador.
Así es como ya desde el inicio, los lugareños hablan de ese engaño haciendo referencia a lo turbio del agua que baja de allí, de los yerbatales. Pocos han vuelto de ese trabajo, y la mayoría de los que volvieron, volvieron justamente como cadávares que traía el río.
Con esta introducción comenzamos la historia: Llega un barco, y ya ahora somos nosotros los espectadores, testigos de aquello que se contaba en la introducción. Es por esto también, que poco a poco la intensidad crece, porque ya conocemos a los personajes, no son solo historias de personas de las que no sabemos ni el nombre. Los protagonistas van contando sus historias, vemos su honestidad en mucho de ellos a travez de sus actos. Y vemos la humillación a la que son sometidos. Por supuesto entonces, nuestro interés crece.
Para terminar de enganchar, la película incluye a mitad de la trama, una historia de amor. Y ya el apuro por cambiar la situación es mayor. 

Lo que sigue, hay que verlo, pero vale destacar que los recursos que se utilizan son oportunos para generar empatía. Los paneos son puestos en los momentos justos. La música, también. Claro! Hugo del Carril no podía no cantar! Pero debo decir que no se abusa de esto. No es una película que se usa de excusa para que el cantor se luzca. No. Ante todo él esta ahí como director, y protagonista. El cantor esta medido, justo. Colabora con los climas que se necesitan, en los pocos momentos que aparece una canción.

Solo me quedé pensando ¿Dónde catso consiguieron un arpa en medio de ese lugar, donde los dueños no parecen muy amigos de las artes justamente?. Pero bueno, ahí esta el arpa en una fiesta. Claro que se podría decir que tiene un sentido simbólico, pero igual no me convence.

Como otra cosa negativa (quizá en la mayoría de las películas de esa época) se podría mencionar alguna tosquedad en los diálogos, alguna situación medio forzada actoralmente (la mujer acostandose en el granero, el ciego hablando al protagonista, algunos besos que mucho no me convencieron (ya sabemos que los besos en el cine fueron evolucionando, hasta se podría hacer un post sobre eso jajaja); y para terminar, justamente el final, que me resultó algo abrupto. Eficaz, pero abrupto.

Como cosa positiva, casi todo: la trama (que no deja de perder vigencia, sobre todo en algunos lugares del mundo); los actores, que todos aportan algo; la dirección artística (vaya tarea en aquella época para cualquier país que no fuese Estados Unidos), la dirección, y obvio, las canciones.
Un drama social y romántico con el que seguro se engancharan.

El Consejo: Recuerden que la intensidad crece con los minutos.

El Dato: También se ha conocido con el nombre “Infierno verde”.

Aquí podéis ver la Película Completa:



@solocineclasico

martes, 23 de abril de 2013

Charles Chaplin y la "caza de brujas" de McCarthy.



Por casi todos es sabido los problemas políticos que padeció Charles Chaplin durante parte de su carrera en Estados Unidos. Siempre le he considerado más un artística que un cineasta. Me explico. Siempre he visto a Chaplin más preocupado por lo que cuenta, por el mensaje, que por la técnica, propiamente dicha. Lo mismo podría haberse expresado a través de la pintura, la escritura, la música, por cualquier vía artística, sin embargo lo hizo a través del cine, y en calidad de celebridad. Un arma poderosa, ya que eran muchos los que le escucharon, y sus comentarios no estarían exentos de respuestas.

Por eso, para mi, Chaplin fue un héroe. Denunció la deshumanización de la sociedad en Modern Times; denunció los totalitarismos en The Great Dictator; e incluso denunció la segunda guerra mundial en Monsieur Verdoux. Todas estás películas recibieron ataques de todos los frentes. Chaplin se granjeó la enemistad de muchos conservadores en EEUU. J. Edgar Hoover comenzó a recopilar archivos secretos sobre Chaplin que más tarde se usarían en su contra. Fue sentenciado antes de tiempo. 
Tras el estreno de Monsieur Verdoux, en 1947, Chaplin acudió a una conferencia en NY, donde fue agredido verbalmente por más de 100 periodistas.

Y esto es solo desde el punto de vista artístico. En el personal, la polémica en 1942 con Joan Barry cuando esta denunció al actor de no querer reconocer la paternidad de su hija. En 1944, el proceso iniciado por Barry se resolvió a favor de Chaplin.
También fue acusado de no cumplir la Ley Mann, la cual prohibía el traslado de individuos a otros estados con el objetivo de prostituirlos; de participar en un acto de solidaridad con Rusia en San Francisco; intervenir en un acto de arte ruso en New York; e incluso por escribirle una carta a Pablo Picasso, abiertamente comunista, en referencia al Caso Eisler (compositor alemán que había huido del nazismo, y que fue expulsado de EEUU tras el comienzo de la "guerra fría").



En 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas comenzó a presionar a la fiscalía para que se deportara a Chaplin. A pesar de que fue llamado a testificar en varias ocasiones, él nunca se presentó. Uno de los senadores afirmó lo siguiente: "... el comportamiento de Chaplin se aproxima peligrosamente a la traición".
El 17 de septiembre de 1952, el Fiscal General de Estados Unidos dio instrucciones para retener al actor y a parte de su familia cuando viajaban en el RMS Queen Elizabeth para asistir al estreno de Limelight en Europa, y de esa forma, debatir si debía ser expulsado o no. Se le acusó de "pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido".

Esto es un extracto de uno de los interrogatorios que se llevaron en su casa durante el proceso de investigación al que fue sometido:

(...) Una semana después recibí una llamada telefónica del Departamento de Inmigración para decirme que desearían formularme algunas preguntas. ¿Podían venir a mi casa?
     
     -Desde luego -contesté.
 Vinieron tres hombres y una mujer; la mujer traía una máquina estenográfica. Los otros llevaban unas cajitas cuadradas que contenían, indudablemente, magnetófonos. El principal interrogador era un individuo alto y delgado, de unos cuarenta años, apuesto y astuto. Me di cuenta de que eran cuatro contra uno, y que debí haber hecho que estuviera presente mi abogado, aunque no tenía nada que ocultar. Los conduje a la veranda y la mujer llevó su máquina estenográfica y la colocó sobre una mesita. Los otros se sentaron en un diván, con los magnetófonos delante. El interrogador sacó un dosier de unos treinta centímetros de alto, que depositó cuidadósamente en la mesa que tenía junto a él. Me senté enfrente. Luego empezó a hojear su dosier, hoja por hoja.

     -¿Es Charles Chaplin su verdadero nombre?
     -Sí.
     -Algunas personas dicen que su nombre es... (aquí mencionó un nombre de evidente sonido extranjero) y que usted es originario de Galitzia.
     -No. Mi nombre es Charles Chaplin, como mi padre, y nací en Londrés, Inglaterra.
     -¿Dice usted que no ha sido nunca comunista?
     -Nunca. No formado parte jamás de una organización política en mi vida.
     -Usted pronunció un discurso en el que dijo "camaradas". ¿Qué quería usted dar a entender con eso?
     -Exactamente eso. Busqué la palabra en el diccionario. Los comunistas no tienen la exclusiva de esa palabra.
Continuo con preguntas por el estilo; luego, de repente inquierió:

     -¿Ha cometido usted alguna vez adulterio?
     -Óigame - le contesté-, si está buscando una argucia para echarme del país, dígamelo y arreglaré mis asuntos de acuerdo con ello, porque no deseo permanecer en ninguna aprte donde se me considere persona non grata.
     -¡Oh, no! -me dijo-; es una pregunta que se hace al tramitar todos los permisos para una nueva entrada.
     -¿Cuál es la definición de "adulterio"? -pregunté. Los dos la buscamos en el diccionario.
     -Significa "fornicación con la esposa de otro hombre" -me dijo. Reflexioné un momento.
     -No, que yo sepa -le dije.
     -Si este país fuese invadido, ¿lucharía por defenderlo?
     -Con toda seguridad, quiero a esta Nación, aquí tengo mi hogar, y aquí he vivido durante 40 años -contesté.
     -Pero Ud. no se ha hecho ciudadano americano.
     -No hay ninguna ley en contra de eso. Sin embargo pago aquí mis impuestos.
     -Pero, ¿por qué sigue las consignas del partido?
     -Si Ud. me dice lo que son las consignas del partido y de que partido podré contestarle si las sigo o no.


Poco después, en 1953, Chaplin se traslado a Corsier-sur, Vevey, en Suiza, país en el que residió hasta su muerte. En 1957 estrenó A King in New York, donde denunció la caza de brujas de McCarthy. Tanto crítica como público siguen dividos al respecto esta obra. Para algunos es una de sus peores películas, para otros su obra maestra.
Al cumplir los 64 años, se trasladó a Ginebra para entregar al cónsul norteamericano su permiso de retorno a Estados Unidos, con lo cual demostró su intención de no querer volver a ese país, aunque después regresó para recibir un premio por su trayectoria en 1972. Cinco años después moría una de las grandes leyendas del siglo XX.


Mirada de cerca, la vida parece una tragedía; vista de lejos, parece una comedia. Nunca te olvides de sonreír, porque el día en que no sonrías será un día perdido. La vida es una obra de teatro que no permite ensayos. Por eso, canta, ría, baila, llora y vive cada momento, antes de que baje el telón y la obra termine sin aplausos. Hay que tener fe en uno mismo. Aún cuando estaba en el orfanato o recorría las calles buscando qué comer, me consideraba el actor más grande del mundo. La vida es maravillosa... si no se le tiene miedo. Sin haber conocido la miseria, es imposible valorar el lujo. Más que maquinaria necesitamos humanidad, y más que inteligencia, amabilidad y cortesía. Fui perseguido y desterrado, pero mi único credo político siempre fue la libertad.

(Charles Chaplin)



@solocineclasico

VIA: Portal Planeta Sedna y Wiki

Figuras del Cine Clásico: Edward G. Robinson

Nacido como Emanuel Goldenberg en 1893, se crió en una comunidad judía de Bucarest, Rumanía. A los 10 años emigró junto a sus padres a New York, donde se planteó el ser abogado o rabino, pero a una beca de la Academia Americana de Artes Dramáticas hemos de dar las gracias que no tomase ninguno de esos dos caminos. También allí tomo la decisión de cambiar su nombre a Edward G. Robinson.
Sus inicios fueron, como casi todos, difíciles. Trabajaba de suplente e hizo su debut en Broadway, dos años más tarde, en 1915. Al año siguiente realizaría su primer papel en el cine. No sería hasta 1931 cuando consiguiera su primer gran papel. Se trataba de su personaje Rico Bandello en Little Ceasar (Hampa Dorada, Mervyn LeRoy). De ahí que pasase a ser conocido como uno de esos actores que siempre daban vida a tipos duros, y normalmente relacionados con la mafia, como James Cagney o Humphrey Bogart.

Ya en los años 40 alternó papeles de tipo duro, con los de personajes relevantes, cuando no protagonista, de dramas o cine noir. Algunos buenos ejemplo de ello serían Dr. Ehrlich´s Magic Bullet (William Deterle, 1940); Double Indemnity (Billy Wilder, 1944); The Woman in the Window (Fritz Lang, 1944); Scarlet Street (Fritz Lang, 1945); o The Stranger (Orson Welles, 1946).

En los años 50 fue uno de los acusados de ser comunista durante la famosa caza de brujas; tuvo que vender parte de su inmensa para sufragar los costes de su divorcio con Gladys Lloyd; y no consiguió tantos buenos papeles como en años anteriores. Fue a partir de su trabajo en The Ten Commandments ( Cecil B. de Mille, 1956) cuando le llegaría alguno de sus papeles más aplaudidos, como A hole in the head (Frank Capra, 1959); o The Cincinnati Kid (Norman Jewinson, 1965).

Moriría en 1973, dos meses después de haber terminado el rodaje de Soylent Green (Richard Fleisher, 1973), y poco antes de recibir un Oscar Honorífico. Nunca estuvo nominado por ninguno de sus papeles.
Realizó más de 90 películas a lo largo de 50 años de carrera en los que se convirtió en un actor de lujo que marcó a toda una generación por sus papeles de tipo duro.

Desde Solo Cine Clásico recomendamos los siguientes títulos:

Five Star Final (1931) de Meryn LeRoy
Little Caesar (1931) de Mervyn LeRoy
Barbary Coast (1935) de Howard Hawks
Dr. Ehrlich´s Magic Bullet (1940) de William Dieterle
Double Indemnity (1944) de Billy Wilder
The Woman in the Window (1944) de Fritz Lang
Scarlet Street (1945) de Fritz Lang
The Stranger (1946) de Orson Welles
Key Largo (1948) de John Huston
Big Leaguer (1953) de Robert Aldrich
The Ten Commandments (1956) de Cecil B. De Mille
The Prize (1963) de Mark Robson
Cheyenne Autumn (1964) de John Ford
The Cincinnati Kid (1965) de Norman Jewinson


@solocineclasico

Retrospecter: Boy Scout Corrupto!



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lunes, 22 de abril de 2013

7 Películas Homanajes al Cine Clásico: Mi semana con Marilyn, 2011


MY WEEK WITH MARILYN (6,5/10)


Con esta película sobre Marilyn Monroe terminamos este especial sobre películas homenajes al cine clásico. Han sido siete títulos que espero hayan despertado vuestro interés un poco más sobre el cine clásico a través de figuras relevantes de dicha época, o géneros cinematográficos. El caso de hoy es quizás uno de los más desaprovechados que se me vienen a la cabeza. Es una película que aunque me gustó ver, sentí innecesaria e incompleta. 


LA PELÍCULA

La historia está basada en los libros de Colin Clark, el cual vivió un affaire con Marilyn Monroe mientras esta se encontraba en Inglaterra rodando The Prince and the Showgirl (Laurence Olivier, 1956). Donde además de esto, será testigo de los problemas del rodaje por los continuos enfrentamientos entre Olivier y Monroe, y por supuesto, la expectación que provoca la personalidad publica de Marilyn, y su cara más íntima.
No es lo mismo hacer un película sobre el rodaje de Psyco, donde podemos analizar a la perfección la figura de Alfred Hitchcock en el momento culmen de su carrera, a ver el intrascendente rodaje de The Prince and the Showgirl, y el supuesto "romance" que mantuvo Marilyn con uno de los ayudante de Olivier. Hubo mejores momentos en la vida de Marilyn en los que realizar una autopsia sobre su carácter  personalidad, vicios, escándalos, romances e incluso trabajos. Salvan la película dos personas: Michelle Williams metiéndose en la piel de Marilyn Monroe (gran trabajo, aunque hubiese preferido a Scarlett Johansson por su parecido), y mostrando alguna de las características principales de la personalidad de Marilyn como talento, inseguridad, depresión, sensualidad... Y por supuesto, el incomparable Kenneth Branagh en uno de los papeles más especiales que ha podido rodar jamás, el de Sir Laurence Olivier, uno de sus mentores espirituales, y con el que se le llegó a comparar tras el éxito de su ópera prima, Henry V.
El resto de secundarios hacen lo que pueden con papeles que el guión no supo desarrollar, como el de Emma Watson... y sin duda alguna, lo peor de lo peor, es sobrevalorado Eddie Redmayne en el papel de Colin Clark, el ayudante de Olivier que escapa con Marilyn Monroe. Sé que esto no es profesional, pero... ¿me estás diciendo que el "piltrafilla" este va a tener "algo" con una de las mujeres más deseadas de la historia? No me gusta ser superficial, pero... 



ANÁLISIS DEL HOMENAJE

Exceptuando el romance que vivió Clark con Monroe, que no sé hasta que punto es cierto, todo lo demás está basado en hecho reales. La película se salvo por esto precisamente, en la presentación de la forma de ser y trabajar con Marilyn, junto al ego de Laurence Olivier, e incluso la figura de Vivien Leight. Los miedos e inseguridades que sentía la protagonista durante el rodaje; la dificultad para recordar una simple palabra en algunas ocasiones, y la pasmosa facilidad para memorizar 3 o 4 folios de diálogos. Ya lo decía Billy Wilder, trabajar con Monroe era una pesadilla, pero fue la mejor actriz de comedia con la que trabajó en su vida, y el resultado siempre era inmejorable. Olivier, y todos nosotros, somos testigos de ello durante el rodaje y al concluirlo. Ella era especial. Era algo más que una cara bonita. 
Hay una anécdota en especial que me encanta, y es en la que durante un interminable día de rodaje, Laurence Olivier no tuvo otra cosa que hacer que pedirle a Marilyn que no se preocupase por su actuación, que se dedicase a ser sexy.


RESULTADOS

La película recibió críticas de todo tipo. Sus defensores alegan que el trabajo de Michelle Williams fue de los más aplaudidos del año. Los detractaores, que apenas araña la superficie de lo que podría haber sido una gran película sobre Marilyn Monroe. 
Tanto Michelle Williams como Kenneth Branagh consiguieron las nominaciones al Oscar por sus papeles, mostrando una vez más lo que le gusta a los académicos ver a sus actores dando vida a otros actores del pasado. Williams ganó el globo de oro.

Esto ha sido todo, amigos. Espero que hayáis disfrutado de este recopilatorio de películas que he preparado para vosotros. Si me dais algunos títulos, puede que salga una segunda parte.


#7homenajes
@solocineclasico

domingo, 21 de abril de 2013

7 Películas Homenajes al Cine Clásico: El Aviador, 2004


THE AVIATOR (8,5/10)


¿Veis todos la portada de este blog?, ¿veis la cita de Martin Scorsese?, ¿Las películas son los recuerdos de nuestra vida. Hemos de preservarlos? Os dará una idea muy clara de los sentimientos de uno de los mejores director de la actualidad hacia el cine, en especial el clásico. No es de extrañar que Scorsese aceptase a dirigir un bio-topic sobre una de las figuras más celebres y polémicas del Hollywood clásico. Estamos hablando de Howard Hughes


LA PELÍCULA

Leonardo DiCaprio da vida al excéntrico piloto, director/productor, y casanova. A mediados de los años 20, y tras haber heredado una pequeña fortuna de las pozos petrolíferos de su padre, se traslada a Hollywood donde comienza a trabajar de director y productor con la épica Hell´s Angels. Una película cuyo rodaje es casi igual de épico por la cantidad de dinero y tiempo que empleó en terminarla. Por poner un ejemplo: una ver terminada la película, y a punto de estrenarla, hace aparición el cine sonoro. Hughes queda tan encantado de este adelanto técnico que toma la decisión de volver a rodar la película. Vemos también sus encantos con las mujeres, especialmente actrices, a las que lleva a su cama con una facilidad envidiable. Este es el comienzo de la película, esta es la presentación de Howard Hughes. En adelante entrelazaremos al Hughes ingeniero de aviones y piloto; el Hughes cinematográfico; y el Hughes amante. Todo este cúmulo de actividades unido a sus propias manías sobre higiene y limpieza, debido a su trastorno obsesivo compulsivo (T.O.C.).
El proyectó comenzó cuando el director de la trilogía de The Dark Knight, Christopher Nolan, mostró su interés por rodar un bio-topic sobre Howard Hughes, que al parecer se iba a centrar mucho más en su vida privada y en sus polémicas, con Jim Carrey en el papel principal. El también director, Michael Mann, se hizo con el proyecto, pero ante la imposibilidad de poder rodarlo cedió el proyecto a Leonardo DiCaprio, admirador de Hughes, que convenció a Martin Scorsese para llevarlo a cabo. El excelente guión de John Logan hizo el resto.



Aunque DiCaprio es alma y espíritu de la cinta, contamos con un reparto de lujo, dando vida a las personas más cercanas o importantes en la vida del aviador. Sus dos grandes amores "en la película", son Hatharine Hepburn y Ava Gadner, interpretadas por Cate Blanchett y Kate Beckinsale; su mano derecha Noah Dietrich, al que da vida John C. Reilly; y dos de sus peores enemigos, Juan Trippe (Alec Baldwin) y el senador Ralph Owen Brewster (Alan Alda). Con otras caras conocidas como Jude Law, Williem Dafoe o Gwen Stefani.
Tecnicamente la película es impecable. Aunque la mayor parte de los efectos visuales se destinaron a las partes de los aviones (con toda la razón del mundo), también vemos al inicio del filme que las escenas tienen un fuerte efecto azul. Scorsese mandó sustituir el color verde por el azul para simular una vieja técnica de dos tonos en filmes Techicolor, y el resultado impresiona.


ANÁLISIS DEL HOMENAJE

Howard Hughes tuvo tres pasiones en su vida: los aviones, el cine, y las mujeres. Triunfó en todas ellas. Pero vamos a centrarnos en las dos últimas. La película comienza presentándonos el rodaje y éxito de Hell´s Angels. A partir de ese momento solo se menciona de pasada la producción de algunas de sus películas como Scarface o The Outlaw (El Forajido, 1943). Lo que prima es su vida privada. Como conoce a Katharine Hepburn en un campo de golf en un claro homenaje a Bringing up baby (La fiera de mi niña, 1938), el declive en esta relación que da paso a la que la famosa pelirroja mantuvo durante años con Spencer Tracy; Ava Gadner la cual hechizó a Hughes, y la que quizás más apoyó a Hughes es sus peores momentos.
La figura de Hughes es la del típico multimillonaria excéntrico y atormentado. La fuerte influencia que recibió de su madre, además de su sobreprotección, hizo de él un hombre con demasiadas fobias. Con problemas de auto-control, y obsesión por las mujeres. Quería controlar todo lo que hacían, todas sus vidas. Razón por la cual, muchas de sus queridas acabaron aburriéndose o sintiendo auténtico terror por la figura de Hughes.
Esto lo podemos ver claramente cuando presenta a su nueva aspirante a estrella de 15 años, Faith Domergue, a la que prohíbe entre otras cosas, comer helado.
Especialmente interesante es la reunión con el consejo censor de películas cuando amenazan con cancelarle el estreno de The Outlaw porque los senos de Jane Russell.
Hughes podía presumir de haber "conquistado" a mujeres como Bette Davis, Rita Hayworth, Gene Tierney, Ava Gadner, Olivia de Havilland, Yvonne DeCarlo, Jane Greer, Kathryn Grayson, Ginger Rogers, Billie Dove...
Este no es el bio-topic del típico director, productor, o estrella de cine. Es el bio-topic de un hombre que cultivó distintas facetas, por eso quizás, el análisis que se le pueda hacer a la película desde el punto de vista cinematográfica sea menor.



RESULTADOS

La película recibió muy buenas críticas , alabando el trabajo de Scorsese, Logan, DiCaprio y Blanchett. Aunque no fue el taquillazo que se esperaba, si que consiguió un gran número de nominaciones a los Oscar, haciéndose con cinco de ellas, entre las que destaca el premio a Cate Blanchett por su interpretación de otra ganadora de varios oscars, Katharine Hepburn.
Todo un ejemplo de como hacer buen cine, y homenajear el Hollywood clásico.



Mañana: My week with Marilyn (Simon Curtis, 2011)

#7homenajes
@solocineclasico

P.D.: En esta cinta aparece una de las actrices más sexy y desconocidas de la actualidad, Josie Maran, dando vida a la camarera "egipcia" al comienzo de la cinta. A mi me da de todo cuando la veo, jeje!

viernes, 19 de abril de 2013

7 Películas Homenajes al Cine Clásico: Hitchcock, 2012


HITCHCOCK (7/10)


Es de agradecer un intento como este de contar únicamente un momento de la vida del gran Alfred Hitchcock que el contar toda su vida. De haberlo hecho seguramente nos habríamos encontrado el retrato de un genio obsesionado con las rubias bien "formadas", y vete a saber que más.
El director, Sacha Gervasi, decide limitar la historia al rodaje de Psyco, centrándose especialmente en la figura de Alma Reville, la señora Hitchcock, mostrando la influencia que transmitía a su marido, algo que hace a la película un documento más que interesante.


LA PELÍCULA

Alfred Hitchcock, director de grandes éxitos como Notorious (Encadenados, 1946); Rear Window (La ventana indiscreta, 1954); o The Man who knew too much (El hombre que sabía demasiado, 1956); acaba de presentar su último gran triunfo: North by Northwest (Con la muerte en los talones, 1959), por lo que todo el mundo espera ansioso su nuevo proyecto. Son muchas las sugerencias que recibe Hitchcock sobre que es lo próximo que debería rodar, de ahí que sorprenda a todos cuando anuncia que su siguiente película sería una historia de terror llamada "Psyco", sobre un asesino en serie.
Prácticamente nadie le apoya, incluido los principales estudios de cine, por lo que deberá financiar la película el mismo. 

Dando vida a Alfred Hitchcock nos encontramos a uno de los mejores actores sobre la faz de la tierra, Anthony Hopkins, que si bien no guarda parecido alguno a Hitchcock, la papada, el maquillaje, la ropa y los gestos ayudan un poco. Si que es cierto que la sensación de que estamos viendo a un director de cine gordo y excéntrico pasa más por la cabeza que la visión de Hitchcock, pero tampoco merece la pena darle muchas vueltas. Sea lo que sea, olvidamos que ese director gordo sea Hopkins.
La otra gran protagonista es Helen Mirren, la actriz perfecta para dar vida a la gran mujer que hay detrás de todo gran hombre. En este caso, interpreta a Alma Reville, esposa de Hitchcock. En la cinta vemos la gran influencia que ejerce en Hitchcock, tanto a la hora de revisar la historia, los diálogos, y el propio montaje, homenajeando y haciendo justicia a esta buena mujer, responsable de parte del genio de su marido.
El resto de los secundarios cumplen a la perfección su cometido, de una manera quizás superior a los que aparecen, por ejemplo, en Chaplin. Ver a Scarlett Johansson (que siempre es un placer) interpretando a Janet Leigh, es ver a Janet Leigh; ver a James D´Arcy (que gran papel hace en Master and Commander) interpretando a Anthony Perkins, es ver a Anthony Perkins; ver a Jessica Biel interpretando a Vera Miles, es ver a Vera Miles. 
(Scarlett Johanson como Janet Leigh)

(James D´Arcy como Anthony  Perkins)


ANÁLISIS DEL HOMENAJE

No hace falta presentación alguna sobre la figura de Hitchcock, Gervasi es consciente de ello, pero nunca viene mal ubicar el momento en el que arranca la película. En este caso, la producción y rodaje de Psyco tras el éxito de North by Northwest es el momento idóneo. 
Vemos como Hitchcock devora la novela en apenas un día; como decide hacer caso omiso de los que le recomiendan que no siga adelante con la idea de rodar dicha película; como se hace con los derechos de autor y todos los ejemplares que habían llegado a las tiendas para evitar que se sepa el final; la obsesión de Hitchcock por sus actrices; como su propio estado de animo le afecta a la hora de rodar algunas secuencias (principalmente la inmortal escena de la ducha); la elección de Joseph Stefano como guionista; su relación con Vera Miles; los problemas con la oficina de censura; la propia identificación que siente Hitchcock con el asesino real; los miedos que surgen mientras está montando la película; el famoso tema de Bernard Herrmann... tantos y tantos detalles que harán disfrutar a los fans de Hitchcock.




RESULTADOS

La película recibió buenas críticas por lo general. Alaban la historia, el tratamiento de la misma, y sobretodo el trabajo del reparto y el gran homenaje que hacen al rodaje de una de las películas más importantes y conocidas de la historia.
Quizás por el simple hecho de ser un sencillo aunque más que correcto bio-topic, y la tardanza de su estreno, Hitchcock no consiguió más nominaciones a los Oscar de las que según los expertos merecía. Algunos pedían nominaciones en Mejor Película, Actor para Hopkins, Actriz para Mirren, Guión Adaptado, Dirección Artística. En mi opinión exagerado. Si quizás para Hopkins, pero poco más. Finalmente se conformaron con la nominación a Mejor Maquillaje.
Como siempre digo, prefiero este tipo de cinta a un remake.


Mañana: The Aviator (Martin Scorsese, 2004)

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jueves, 18 de abril de 2013

7 Películas Homanajes al Cine Clásico: Chaplin, 1992


CHAPLIN (7/10)


Era cuestión de tiempo, y aún más sabiendo el cariño que le profesó Hollywood a uno de los grandes iconos de la historia del cine mundial como fue Charles Chaplin, que llegase un bio-topic de su vida.
Y he aquí que tenemos uno de esos claros ejemplos de bio-topic completo, vida, obra, nacimiento y muerte. La película dirigida por Richard Attenborough trata de contar toda la vida de Chaplin de principio a final, haciendo especial incapie a su infancia, sus comienzos en el cine, los problemas que surgieron tras el rodaje de The Kid, los años 30 y la conciencia social de Chaplin con Modern Times y The Great Dictator, y ya finalmente su retiro a Europa hasta su regreso para recoger su Oscar Honorífico.


LA PELÍCULA

La historia arranca usando una de las herramienta menos originales que existen, el protagonista recordando su vida a modo de flash-backs. En este caso, un anciano Chaplin (Robert Downey Jr.) relata a su biógrafo (Anthony Hopkins) su infancia, su trayectoria en Hollywood, su retiro... todo, prácticamente.
De esta manera, retrocedemos en el tiempo, con el propio Chaplin como guía, hasta sus primeros días en Londres, donde desde muy temprana edad arrancaba las risas y aplausos del público. Pocos años después es contratado en Hollywood debido a su fama y ya allí es donde triunfa por todo lo alto. Chaplin nunca olvida sus orígenes, razón por la cual sus personajes, o mejor dicho, su eterno personaje, es un vagabundo.
Tampoco olvida a su familia, ni a su madre (Geraldine Chaplin), cuyos recuerdos, le hacen filmar una de sus mejores películas, The Kid. En los años 20 es una de las figuras más exitosas y respetadas de Hollywood. Lo que no le evitan amoríos y escándalos de todo tipo. Todo esto queda patente en el film. Ya en los años 30 es cuando Chaplin obtiene una mayor conciencia social sabiendo que su cine es referente en el mundo entero. De ahí que decida realizar dos de sus películas más trascendentales. Modern Times, donde quiso hacer denunciar la situación de los trabajadores durante la gran depresión; y The Great Dictator, ridiculizando las figuras de Hitler y Mussolini.
Ninguna de las dos estuvo exenta de polémica, unido a la caza de brujas de McCarthy, Chaplin se traslada a Europa. Años después vuelve a Hollywood para recoger el Oscar Honorífico que le da la academia.



ANÁLISIS DEL HOMENAJE

Esta película no es como las anteriormente mencionadas en las que la película trata un momento concreto, no. Abarca la vida entera de Charles Chaplin, saltándose algunos momentos, o dando mayor importancia a unas cosas que otras. Pero en general, nacimiento, obra, muerte.
Hubo quien la críticó por analizar más la vida privada de Chaplin, que sus películas. Vamos a ver, esto no es cinta sobre como Chaplin rodaba sus películas. Eso puede llegar a ser intrascendente. Resulta mucho más interesante cuando vemos que Chaplin rodó The Kid porque era un recuerdo de infancia, es una película casi autobiográfica. Rueda Modern Times y The Great Dictator por las razones que tuvo. Hubo otras comedias o dramas que dirigió por otras razones que a lo mejor nada tenían que ver con su propia vida, pero esa razón por la cual un artista desea desnudar su alma a través del arte es lo que da mayor importancia al hecho de que sean narradas en esta película. Y así lo hace Attenborough.

Come le afectó la figura de su madre; sus comienzos en Hollywood de la mano de Mack Sennet; sus primeros éxitos; la vida en el Hollywood de los años 10, 20 y 30; la influencia que recibió para principales películas; su trascendencia como figura pública conocida internacionalmente; su "declive"... todo esta en la película. De ahí que sea un documento interesante, aunque incompleto.



RESULTADOS

Richard Attenborough trató de repetir el éxito cosechado de Gandhi (¿alguien más piensa que esa película está sobrevalorada?) con la figura de Charles Chaplin, pero no pudo ser. Se le acusó de querer abarcar mucho metraje de manera limitada. Problema tanto de guión como de dirección. Personalmente creo que la dirección de Attenborough es más que correcta, mostrando en algunas escenas una clara influencia al legado de Chaplin. Buena muestra de ello es cuando huyen con los rollos de película de The Kid. Y solo es un ejemplo.
Independientemente de las críticas que obtuvo, si que hubo consenso en el hecho de que el trabajo de un joven Robert Downey Jr. dando vida a Chaplin fue encomiable.
La película posee un gran reparto, que si bien vistoso, el que más destaca por razones obvias es el propio Downey Jr., siendo siempre el personaje principal impidiendo que ningún secundario destaque.
Anthony Hopkins, Dan Aykroyd, Marisa Tomei, David Duchovny, Penelope Ann Miller, Kevin Kline, Maria Pitillo, Milla Jovovich, Kevin Dunn, Diane Lane, James Woods, Geraldine Chaplin... esto son solo algunos de los nombres que aparecen en pantalla.

Obtuvo 3 nominaciones en los Oscar de 1992, incluido Robert Downey Jr. como actor principal, aunque hubieron de conformarse con nada.

Mañana: Hitchcock (Sacha Gervasi, 2012)

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miércoles, 17 de abril de 2013

7 Películas Homenajes al Cine Clásico: Dioses y Monstruos, 1998


GODS AND MONSTERS (8/10)


Por un mundo nuevo de Dioses y Monstruos. 
(Bride of Frankenstein, James Whale)

A continuación tenemos, el que seguramente será, uno de los más bellos relatos sobre el amor de una persona por su creación, ya sea una película, una criatura, o ambas. Gods and Monsters, sobre la figura del director James Whale. Creador en más de un sentido de Frankenstein.


LA PELÍCULA

La historia arranca en la mansión de Los Ángeles de James Whale (Ian McKellen) a finales de los años cincuenta. Un anciano cuyos monótonos días, únicamente acompañado por su ama de llaves, terminan al entablar una relación de amistad con su fornido jardinero, Clayton (Brendan Fraser).
Tras aceptar a ser dibujado por Whale, Clayton ira convirtiéndose en el confidente del director, y de sus anécdotas sobre Hollywood y el rodaje de sus películas más celebres: Frankenstein y Bride of Frankenstein. Además de la propia homosexualidad de Whale.

Ese último punto es quizás el más importante, ya que esta película trata sobre el amor y la marginación. ¿Acaso no son también los temas centrales de las cintas de Frankenstein?
Un hombre rechazado y marginado por la sociedad por su forma de ser, un hombre dispuesto a amar pero en la necesidad de crear algo como él que la sociedad rechace para que sea únicamente suyo. James Whale creo a Frankenstein a partir de la novela de Mary Shelly, y Frankenstein recibió a su novia.
Clayton es un hombre grande, fuerte, pero de pocas luces, que ve en Whale un hombre amable, inteligente, que puede enseñarle cosas. Mientras que Whale ve en Clayton como a su propia criatura, a la que poder enseñar, y de la que servise.
Una eterna y continua simbiosis entre el doctor Frankenstein y su monstruo.


ANÁLISIS DEL HOMENAJE

James Whale nunca ocultó su homosexualidad. Si bien eso no le supuso demasiados problemas a la hora de trabajar, si que encontró el rechazo de parte de la sociedad. Ese rechazo, además de su propio talento y creatividad, permitieron dar el toque humano y melancólico necesario a la criatura del doctor Frankenstein.

Si bien la película analiza a conciencia este punto, y nos recuerda el rodaje de las dos grandes películas de Whale, la vida en los años 20-30, y sus últimos días de vida, también hay parte que es ficción. Me refiero al personaje de Clayton Boone, el jardinero de Whale, que en palabras del autor de la novela en la que se inspiró la película, Christopher Bram, nunca existió.


RESULTADOS

La película recibió buenas críticas por lo general. Principalmente por el trabajo de Ian McKellen, y os aseguro una cosa, esta es una de las pocas películas en las que Brendan Fraser tiene la oportunidad de mostrar lo gran actor que es, y lo hace.
Bill Condon recibió el Oscar a Mejor Guión Adaptado, e Ian McKellen se quedó a las puertas de obtener la dorada estatuilla.




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Retrospecter: "Como ligar"


¿Qué tal una nueva inauguración de coña? Los que no seáis de España seguramente no habréis conocido un programa de humor de hace unos pocos años llamado La Hora Chanante de la Paramount. Yo era un adicto al mismo y al tropel de humoristas que en el participaban, entre otros Joaquín Reyes. Y da la casualidad que entre las distintas secciones que tenían había una concreto que me encantaba llamada Retrospecter. Se trata de escenas de películas antiguas poco conocidas, normalmente de serie B o hechas directamente para televisión las cuales doblan con otros diálogos que poco o nada tienen que ver con el original.
La estructura es siempre la misma, el presentador "repeinado" introduce el vídeo con alguna parida, se reproduce este con personajes que a veces repiten como el de "César Romero".

Así que semanalmente os iré dejando alguno de los geniales vídeos si os gustan. Hoy os enseñamos a ligar.


@solocineclasico

martes, 16 de abril de 2013

7 Películas Homenajes al Cine Clásico: Ed Wood, 1994


ED WOOD (9/10)


Continuamos con el especial de 7 películas homenajes al Cine Clásico. La cinta de hoy es un claro sub-ejemplo de bio topic. Podemos encontrarnos aquellos bio topics que van desde el nacimiento hasta la muerte, haciendo especial hincapié en una etapa de la vida del personaje principal, o saltarnos principio y desenlace solo para ver la etapa por la que destacó el o la protagonista. Ed Wood, dirigida por Tim Burton y estrenada en 1994 pertenece al segundo tipo. 


LA PELÍCULA

George Weiss, un productor de películas de bajo presupuesto, busca realizar una nueva cinta que trate sobre el travestismo. Aquí entra en escena Ed Wood, un joven e inexperto director de cine que convence a Weiss para que le de el trabajo, convenciendo al mítico, aunque ya olvidado, Bela Lugosi, para que intervenga en ella. Lugosi había sido una gran estrella durante los años 30 y 40 por sus papeles en películas de terror, principalmente por su papel de Dracula, y su enemistad con Boris Karloff.
Wood realiza una película que nada tiene que ver con la idea original de Weiss, ya que aunque trata el tema del travestismo, nos encontramos con una cinta auto-biográfica por parte de Wood. Resulta un fracaso de crítica y público. Pero eso no impide a Wood que continúe con proyectos más excéntricos aún. 
Baja calidad artística, pésima realización, fallos en la producción... todo un manual de como no realizar una película, esas son algunas de las características del cine de Wood, considerado como "Peor Director de la Historia", siendo su más preciada película Plan 9 from Outer Space, como la peor película de la historia.


Tim Burton quiso recalcar dos cosas en esta divertida y curiosa historia. Primero, la personalidad de Ed Wood. Aunque excéntrico, vemos a un hombre alegre, simpático, educado, y deseoso de lograr ser reconocido como el mejor director de todos los tiempos, o al menos estar a la altura de Orson Welles, que no es poco. El público es testigo de ello, y de la imposibilidad por parte del director para lograr su sueño sin perder la esperanza. De ahí que al final cuando vemos el letrero que dice que Wood es considerado el peor director de todos los tiempos, muchos sientan que es una injusticia aunque solo sea por la simpatía que desprende el personaje.
Esto por un lado, por el otro, cabe destacar la gran relación de amistad entre Wood y Bela Lugosi. El joven director ve a Lugosi como la gran estrella que fue, y lo idolatra. Pero incluso cuando descubrimos las rarezas y manías de Lugosi, Wood no se amedrenta y continua con Lugosi en todo momento, siendo su muerte un duro golpe para Ed. Tim Burton nos muestra con gran maestría y habilidad esta amistad entre director y actor, ya que el mismo se siente identifacado con el personaje de Wood al haber guardado una gran amistad con Vincent Price. Nos encontramos ante un curioso paralelismo entre Wood y Burton.


En el papel principal tenemos a un joven Johnny Depp, en aquel momento no era aún el actor fetiche de Tim Burton, pero ya habían trabajado antes en Edward Scissorhands. Su parecido físico al director original, y su particular forma de dar vida a personajes excéntricos como Burton o el mismo permitió una gran compenetración entre Wood, Burton y Depp. Pero si cabe destacar algún personaje, es el de Bela Lugosi, un soberbio Martin Landau que nos hace desear terminar de ver la película para visionar todo lo que hiciera en vida Lugosi. 


ANÁLISIS DEL HOMENAJE

El título, el personaje principal, y el tema son lo mismo: Ed Wood. De ahí que Burton se centre unicamente en la etapa de director de Wood, si bien trata de contarlo todo, lo que viene antes o después no nos interesa si no guarda especial relación con la trama principal.
Los inicios de Wood como director, su manera de trabajar, el selecto y variopinto grupo de personajes con los que se rodeaba, la manera de obtener dinero para sus películas, su relación con las mujeres aún siendo el travestismo su gran pasión, la amistad entre Bela Lugosi y él, y el rodaje de su "Obra Maestra" Plan 9 from Outer Space.

Burton podría haber realizado el típico bio topic en color con estética moderna, aunque con una ambientación de la época de Wood, pero no quiso. Al igual que con The Artist, la película está rodada siguiendo la estética de los años 50, en blanco y negro, con un bajo presupuesto, mas siguiendo el propio estilo de Burton, ya sea por la gran influencia que recibe el director del expresionismo alemán de los años 20, las películas de terror de la Hammer, cintas de serie B, o el trabajo de directores como Roger Corman y el propio Wood.


RESULTADOS

En opinión de la crítica especializada nos encontramos ante la obra más completa, y quizás más personal de Tim Burton junto a Edward Scissorhands y Big Fish. Es una opinión que comparto.
La película no fue un gran éxito de taquilla, pero si que recibió grandes críticas, además de dos Oscars: para Martin Landau como mejor actor de reparto, y mejor maquillaje.
Y si la influencia de Ed Wood no fue suficiente para Burton con esta película, su siguiente proyecto seguiría guardando relación con el peor director de todos los tiempos. Se trataba de Mars Attack!


Mañana: Gods and Monsters (Bill Condon, 1998).

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lunes, 15 de abril de 2013

7 Películas Homenajes al Cine Clásico: The Artist, 2011


THE ARTIST (9/10)


Todos los que en mayo de 2011 seguíamos la sección oficial de Cannes nos llevamos una gran sorpresa al ver que entre las candidatas a la preciada Palma de Oro competía una película muda. Siempre es normal ver en un festival como Cannes una cinta que trata de romper con los cánones con mayor o menor éxito. El caso de The Artist es curioso, tanto en aquella ocasión, como en este especial de 7 homenajes al cine clásico
La película recibió un aluvión de críticas positivas. El público adoraba la cinta. El éxito estaba asegurado. 


LA PELÍCULA

Escrita y dirigida por el francés Michel Hazanavicius, la historia comienza en el Hollywood de los gloriosos años veinte, donde George Valentin (Jean Dujardin) es una de las más grandes estrellas del panorama cinematográfico. Acaba de estrenar una película, Un Affaire Ruso, obteniendo un enorme éxito, y sólo espera a su siguiente trabajo. Durante la noche de dicho estreno, una hermosa joven aspirante a actriz cae por accidente a sus píes, siendo ambos fotografiados y apareciendo al día siguiente en los medios. La chica, Peppy Miller (Bérénice Bejo), alentada por las portadas de las revistas con su foto, decide intentar conseguir trabajo en unos estudios de cine, mostrando un gran talento para el baile y la comedia. Es contratada para trabajar como extra casualmente en el rodaje de una película de Valentin, que al instante la reconoce y la recibe de muy grado. La pareja desprende una gran química, a pesar de que su escena a penas dura unos segundos. Valentin le da unos cuantos consejos a Peppy, como el del lunar, y ambos siguen caminos distintos.
Dos años después, Peppy ya es una de las grandes estrellas de Hollywood. Crítica y público están rendidos a sus píes, mientras que la carrera de George no está en su mejor momento. El cine sonoro acaba de aparecer a escena, y Valentin se muestra reacio a participar en ella, opinando que solo es una moda pasajera y que el público acudirá a ver su nueva cinta muda. Ante el rechazo de la productora, decide producirla, dirigirla y protagonizarla él mismo. El estreno es el mismo día que la última película de Peppy, siendo la primera un sonado fracaso, y todo lo contrario en el caso de la segunda.
Arruinado, olvidado, y en un estado lamentable, somos testigo de la caída de George Valentin, la gran estrella del cine mudo. El hombre, y la figura.


Estamos a priori ante lo que sería una historia interesante, entretenida, no muy original quizás, pero si correcta y atractiva para crítica y público. De ahí que la decisión de realizarla en un 99% como una película muda sea el gran acierto, y la gran cualidad de la misma. No hacen falta diálogos, solo unos cuantos carteles, la expresividad de los actores, lo sencillo de la historia, y la magnífica banda sonora de Ludovic Bource para ofrecernos algo inusual.


ANÁLISIS DEL HOMENAJE

Sin duda alguna, el tema central es la caída al olvido de una gran estrella del cine mudo tras la llegada del cine sonoro, recordándonos que la fama es pasajera, y que o te adaptas, o mueres.
En mi caso, es uno de los temas que más me fascinan del cine clásico, la transición de las estrellas del cine mudo al sonoro. Un tema perfectamente tratado en clásicos como Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses, 1950) o Singing in the rain (Cantando bajo la lluvia, 1952), y sobretodo la reclusión de muchos de ellos en sus mansiones, o el rencor que guardaron durante años a Hollywood. Afortunadamente los hubo quienes, si bien no pudieron seguir sus carreras como actores, si trabajaron como guionistas, como es el caso de Buster Keaton, que realizó algunas apariciones estelares.
The Artist ha recibido un gran número de influencias, encontrándonos, no ante un caso en concreto, sino a unos cuantos. De ahí que esta película sea más un homenaje al propio cine, que a una estrella o película concreta, como si son el resto de este especial.
Para empezar, podemos decir que el caso más similar sea quizás el del actor John Gilbert. Gilbert fue una gran estrella del cine mudo. Protagonista entre otras de la segunda película más taquillera del historia del cine mudo, The Big Parade (El gran desfile, 1925). Pero su carrera cayó en declive tras el escándalo del día de su boda, donde Greta Garbo le dio plantón, y acabó peleándose con el producto Louis B. Mayer. Al llegar el cine sonoro, Gilbert no supo escoger, o bien no tuvo la oportunidad, películas acordes a su fama. Entre eso, y que su figura de galán mudo, era opuesta a la que presentaba en el cine sonoro, hicieron que el público dejase de tomárselo en serio. Sin embargo, fue precisamente gracias a Greta Garbo, cuya carrera había ido en ascenso, que obtuvo el papel protagonista en la exitosa Queen Cristina, (La reina Cristina de Suecia, 1933).

(John Gilbert junto a Greta Garbo)

Eso en el caso de transición del cine mudo al sonoro. En cuanto a la historia, además de la de Gilbert, nos encontramos una gran referencia a A Start is Born (Ha nacido una estrella, 1937), donde una joven aspirante a actriz consigue llevar a cabo sus sueños gracias a una antigua estrella caída en el olvido.
Luego además hay claros homenajes, o muestras de la influencia recibidas por películas como Citizen Kane (Ciudadano Kane, 1941) por la relación entre George Valentin y su mujer; Street Angel (El ángel de la calle, 1928), con Janet Gaynor, por la cinta "El ángel de la guarda" que protagonizada Peppy Miller; Seventh Heaven (El séptimo cielo, 1927) también con Janet Gaynor, por la escena de la camisa de Valentin; el número de baile final recuerda a los de los musicales protagonizados por Fred Astaire... y además, el propio director cita varias fuentes de inspiración como Sunrise: A song of two humans y City Girl, de F. W. Murnau; Four Sons, de John Ford; y The Crowd, de King Vidor...



RESULTADOS

La película, como dije anteriormente, fue todo un éxito. Fue la gran ganadora de la temporada de premios del 2011, incluyendo los Oscar, donde se llevó cinco estatuillas, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, y Mejor Actor. Ha sido también, la primera película muda en ganar el Oscar a Mejor Película desde Wings, en 1927, la primera película que ganó dicho premio.
El público volvió a mostrar interés por el cine mudo, siendo el más claro ejemplo, la reciente Blancanieves, la gran triunfadora de los Goya de 2012.



Mañana: Ed Wood (Tim Burton, 1994)

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