domingo, 31 de marzo de 2013

10 remakes, mejores o iguales que la película original.


Aprovechando que se ha dado la coyuntura de hablar a cerca de remakes en las últimas dos entradas del blog, aquí os dejo 10 películas que a mi parecer, son igual de buenas, o mejores, que las cintas originales. 
La noticia de un nuevo remake siempre es preocupante, pero he aquí algunas cintas que no lo hicieron nada mal.
Es una lista personal. No me cabe la menor duda que vosotros tendréis otras, así que más me vale aclarar que las escogidas son remakes, o nuevas adaptaciones, de películas de antes de 1965.  El orden es aleatorio.



Scarface (Howard Hawks, 1932) vs. Scarface (Brian de Palma, 1980)

Brian de Palma, con guión de Oliver Stone, adapta uno de los grandes clásicos del cine de mafiosos, Scarface. Parte de una premisa similar a la original, únicamente cambiando localizaciones, ambiente y época. Mientras que el Tony Montana de la original comenzaba siendo lugarteniente de un mafioso italiano en el Chicago de los años 20, en la moderna, Tony Montana es un ex-presidiario cubano que comienza a ascender poco a poco en el mundo del hampa en Miami. Cambiad alcohol por cocaina.
Paul Muni era el original Tony Montana, realizando una labor soberbia. Al Pacino no se queda corto, de hecho hasta lo supera, siendo quizás su interpretación más legendaria junto a la de Michael Corleone.




The Mummy (Karl Freund, 1932) vs The Mummy (Stephen Sommers, 1999)

Ambas parten de la misma premisa: un grupo de arqueólogos despiertan a la momia Imhotep de la maldición egipcia que los retenía a medio camino entre la vida y la muerte. Y en ambas, la momia se enamora de la chica. 
La original es una cinta que me encanta. Tenemos a Boris Karloff, sinónimo de leyenda, en una cinta también legendaria. 
En la versión moderna nos encontramos con más acción, efectos especiales, humor, y un mejor ritmo que respecto a la original.



12 Angry Men (Sidney Lumer, 1957) vs 12 (Nikita Mikhalkov, 2007)

La idea es la misma que la cinta de Sydney Lumet (una de mis películas favoritas), aunque con un enfoque más relacionado a la actual Rusia.
Ambas son magníficas.



3:10 to Yuma (Delmer Daves, 1957) vs 3:10 to Yuma (James Mangold, 2007)

Hay tantísimos clásicos en el género del western que al final, es mejor señalar tus cintas favoritas junto a algunas inmortales. Delmer Daves hizo de 3:10 to Yuma, una de esas cintas inmortales. 
50 años después, James Mangold realizó una más que aceptable adaptación, con mucho mimo, cuidado, respeto, y saber hacer, que sorprendió a muchos. Russell Crowe y Christian Bale hicieron lo demás.




Harakiri (Masaki Kobayashi, 1962) vs. Harakiri (Takashi Miike, 2011)

La versión original, dirigida por Masaki Kobayashi , y protagonizada por el mejor actor que ha dado Japón jamás, Tatsuya Nakadai, nos presenta la que es considerada como la mejor cinta japonesa de todos los tiempos.
Takashi Miike realiza una fiel adaptación. Es una copia bien realizada. La cinta es buena, porque la original también lo era (quedándonos cortos), de ahí que podamos considerar que la película era innecesaria. Aunque tampoco estorba.




Oceans Eleven (Lewis Milestone, 1960) vs. Oceans Eleven (Steven Soderbergh, 2001)

Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Angie Dickinson por un lado. 
Por el otro, George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts, Matt Damon y Andy García.
¿Hace falta que diga más? Hagan sus apuestas.




Nosferatu (F. W. Murnau, 1922) vs Bram Stoker´s Dracula (Francis Ford Coppola, 1993)

Vale, esto ya es cosa mía. Debemos diferenciar entre remakes, y nuevas adaptaciones. Murnau adaptó libremente, y para evitar problemas legales, el Dracula de Bram Stoker en Nosferatu. Años después, Francis Ford Coppola adaptó también la novela del autor irlandés, aunque con más fidelidad.
Ambas son dos obras maestras. Coppola no quiso hacer un remake de Nosferatu, solo una adaptación de la novela de Dracula. Os dejo esta cinta preguntándoos, ¿en que punto dejan de ser remakes a adaptaciones?



The Four Feathers (Zoltan Korda, 1939) vs The Four Feathers (Shekar Kapur, 2002)

He aquí un claro caso, en mi opinión, de remake que supera al original. Aún siendo la versión de Korda, una gran película, la cinta protagonizada por Heath Ledger y Wes Bentley es claramente superior en muchos sentidos. 



13 asesinos (Eiichi Kudo, 1963) vs 13 asesinos (Takashi Miike, 2010)

Mucha atención a Takashi Miike. Este director japonés promete, y mucho. Antes he hablado del remake que hizo de Harakiri. Pero es que antes había realizado otro remake, que en este caso también supera con creces al original. Se traza de 13 asesinos, la historia de 13 samurais que van a vengar la terrible mutilación que ha sufrido una joven a manos de un joven aristócrata que podría llegar a ser emperador.



Ben Hur (Fred Niblo, 1925) vs Ben Hur (William Wyler, 1959)

Y reservaba para el final el remake de un clásico a otro clásico. William Wyler acometió la titánica tarea de llevar a la gran pantalla (nunca mejor dicho) el clásico del cine mudo, Ben Hur. En este caso, con unos medios y presupuestos superiores. Todos los avances técnicos de la época fueron a parar a este director, siendo la primera cinta en ganas 11 oscar, todo un éxito. 

P.D.: Ahora se me vienen a la cabeza Los siete samurais y La máquina del tiempo, pero bueno, también quedan presentes.

@solocineclasico

sábado, 30 de marzo de 2013

Re-estreno de Safety Last! (El Hombre Mosca) 90 años después.


Ayer os hablaba de lo bueno y lo malo que tienen los remakes, en mi opinión, y que prefiero un re-estreno de la cinta original en salas a comerciales. Da la casualidad de que hoy descubro esto:
Gracias a la página de El Antepenúltimo Mohicano, me entero de la genial noticia del re-estreno en la gran pantalla de una de las obras maestras del cine mudo, y la mejor cinta de Harold Lloyd, El Hombre Mosca.
Estrenada en 1923, la cinta nos presenta a un joven en busca de una vida mejor en la gran ciudad para poder casarse con su novia. Allí las cosas no marchan precisamente en la dirección que él esperaba. Por eso, cuando su prometida vaya a visitarle, tendrá que impresionarla y dar a entender que es un hombre de éxito. Para ello, ideará un plan que incluye escalar un edificio para promocionar el almacén donde trabaja, y así obtener los 1000$ que su jefe ha prometido como recompensa a quien de a conocer su negocio. De ahí la famosa escena, y climax, de la cinta: Harold Lloyd colgando en el vacio del reloj.

No solo eso. También contamos con un trailer editado especialmente para la ocasión.



La única pega es que la cinta solo se va a re estrenar en algunas salas de Estados Unidos, de modo que no llegará a España o América Latina en principio.

viernes, 29 de marzo de 2013

Rebecca tendrá Remake.



Bueno, es más que evidente que en Hollywood se están quedado sin ideas, y sin ganas de ver nuevos guiones salvo raras excepciones, de ahí que nos encontremos noticias como estas:
Rebecca, mi cinta favorita de Alfred Hitchcock va a tener un remake. El encargado de dirigirla va a ser Nikolaj Arcel, director de la nominada al Oscar "A royal affair", y estará producida por Dreamworks.

Yo tengo una opinión muy clara de los remakes. No estoy a favor de ellos, sólo tienen algo bueno, que puede ser la manera de que otras personas descubran a raíz de esta la cinta original. Pero para eso, prefiero que la reestrenen durante un par de semanas por su X aniversario o algo parecido.

Ahora toca ver si querrán realizar una versión moderna, o tratar de respetar el original lo máximo posibles; y quienes serán los elegidos para dar vida a los personajes que tan bien interpretaron Lauren Olivier, Joan Fontaine y sobretodo Judith Anderson. Yo personalmente apostaría Michael Fassbender, Emma Watson y Kate Winslet respectivamente. Además, la imagen de Sienna Miller sería la del cuadro de Rebecca.

Películas - Años 40: Dios se lo pague (1948)


DIOS SE LO PAGUE 9/10


El otro día se hablaba aquí mismo de cómo comenzar a ver cine clásico. Y no es por hacernos los eruditos. 
Es sencillamente porque no es fácil. A mi edad, ya se torna menos conflictivo, pero cuando tenía 15 o 20 años, el blanco y negro podía resultar tan lejano como el tango del rock. 
En mi experiencia, sirvió el insomnio, y la inexistencia de cable. 
Hay un canal, que aún hoy, pasa películas en blanco y negro a la madrugada. 
Y como no había otra cosa que ver, pues ahí estaba yo, fumándome esas pelis. 
Hasta que de pronto, me vi enganchadísima con una, y luego con otra. Y ya no había vuelta atrás. 
Mucho de mi gusto por este cine, se lo debo al programa Filmoteca del canal que antes nombre. 
Con dos grandes que cual charla de café, te ponen a tono de la película que sigue. 
Aquí mismo al final de esta reseña, verán el video que corresponde a la introducción que ellos dieron de Dios se lo pague en su momento (cabe decir que muchos años después que el día que la vi por primera vez) Con eso solo ya no sería necesario que yo escribiera, pero vamos a hacer de cuenta que trabajamos.
Dios se lo pague es una de esas cintas que me atrapó de tal manera que empecé a entender que clásico no significa aburrido, y que el blanco y negro puede tener muchos matices ;)
Resulta que había un linyera (1), que conocía mucho a la sociedad, que en cada escena que aparece no deja de decir verdades. 
Le podemos criticar hoy, que sus diálogos son algo acartonados ¿será porque viene del teatro y la literatura? ¿será que en aquella época todavía los diálogos solían ser un poco así, acartonados, recitados? Poco importa cuando ya estamos inmersos en la dinámica de este linyera y su manera de hablar. 


Y de esas charlas de linyeras, nos vamos a una historia de amor. De una pareja bien, adinerada hasta la coronilla pero sin mucha comunicación. 
Y lo demás, hay que verlo. Pero es bueno agregar que los actores eran de los más famosos del momento. 
Arturo de Cordova que era algo así como el Gardel de la actuación(bueno sería hacer un repaso de su filmografía). 
Un director que fue muy importante aquí. 
Y una actriz que tenía una belleza que nada necesitaba envidiar a las del Norte. 
La fotografía es algo que a mi particularmente me acerca mucho a este tipo de películas. Los grises, los reflejos. La foto parece más foto en blanco y negro ¿A ustedes les pasa lo mismo?. 
El director de fotografía ya tenía más de 10 años en el oficio, para tenerlo en cuenta, aunque por la calidad de las copias que solemos encontrar, la imagen no sea tan buena. 
Desde los títulos vemos esos fundidos encadenados, tan de moda en esa época.. La tipografía grande... Pensar que ese mismo año se estrenaba Ladrón de Bicicleta (en otra corriente cinematográfica, claro esta) o La soga de Hitchcock, nos muestra que con sus lejanos recursos, en Argentina en este caso, pero también en México (El protagonista es mexicano) y en muchos otros países, el cine estaba a la orden del día. 
En Argentina por cierto, la década de los 40, es una de las más fructíferas del país. Por lo que no encontré mejor película para comenzar a traer al blog a ese cine clásico más alejado pero con mucho que contar.
Espero les guste.
Los dejo con las palabras del programa Filmoteca. Y como no podía ser de otra manera, con el enlace para que vean la película. No esta en la mejor calidad, pero es lo que hay.


Podéis ver la Película Completa aquí:



 (1) Palabra lunfarda que significa indigente, persona que vive en la calle.

@solocineclasico

sábado, 23 de marzo de 2013

Películas - Años 50: Los jueves, milagro (1957)


LOS JUEVES, MILAGRO (9/10)


Tras los éxitos cosechados con Bienvenido Mr. Marshall y Calabuch, lo más parecido a Billy Wilder que ha dado España en su cine, Luis García Berlanga, presenta Los jueves, milagro. En mi opinión, su película más "arriesgada" hasta el momento por un simple razón que más adelante comentaremos.

Escrita junto a José Luis Colina, y basada en un historia original del propio Berlanga, Los jueves, milagro, nos lleva hasta la España rural de los años 50, a un pueblecito llamado Fuentecilla, antigua parada obligatoria para todos los que querían tratar alguna enfermedad con sus aguas termales, y que actualmente no pasa por su mejor momento. Los turistas ya no van a Fuentecilla, ni siquiera el tren para ya en su estación. El destartalado balneario apenas tiene un par de clientes. De ahí que las fuerzas vivas del pueblo (el dueño del balneario, un hombre con tierras, el alcalde, el médico, el profesor y el farmacéutico) decidan organizar la falsa aparición de un santo (San Dimas) para que la gente venga de peregrinaje al pueblo. Curiosamente, la historia deja fuera de la trama al cura del pueblo, que además es a lo largo de toda la película el más reacio a creer el milagro.
El hombre con tierras es el elegido, por su parecido a la estatua de San Dimas que hay en la iglesia, para realizar la aparición ante el "corto" del pueblo, junto a un espectáculo de luces, fuegos artificiales, y música. Este corre la voz, anunciando que el santo se aparecerá cada jueves, pero nadie le hace caso, salvo la mujer más piadosa del lugar, que al siguiente jueves verá por su propio ojos al "santo". Esto convence al resto del pueblo para acudir también a la cita en busca de la milagrosa aparición. Aunque al siguiente jueves todo sale mal, por lo que el grupo de los seis decide abandonar la idea. Hasta la llegada de un extraño al pueblo que conoce el truco y decide echarles una mano con una serie de trucos e ilusiones, para terminar de convencer al pueblo. 
La locura se desata en Fuentecilla ante la convicción que la aparición del santo es real, y que las aguas termales son realmente milagrosas.


La cinta realiza una soberbia crítica social contra la religión y los excesos de la fe. Más que a estos, hacía la credulidad de la gente por el peso de sus creencias sobre el sentido común. Peregrinajes como los de Fátima o Lourdes dan buena prueba de ello. O al menos eso intenta en su primera parte. 
La idea original de la cinta surgió de unas supuestas apariciones de la Virgen en un pueblo valenciano llamado Cuevas de Vinromá. Berlanga tenía un final distinto, sin embargo, a mitad del proceso de escritura del guión, el productor que había contratado a Berlanga, Ángel Martínez, vendió la compañía a una empresa vinculada al Opus Dei, los cuales consideraron dicho final inaceptable. Se añadieron escenas adicionales, hubo otro director de por medio, cambios de diálogos en la sala de doblaje, un auténtico caos. Esto supuso que el final sea uno de los más ambiguos del director. De ahí que la cinta fuera críticada tanto por el sector tradicional, como por la izquierda. Pero ello no ha impedido que haya pasado a los libros de historia como todo clásico español.

Del reparto quiero destacar a tres personajes. José Isbert, como el falso San Dimas, que al igual que en Bienvenido Mr. Marshall, es el mejor personaje de la cinta; Manuel Alexandre, como corto del pueblo, de inquebrantable fe; y el americano Richard Basehart (La Strada, Moby Dick), en el papel del extraño, y con una gran dosis de carisma, personalidad y astucia... su personaje es de los que guarda sorpresa.


He aquí una divertida cinta que os recomiendo que veáis esta semana santa.

@solocineclasico

viernes, 22 de marzo de 2013

Las manías de Akira Kurosawa.



Conocido entre los cinéfilos por películas como Rashomon, Vivir, Trono de Sangre, Yojimbo, Dersu Uzala, Kagemusha, Ran..., y por el mundo entero, y la historia, por Los siete samuráis; Akira Kurosawa fue uno de los grandes directores de la historia del cine.

Es una presentación muy pobre, y he querido comenzar de esta manera, ya que alguien como él no necesita de presentaciones. Otro día os traeré su biografía, junto a una exposición de su filmografía. Hoy os quiero hablar de algunas de sus peculiaridades a la hora de rodar, lo que le valió el sobrenombre de "Tenno" (El Emperador).

Kurosawa se valía de una técnica muy precisa y cuidada, prestando atención a los mínimos detalles. Por ejemplo, le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre, y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones.
También le gustaba usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos.

El director japonés creía en la necesidad de hacer del entorno, y sobretodo de los elementos metereológicos, un personaje más de su obra. De ahí las impresionantes lluvias de Rashomon y Los Siete Samuráis; el calor en El Perro Rabioso; el viento helado de Yojimbo; la lluvia y la nieve en Vivir; la niebla en Trono de sangre... pero si ya os queréis hacer una idea, os recomiendo Dersu Uzala.

Algunas de las anécdotas más conocidas del director respecto a este tema, y sobre su perfeccionismo nos llevan al rodaje de Rashomon, donde tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa. Terminó usando todo el suministro de agua de la zona para crear la tormenta.
En Trono de Sangre, en la escena final, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a solo unos centímetros del cuerpo del protagonista.
En Ran, hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena climax de la películas. (En mi opinión, logró eso objetivo, y con creces).
En Kagemusha, Kurosawa empleó a más de 5000 extras para una escena, que el montaje final solo duraba 90 segundos.


El vestuario, algo esencial, no se libraba tampoco de las garras de Kurosawa. Elegía cada una de las prendas que iban a usar sus personajes y se las entregaba a los actores para que la usaran las semanas previas al rodaje y así "establecer un vínculo" con la ropa. Por ejemplo, en Los Siete Samuráis, en la que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje.
Una vez hizo que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual. Otra, hizo eliminar el tejado de una casa (reponiéndolo después) porque su presencia estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.

Como curiosidad final, durante el rodaje de Kagemusha, los costes de rodajes se incrementaron de tal manera, que la propia productora ya no tenía capital alguno que invertir. De ahí que tanto George Lucas como Francis Ford Coppola, admiradores del maestro Kurosawa, convencieran a 20th Century Fox para que produjeran lo que quedaba de película, a cambió de distribuirla internacionalmente. Ambos aparecen en los créditos como productores ejecutivos.


@solocineclasico

Paul Newman y Joanne Woodward en Cannes!


Aquí os dejo el cartel del 66 Festival de Cannes. El año pasado fue Marilyn soplando las velas por el 65 aniversario. Este año cogen el relevo el inmortal Paul Newman acompañado de Joanne Woodward, pareja en sin fin de cintas. La fotografía es un homenaje a la cinta de 1963, Samantha, la cual transcurría en París.

@solocineclasico

jueves, 21 de marzo de 2013

Películas - Años 50: El Séptimo Sello (1957)


DET SJUNDE INSEGLET (9/10)


En mi curiosidad por todo tipo de cine clásico, me puse como objetivo empezar a ver algunas cintas del idolatrado Ingmar Bergman, y ¿qué mejor que empezar por la favorita de Woody Allen? 
Hace tiempo había visto Fanny and Alexander (1982), la cual se puede decir que me gustó, pero a la vez se me hizo pesada. El Septimo Sello tiene una ventaja, y es que es corta. Las metáforas no se extienden, son presentadas, y a continuación llega una nueva, por lo que no te da tiempo a aburrirte, salvo que no entiendas nada de lo que está pasando, cosa bastante comprensible.
En la Suecia medieval, y en medio de La Peste Negra que asola Europa, un cruzado (Max von Sydow) regresa después de 10 años a su hogar lleno de dudas y preguntas sobre el sentido de la vida, la muerte, la religión... Por si eso no fuera poco, aparece La Muerte, la cual lo reclama para sí, a lo que el cruzado decide retarle a una partida de ajedrez, con lo que gana más tiempo para buscar las respuestas que tanto ansía.
Aunque podría considerarse que este es el personaje principal, hay otros que también tienen su relevancia, y de esta manera dan una explicación grupal y total a lo que Bergman trata de transmitir. Por ejemplo, el fiel escudero, que muestra una actitud más madura y cínica sobre la vida que su propio señor; el grupo de cómicos en busca de trabajo por las aldeas; uno de los cómicos del grupo que se escapa con la mujer del herrero; el propio herrero, que ante la vergüenza  decide partir con el grupo que se forma a lo largo de la cinta; la mujer del cruzado, que durante tantos años ha esperado a su marido, y ahora que le ve llegar, sabe que la muerte acecha...
La historia está presentada de una manera muy concreta, con la aparición de personajes, en momentos y lugares justos. Como historia a secas no posee gran fuerza, pero a través de las interpretaciones que hacemos de la misma, cuando podemos tratar de entender el mensaje de Bergman.


     -El Cruzado simboliza el corazón, los sentimientos (miedo y valor), la conciencia, o ya puestos, el alma.
    -Su escudero es la mente, de todos los personajes es el más cuerdo y sensato. Realiza justos juicios de valor.
     -La mujer del cruzado es la inocencia y tranquilidad que sientes cuando la muerte está a punto de llevarte si has sido justo en la vida.
     -El herrero y el comediante: Representan el bien y el mal, enfrentados, como si de un mismo personaje se tratase, recordándonos nuestros propios enfrentamientos personales.
     -Los dos comediantes y el hijo son nuestra descendencia, la inocencia pura de un personaje anterior que supo vivir y morir como un hombre justo.

¿Qué trata de contarnos Bergman con todo esto? Hace una crítica a la religión, por dar una imagen tan infantil e incoherente de la vida y de la muerte, lo que hace que el cruzado dedique su vida y fortuna a una empresa que no entendía, y que ahora no comparte. Criticar a la Iglesia, destacando la escena de la Inquisición, que llega a angustiar. Destacar que es nuestra propia elección que hacer en la vida, porque lo único seguro al final, es la muerte.
La idea se le ocurrió al director viendo una pintura medieval. En ella representaba todo lo que rodeaba la vida de un caballero en aquella época. Las guerras, las hogueras de la inquisición, los juglares, la peste negra, la muerte, Dios. De ahí que su película pueda considerarse un viaje a través de ese cuadro. El título proviene de los siete sellos del apocalipsis, lo cual es una alegoría a la propia Peste Negra.
Todo esto puede no tener base alguno para vosotros, pero a mi fue la impresión que me dio tras revisionar la película. No es una película sencilla, ni apta para todos, pero si que por curiosidad, todo amante del cine debería verla alguna vez en la vida.


P.D.: Otra curiosidad, esto ya es cosa mía, es la diferencia entre la relación del Herrero y su mujer, y la de los cómicos. La primera es un matrimonio "concertado", en un pueblo pequeño, donde todos saben sobre todos, y es una farsa; el segundo es un amor libre e independiente, y es un puro. Curioso, ¿no?

Aquí podéis ver la Película Completa:

@solocineclasico

miércoles, 20 de marzo de 2013

Recomendación para aquellos que nunca han visto Cine Clásico.

Todos conocemos a alguien que no ha visto, no conoce, o quizás no le gusta el cine clásico. ¿Por qué?: ¿Una peli muda?, ¿blanco y negro?, ¿efectos especiales de cartón piedra?, ¿un tío con los pantalones por los sobacos? Lo reconozco, cuesta engancharse a veces a ver ciertas películas, y si son antiguas más. Se puede relacionar con algo obsoleto, y por lo tanto, aburrido. Con esto no quiero decir que todo el cine clásico sea perfecto. El cine, es cine, y de ahí que a veces nos encontremos engendros sobrevalorados. Esto pasaba antes, pasa ahora, y seguirá pasando.


Por eso, esta corta lista de cinco títulos es para que vosotros podáis recomendar algunas películas para ver con conocidos del cine clásico, y que si no les gusta, poder culparme a mi.



El jurado de un juicio se reúne para deliberar sobre la culpabilidad o inocencia de un presunto asesino. Todos tienen más que claro la culpabilidad del acusado, salvo un hombre que tienen dudas sobre el caso y empezará a replantearlo todo ante la responsabilidad de enviar a un hombre a la silla eléctrica.
Protagonizada por Henry Fonda y gran cartel de secundarios, la película transcurre casi en su totalidad en el interior de una habitación. Las discusiones y el propio ambiente harán lo demás para que el espectador tenga una sensación claustrofóbica.




En la Italia de posguerra, tener un trabajo era un lujo (como ahora), de ahí que cuando al protagonista de esta historia le roben su bicicleta, imprescindible para su trabajo, comience una odisea para encontrarla. 
Obra maestra del neorrealismo italiano. No deja a nadie indiferente.




Durante la primera guerra mundial, un altivo general francés ordena a sus hombres que tomen una colina inexpugnable, produciendose una auténtica carniceria, de la que la mayoría de los hombres retroceden. Indignado ante tal acción, decide que se escojan a tres hombres de cada unidad para que sean fusilados por 
cobardía. Ante tal injusticia, el coronel Dax defenderá a estos hombres hasta el último aliento.
Uno de los mejores trabajos tanto de Stanley Kubrick, como de Kirk Douglas.



04 - Witness for Prosecution

Un reconocido abogado que ha de guardar reposo por razones de salud decide hacerse cargo del caso de un joven acusado de haber asesinado a una anciana por su dinero. Giros inesperados, personajes oscuros, nada es lo que parece. Inolvidable el comentario al final de la película pidiendo a los espectadores que no revelen a nadie el desenlace a otros que estén interesados en verla. Posiblemente una de las gran joya de las películas de juicios.




Hablabamos ayer de ella. Las películas de Chaplin son peculiares, y en mi opinión la más accesible a todos los públicos sea esta hermosa historia de un vagabundo que decide hacerse cargo de un huérfano. 



@solocineclasico

martes, 19 de marzo de 2013

Películas - Años 20: El Chico (1921)


THE KID (10/10)


Leí una vez que el cine de Chaplin es universal porque ha conseguido transmitir las mismas emociones a espectadores de TODO el mundo, en diferentes épocas. Pasaba tanto con sus tragicomedias, como con sus comedias a secas. Ha sido capaz de arrancar carcajadas y lágrimas por igual. En mi caso, si tuviera que destacar alguno de sus largometrajes por ello, me quedaría con El Chico.

Una joven madre (Edna Purviance), incapaz de hacerse cargo de su recién nacido, decide abandonarlo en un Rolls Royce esperando que una familia más adinerada le de un mejor futuro. Pero el destino quiere que el coche sea robado, el niño abandonado de nuevo, y encontrado por un joven vagabundo (Charles Chaplin) de buen corazón que decide adoptarlo. Pasan unos pocos años y el chico (Jackie Coogan) se ha convertido en la viva imagen de su padre adoptivo: travieso, avispado, dulce, inteligente... viven en la más pura pobreza, sobreviven haciendo uso de su ingenio, pero aún así son felices. 
Al mismo tiempo, la joven madre del niño se ha convertido en una afamada actriz que no se perdona por haber abandonado a su hijo, por lo que acostumbra ir a los guetos para repartir juguetes y comidas a los pequeños. Hasta que un día reconoce a su pequeño...

Estamos ante un cinta casi biográfica por parte de Chaplin, y terapéutica en cierto modo. Biográfica porque retrata su infancia, la pobreza que tuvo que padecer, como salió adelante, la relación con su madre, como la apartaron de su lado; y terapéutica debido a que escribió la pelicula en parte parte para superar al pérdida de su hijo, el cual había muerto prematuramente tras el parto.


Pero lo que quizás debamos destacar es que estamos ante la primera gran película de Charles Chaplin. Llevaba ya diez años realizando comedias a través de corto y largos. El público los adoraba. La divertida figura del eterno vagabundo era conocida en toda América. "A Dog´s Life" y "Shoulders Arms" habían sido grandes éxitos, pero con The Kid, Chaplin decide quedarse con lo bueno de sus cintas anteriores, y añadir nuevo material melodramático inspirado en su propia vida y su propia filosofía de vida, como hará en el resto de sus películas.


El Chico es una de esas películas que seguirán cautivando a espectadores de todas partes durante años y años. Se ha ganado un lugar en la historia, igual que en los corazones de todos los que la han visionado. Se recordará siempre el amor de un "padre" por su "hijo", el niño llorando con los brazos extendidos para que su padre le rescate, la química entre Jackie Coogan y Chaplin, y el subtítulo promocional que aparecen en todos los poster de la cinta "6 rollos de alegría."

P.D.: Dedicado a todos los padre, hoy 19 de Marzo.

Podéis ver la película online aquí:


@solocineclasico

sábado, 16 de marzo de 2013

Anécdotas: Billy Wilder trolleando a Samuel Goldwyn




Durante el rodaje de "Bola de Fuego" me encontré al productor Samuel Goldwyn en el estudio y me ofreció hacer con él una película. Un par de días más tarde, me presenté en su despacho y le dije que tenía algo para él.

-¿Cúal es el argumento?

-Una película sobre la vida de Nijinski, le dije

-¿Quién es ese Nijinski?

Así que le conté que había sido el pobre hijo de un campesino que había soñado en convertirse en un gran bailarían. Y se convirtió en el mejor bailarín de la historia...

-¿Y la historia?, repuso Goldwyn.

Yo le conté cómo Diaghilev descubrió a aquel joven campesino, hermoso y fuerte, en la escuela de ballet. 

-¿Sabe usted quién es Diaghilev?, le pregunté a Goldwyn.

-¡Ni idea!, dijo él.

Le dije que era el mayor empresario del famoso ballet ruso, que vio al joven Nijinsky y se enamoró de él. Goldwyn me interrumpió.

-Por favor, dígame que Diaghilev era una mujer.

Yo le dije que no, que era un hombre. A esto repuso Goldwyn:

-¿Qué clase de historia es esta?, ¿dos hombres?, ¿dos maricas?, ¡Cállese de una vez, Wilder!

Intenté explicarle que era más que una historia de amor. Le conté como Diaghilev convirtió a Nijinsky en la mayor estrella del ballet del mundo. Y cómo empezó la tragedia, cuando Nijinsky, se enamoró de una bailarina y se casó con ella. Diaghilev se enfureció y amenazó con destruir a Nijinsky, que al final se volvió loco. Goldwyn me interrumpió de nuevo:

-Un momento, un momento, hasta ahora tenemos a dos maricas, de los cuales uno además se vuelve loco, ¿y de esto quiere hacer una película? Tengo una mujer a la que quiero y a la que tengo que mantener, y tengo prestigio que no puedo perder. ¡Cállese de una vez, Wilder!

Yo le pedí que me dejara continuar la historia. Un día, Nijinsky fue internado en un sanatorio suizo y allí, llegó al convencimiento de que era un caballo. Desesperado, Goldwyn me miró fijamente:

-¿Un caballo?

-Sí, dije yo, un caballo. Por las mañanas, cuando abrían las celdas, salía al jardín y galopaba feliz por él.

Al llegar aquí, a Goldwyn se le acabó la paciencia.

-¡Un caballo que es marica y que galopa por el jardín! ¡Acabe usted con esta absurda historia! ¡Me está haciendo perder el tiempo!


Yo me levanté y mientras abandonaba el despacho le dije:


-¡Está bien! Si quiere un happy end, mister Goldwin, tengo una idea. Nijinsky no sólo cree que es un caballo, sino que además gana el Derby de Kentucky.

Goldwyn cogió un cenicero de su mesa y apuntó hacia mi. Tuve el tiempo justo para cerrar la puerta a sus espaldas y escuchar el impacto del cenicero en la puerta.

miércoles, 13 de marzo de 2013

Películas - Años 60: El Milagro de Anna Sullivan (1962)


THE MIRACLE WORKER (9/10)


Lo bueno de las películas es que no siempre tienen el mismo objetivo. Algunas son para hacerte reír, otras para hacerte llorar, informarte, enfadarte, entretenerte... y luego hay películas como The Miracle Worker que están hechas para que no se te olviden en la vida.
Helen Keller nació en una familia adinerada de Alabama, en el sur de Estados Unidos. Con apenas 19 meses de edad  padeció de unas terribles fiebres que casi acaban con su vida. Una vez recuperada de esta enfermedad, la paz volvió a la casa de Helen hasta que su madre se percató de que la niña no reaccionaba ante los sonidos o el contacto visual. Se había quedado sorda y ciega. 
Debido a esto, la infancia de Helen no fue fácil. Era incapaz de aprender de manera normal ya que su familia, a pesar de colmarla de amor y piedad, no sabían como ayudarla. La niña tenía un terrible mal genio, producto de la impotencia de no poder comunicarse, no entender a las personas que la rodeaban, y el que su familia no la detuviese en ciertos momentos para que la niña se mantuviera calmada. Ej: Helen caminaba alrededor de la mesa del comedor cogiendo comida de los platos de cada uno de los presentes. La familia lo permitía ya que era uno de los pocos momentos en los que podían hablar y comportarse de una manera "normal". Pero todo final tiene un principio, y este fue el día que Anne Sullivan llegó a la casa de la familia Keller. 
Anne era una joven que recién había terminado sus estudios de profesora, y cuya principal misión en la vida iba a ser poder ayudar a enseñar a personas impedidas, como ella misma de joven. Anne sufrió de Tracoma cuando era niña, lo cual empeoró considerablemente su vista, por lo que tuvo que someterse a varias operaciones que la ayudaron considerablemente.
Las cosas fueron difíciles tras la llegada de Anne a casa de los Keller. Helen nunca se había encontrado ante una figura autoritaria como la de Anne. Esta última enseñaba a la niña las letras con las manos, con la esperanza de que en el futuro pudiera formar palabras de los objetos que reconociera a través del tacto. Podemos ver como Helen tiene unas ávidas ganas de aprender, lo cual motiva mucho más a Anne.
Se dan situaciones y escenas realmente sorprendentes, como cuando Anne pide a la familia que salgan del comedor porque va a enseñar a Helen a sentarse a comer a la mesa usando los cubiertos y la servilleta (la cual doblará).

Anne trata de hacer comprender a la familia que su eterna actitud protectora con Hellen, por un lado comprensible, es lo que impide que ella aprenda, ya que por su propia frustración por no poder comunicarse, la ira y el mal comportamiento son su técnica de auto-defensa. Ella es posiblemente la única esperanza de la niña, ante la idea de enviarla a un asilo para deficientes mentales.

-Crecí en uno de esos asilos, un hospicio del estado. ¿Ratas? Sí, mi hermano Jimmy y yo jugábamos con ellas porque no había juguetes. ¿Saben lo que encontraría Hellen los días que no fuesen de visita? Había una sala llena de ancianas: lisiadas, ciegas, muchas moribundas y enfermas contagiosas, pero no había donde llevarlas, y allí nos metieron a nosotros. Había otras más jóvenes mujeres depravadas, tuberculosas y epilépticas. Las había pendencieras y de malos instintos... sobretodo las alcohólicas. Algunas con delirium tremens, otras locas.  En otra sala estaban las que iban dar a luz unos hijos que no deseaban. Luego se iban, pero  dejaban allí a los pequeños con los que jugábamos nosotros, a pesar de que muchos de ellos tenían úlceras en todo el cuerpo. Muy pocos vivían. De 100 morían 65. Jim y yo jugábamos en un cuarto donde guardaban los cadáveres hasta que había sitio para enterrarlos. Eso me hizo fuerte. Pero no necesitan enviar a Hellen allá. Ya es bastante fuerte.
 Anne Sullivan.

La profesora enseña a la niña como vestirse, pero esta no quiere. No desayunará hasta que lo haga sola. Puede parecer una técnica cruel, pero es que Hellen no es incapaz de vestirse sola. Es que ella no quiere. Si hace falta pegarle un guantazo después de que ella te lo de a ti, se hace. 
El milagro de Anna Sullivan no es una película entretenida, en el más puro sentido de la palabra. Ello no quiere decir que la cinta no te enganche desde el primer minuto. No puedes desconectar de la pantalla. Es lo que podría considerarse como una película cautivadora. Un sufrimiento que deseas ver esperando e incluso deseando un obligado final feliz. 



Protagonizada por Anne Bancroft (Anne Sullivan) y Patty Duke (Helen Keller) en los papeles principales, y dirigida por Arthur Penn, la película consiguió cinco nominaciones a los Oscar, de los cuales se llevó las estatuillas para Anne Bancroft a Actriz Principal , y la de Patty Duke en Actriz de Reparto. Creo que ahora no me hará falta decir lo conmovedor del trabajo de ambas actrices, ¿verdad?
La película recuerda en algunas escenas a Matar a un Ruiseñor, película del mismo año. Quizás la temática de una historia infantil, pero para nada sencilla o dulce, en un ambiente de pueblo y campo, con un fotografía excelente, reparto en estado de gracia, del mismo año, y con directores provenientes de la televisión. Quizás sea casualidad, pero no puedo evitar comparar o meter en el mismo saco ambas películas.

The Miracle Worker, una de esas películas que pasaran a la posteridad por lo bien que la han tratado los años, su propia calidad fílmica, y la sorprende historia que cuenta.

He aquí la escena anteriomente comentada sobre el desayuno:


@solocineclasico

martes, 12 de marzo de 2013

Películas - Años 30: El Delator (1935)


THE INFORMER (10/10)

Asociamos el nombre de John Ford a clásicos del western, y es que él mismo lo decía: Me llamo John Ford y hago películas del oeste. Pero en mi opinión, salvando esa grandísima obra maestra que es The Searchers (Centauros del Desierto), y unas cuantas más, las mejores cintas del director fueron dramas no ambientados en el lejado oeste: The grapes of wrath (Las uvas de la ira); How green was my valley (Que verde era mi valle); The quiet man (El hombre tranquilo)... repito, es mi simple opinión. 
En el caso de The Informer nos encontramos con otro buen ejemplo.
La historia nos lleva hasta la Irlanda de los turbulentos años 20, donde Gypo Nolan, un borracho con pocos sesos en la cabeza, y menos dinero aún en el bolsillo, ve ante sí la oportunidad de delatar a su mejor amigo que es buscado por el ejército británico por formar parte del Ejército de Liberación Irlandés, y cobrar la cuantiosa recompensa de 20 libras. Dinero más que suficiente para emigrar a América junto a su novia Katie, que ejerce de prostituta para sobrevivir.
La acción transcurre entre la tarde y la madrugada del mismo día, desde que Gypo (Victor McLaglen) delata a su compañero, hasta el desenlace final, lo que ofrece a la historia un ritmo continuo y trepidante en la caída de Gypo y de como está cavando su propia tumba. ¿Por qué digo esto último? Porque los miembros del Ejército de Liberación de Irlandés sospechan de Gypo, por lo que le siguen durante toda la noche para ver como actúa.
Gypo es un personaje, cuanto menos, curioso. No tiene muchas luces en la cabeza, es propenso al alcohol, influenciable y poco seguro de si mismo. Su mejor amigo, al que delata por las 20 libras, siempre ha sido el cerebro del grupo, mientras que Gypo era el músculo. Pero sin él, no tiene nada que hacer. De ahí que se deje convencer por la masa de gente que lo incitan a que les paguen ronda de alcohol vitoreando su nombre y hablando de él como el Rey de Irlanda, gracias al dinero de la recompensa. La sociedad, y sus propias limitaciones, han hecho de él, lo que es "ahora mismo". Actúa casi inconscientemente, de ahí que nos encontremos escenas como cuando da el pésame a la madre de su amigo poco después de haber sido asesinado (esto no cuenta como spoiler ya que es al comienzo de la cinta y lo interesante viene después), y a los pocos minutos está celebrando por todo lo alto el dinero que tiene invitando a todo el mundo. Acusa a otra persona de haber sido el auténtico delator de su amigo sin tener una coartada fiable.
El tema de la traición es uno de los más jugosos en el cine, pero normalmente nos obligar a vivir un continuo sentimiento de culpabilidad al identificarnos con el protagonista, pero es que en la película no se da el caso, ya que Gypo Nolan es un personaje que te puede caer mejor o peor, pero no te identificas con él. Más cuando te das cuenta como está actuando y cómo el mismo se está poniendo la soga al cuello. Sabes que sus intenciones son buenas al principio, pero no sus formas.
-¿Qué has estado haciendo estos meses?
-Morirme de hambre.
Ese diálogo transcurre en el primer interrogatorio que le hacen tras la muerte del amigo. Gypo había pertenecido al Ejército de Liberación Irlandés pero fue expulsado al ser incapaz de ejecutar a un delator y dejarle escapar. Curiosamente, se da una situación algo similar después.
La fotografía de la cinta, junto al escenario que transcurre la historia, callejones oscuros, habitaciones a oscuras, la continua tensión que produce la trama, el miedo a que los británicos los descubren, la impasibilidad de Gypo, impactan al espectador como podían hacer las mejores cintas del expresionismo alemán ya que cargan y vician la atmósfera de una manera asfixiante. Magnífico ese apartado.
Le preguntaron una vez a John Ford que era el cine para él, a lo que respondió: ¿ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine. En mi opinión, el interrogatorio final, y la actuación de Victor McLaglen son auténtico cine.
La película obtuvo seis nominaciones al Oscar, llevándose cuatro estatuillas: Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Guión y Mejor Banda Sonora.

@solocineclasico

lunes, 11 de marzo de 2013

¿Fue Clark Gable Homosexual?

Uno de los grandes galanes de la historia del cine. Reunía todas las cualidades que podían presentar por ejemplo Gary Cooper, Cary Grant y Gregory Peck juntos. Era un hombre grande, fuerte, rebelde, atractivo y con personalidad, dentro y fuera de la pantalla. Lo más parecido que podríamos encontrar hoy sería... George Clooney!?
Alcanzó la fama con It Happened One Night (Frank Capra, 1934), y la inmortalidad con el papel de Rhett Butler en Gone with the Wind (Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939).
Mantuvo romances con algunas de las mayores celebridades de la época, casándose cinco veces. 
Tal fama, tal reconocimiento no es extraño que hagan despertar rumores sobre su vida privada. Pocas son las estrellas que se libran. En el caso de Gable fue su pasado de chapero en los años 20 con celebridades gays de Hollywood.
Todo surgió en los años 30 cuando Gable empezó a coger fama en Hollywood. No era más que un rumor que el mismo actor desmentía cuando la prensa le preguntaba. Pero no fue hasta el rodaje de Lo que el viento se llevó cuando el rumor pasó  a ser cotilleo de primer nivel.
Para el papel del galán Rhett Butler la productora no se lo pensó dos veces y contrató a Clark Gable, era la elección perfecta. El director escogido para rodar la épica cinta había sido George Cukor, y ahí empezó el problema.
George Cukor era uno de los directores en auge en los años 30, y el contar con él para dirigir la cinta parecía una apuesta segura. Pero aquí viene el dato: Cukor era abiertamente homosexual y como tal, sabía quien lo era y quien no en Hollywood. Él era una de esas personas que sabía sobre el pasado de Gable, o que al menos había oído los rumores de primera mano. De ahí que Gable exigiera que despidieran a Cukor tras un año de pre-producción, ya que le incomodaba la idea de con Cukor airease esos rumores. La productora no tuvo más remedio que aceptar.

La anécdota se convirtió en una de las grandes leyendas urbanas de Hollywood durante mucho tiempo, hasta hace unos pocos años cuando el francés David Bret publicó "Clark Gable: estrella atormentada", en la que ofrece más datos y detalles sobre la vida de Gable en los años 20.
Mantuvo relaciones sexuales con hombres para ascender en Hollywood. Era parte de la rutina para darse a conocer en Hollywood, comenta el autor, al precisar que eso aún sucede hoy.
Al parecer Gable se dejó seducir por actores homosexuales como Earle Larimore, Rod La Rocque y William Haines, grandes estrellas del cine mudo y de gran influencia en sus respectivos estudios.
El autor también afirma que tiene pruebas y ha realizado entrevistas que demuestran que Gable ejerció de chapero. 
Pasen los años que pasen se seguirá hablando y rumoreando sobre el pasado de esta gran estrella del cine. Personalmente llego a la conclusión de que Gable no fue homosexual. ¿Bisexual? puede. ¿Qué más da? Vive y deja vivir. Un hombre que se alistó a las Fuerzas Aéreas tras la muerte de su gran amor, la también actriz Carole Lombard, en un accidente de avión, no me da muchos indicios de que fuera homosexual. Un acto de amor así por una mujer creo que es prueba suficiente.
Acabo con la anécdota de la entrevista de David Frost a Joan Crawford cuando le preguntaron sobre el secreto de la irresistible atracción de Clark Gable. La actriz miró fijamente a Frost y respondió: ¡Cojones, él los tenía!

@solocineclasico

La Mandrágora: Ace in the Hole!


Señoras y señores, como algunos de ustedes saben, este lunes (hoy) vuelvo a la radio que me vio nacer, Radio Pizarra, y al programa que me vio dar mis primeros pasos, La Mandrágora, en la sección de cine clásico. Así que si estáis interesados, os recomiendo escuchar el programa esta noche a las 11, 20!!!

Podréis escuchar online el programa desde esta página http://www.lavozdelguadalhorce.com/

En el primer programa de cine clásico, desde mi partida al extranjero hace ya muchos meses, voy a hablar de Ace in the Hole (El Gran Carnaval) una de las obras maestras de Billy Wilder, con un ejemplo de anti-héroe como Kirk Douglas.

No os lo perdáis!

@solocineclasico

sábado, 9 de marzo de 2013

Top 10 de... Billy Wilder!




A las personas nos gustan las listas, hacer Tops de lo mejor que hay o que ha habido. Es como para resaltar lo que merece la pena y lo que no, y si además ese listado lo hace una persona cuya opinión valoramos, mucho mejor.
En cuestión de películas se han hecho cientos de listas. Estas son las 10 películas favoritas de Billy Wilder, un listado que hizo en 1952. Sería mucho más interesante saber uno que hiciera años después.

01. Bronenosets Potyomkin (El acorazado Potemkin) de Sergéi Eisenstein, 1925. URSS
02. Greed (Avaricia) de Erich von Stronheim, 1924. EEUU
03. Varieté, de Ewald André Dupont, 1925. Alemania
04. The Gold Rush (La quimera del oro) de Charles Chaplin, 1924. EEUU
05. The Crowd (Y el mundo marcha) de King Vidor, 1928. EEUU
06. La Grande Illusion (La gran ilusión) de Jean Renoir, 1937. Francia
07. The Informer (El Delator) de John Ford, 1935. EEUU
08. Ninotchka, de Ernst Lubitsch, 1939. EEUU
09. The Best Years of Our Lives (Los Mejores Años de Nuestra Vida) de William Wyler, 1946. EEUU
10. Ladri di Biciclette (Ladrón de Bicicletas) de Vittorio de Sica, 1948. Italia

@solocineclasico

Figuras del Cine Clásico: F.W. Murnau

Friedrich Wilhelm "Plumpe" (más tarde lo cambió a Murnau) nació en Bielefeld, Alemania, el 28 de diciembre de 1888.  Desde joven se vio interesado por las artes, de ahí que tras su paso por la universidad comenzara a trabajar en el teatro y la industria del cine. Max Reinhardt, principal impulsor del expresionismo alemán, fue su mentor durante esa época.
La mayoría de sus películas en Alemania no han llegado a nuestros días.
Su ópera prima fue "Der Knabe in Blau", de 1919, aunque no alcanzaría la fama hasta 1922 con  películas más conocida de la filmografía del director: "Nosferatu".
Se trataba de una adaptación de Drácula de Bram Stoker, aunque en un contexto diferente, debido principalmente a que el estudio para el que trabajaba fue incapaz de hacerse con los derechos de la obra. Murnau presenta una Alemania destrozada y desmoralizada tras la guerra en vez de la Inglaterra victoriana. Cambia los nombres de los protagonista y pocas cosas más. Aún así la viuda de Stoker demandó al estudio y ganó el juicio, por lo que tuvieron que destruir todas las copias, aunque consiguieron salvar unas pocas que mantuvieron ocultas hasta la muerte de la buena señora.
Podemos considerar esta cinta como uno de los más celebres documentos cinematográficos sobre el vampirismo, y una de las cintas más importantes obras del expresionismo alemán.
Tras Nosferatu le llegó el turno a "Phantom", basada en la novela homónima de Gerhart Hauptmann (premio Nobel de Literatura en 1912). Dos curiosidades sobre esta cinta: La primera es que el guión es obra de Thea von Harbou, esposa de Fritz Lang; la segunda es que la película se consideró desaparecida hasta que se encontró una copia en buen estado en 2002.
En 1924 llega otras de sus cintas más celebres, y una película que muchos discuten si es la segunda mejor película de la historia (juzgad por vosotros mismos, a mi encanta) "Der Letzte Mann", El último. Junto a Emil Jannings en gracia, y con guión de Carl Mayer, esta cinta nos presenta a un anciano portero de un hotel de lujo, respetado y admirado por todos, que ve como la edad empieza a suponer un problema para su quehacer físico diario. Poco a poco se va viendo relegado en los peores puestos del hotel hasta que llegar a un punto que por pura desesperación no podrá salir del fondo del pozo.
Algunas de las cosas que cabrían destacar de esta película son los puntos de vista subjetivo de la cámara como si fuera el personaje y los efectos visuales que ayudan al espectador a comprender el propio estado de ánimos y sentimientos del protagonista. Auténtica joya. Posiblemente su mejor cinta en Alemania.
(Fotograma de "El último")

(Gösta Ekman en "Fausto")

Precisamente la última película que dirigió en dicho país fue "Fausto", con una gran presupuesto y las estrellas alemanas Gösta Ekman y Emil Jannings. La película, una cuidada y fiel adaptación de la novela del dramaturgo alemán Goethe, destaca una impecable técnica para la época con clarouscuro y unos impactantes efectos especiales (repito, para la época!).
Pero como muchos grandes artistas europeos, Murnau se trasladó a EEUU a sueldo de la 20th Century Fox, cuya primera película sería su gran obra maestra, la mejor película de los años 20, el mejor drama romántico de la historia, y una de las mejores película del cine clásico. Todo esto en mi opinión. Por supuesto estoy hablando de Sunrise: A song of two humans, protagonizada por Janet Gaynos y George O´Brien, cuenta la historia de un matrimonio en un pueblo cuya relación se truncada por una mujer de ciudad que intenta hacerse con el marido y que asesine a su mujer para ambos puedan vivir juntos. La película recibió tres Oscar en la primera ceremonia de los Oscar: Mejor Actriz, Mejor Fotografía, y Mejor Calidad Artística de Producción. Con este último hay algo que siempre me gusta aclarar. En la primera ceremonia de los Oscar no hubo un premio a Mejor Película, sino que hubo dos: Mejor Producción, y Mejor Calidad Artística. Que ocurre, que hubo que aplicar una similitud con estos dos premios y el de Mejor Película, por lo que la historia reconoce a Wings, como la primera ganadora del Oscar.
Tras la llegada del cine sonoro, y las discusiones que tuvo junto a William Fox, Murnau se alejó un poco del mundanal espectáculo de Hollywood. Principalmente porque sus dos siguientes obras no obtuvieron el éxito esperado, "City Girls" y "Four Devils".
Realizó un viaje por el sur del Pacífico, lo cual inspiró su última película, Tabú. Realizó en escenarios abiertos el rodaje de esta película junto al documentalista Robert J Flaherty.
El 11 de Marzo de 1931 falleció en Santa Mónica en un accidente automovilístico. Mucho se ha hablado de este accidente, pero la principal causa al parecer fue la inexperiencia de su chofer, un niño filipino de 14 años que además era su amante.

Desde Solo Cine Clásico recomiendo sus siguientes títulos:

Der Brennende Acker (La Tierra en Llamas), 1922.
Nosferatu (Nosferatu), 1922.
Phatom (Phatom), 1922.
Der Letzte Mann (El Último), 1924.
Faust (Fausto), 1926.
Sunrise: A song of two humans (Amanecer), 1927.
Tabu (Tabú), 1931.

Una filmografía corta, pero que nos dejó cuatro obras maestras, que no es poco. Pero principalmente, por lo que deberá ser recordado Murnau, es por su influencia, no solo en el cine expresionista alemán, sino en los siguientes cineastas y por lo revolucionario de alguno de sus metodos de rodaje, y su técnica.

@solocineclasico
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