viernes, 29 de octubre de 2010

Los Simpson en el Cine Clásico... Dr. Strangelove


DR. STRANGELOVE/ HOMER EL VIGILANTE (11x05)

Sencillamente genial. Gran homenaje a una de las escenas más grandes de la historia del cine.

Los Simpson

La Original

martes, 26 de octubre de 2010

Un móvil en "El Circo" de Chaplin

Editado el 18/12/2013


Aquí tenéis el argumento de una de ciencia-ficción homenaje al cine clásico. Un viajero en el tiempo llega hasta los años 20 con la idea de vivir en dicha época y participar en una película de Chaplin. Es más, consigue salir en una escena y todo, pero le suena el móvil y... bueno, la verdad es que el argumento no vale mucho, pero la escena ya está hecha. Ahí tenéis:

Pues bien, tiempo después, y tras analizar la película, se confirmó que la escena no era real o perteneciente a la cinta de Chaplin. Todo comenzó cuando el director irlandés George Clarke descubrió al mundo la escena y afirmó que se trataba de un viajero del tiempo. Evidentemente, esto no es real, pero circulan dos teorías que tratan de explicar este fenómeno:
A- La mujer fue añadida a los fotogramas reales por el propio Clarke para darse publicidad ante el estreno de una película suya.
B- La mujer es real, solo que no es un móvil lo que lleva pegado a la oreja, sino un audífono 34A de Western Electric.
Personalmente, hace mucho que no veo la película, aunque pienso revisionarla para confirmaros si se trata o no, de un caso real. Hasta entonces...

@solocineclasico

jueves, 21 de octubre de 2010

Carrotblanca...Los Looney Toons en el cine Clásico

Los Simpson no son el único producto con excelentes guiños al cine clásico. Los Looney Toones también se apuntan con un clásico de los clásicos: Casablanca. Con total libertad para parodiar los momentos más cómicos de la película al ser ambas ficciones de Warner Bros., consiguen un curioso producto donde cada personaje de dibujo interpreta su papel. Ver a Bugs Bunny como Humphrey Bogart no tiene precio. Y como una imágen vale más que mil palabras, ahí os dejo el documento en cuestión.

lunes, 4 de octubre de 2010

Películas - Años 20: El Maquinista de la General (1926)



THE GENERAL (10/10)


La Obra Maestra por excelencia del gran Buster Keaton; considerada como una de las mejores comedias de la historia del cine; catalogada como la mejor película basada en la Guerra Civil Americana, y tiene gracia, ya que al estrenarse "Lo que el viento se llevo" unos años más tarde, le preguntaron a Keaton que le había parecido, y sobre que comparasen su película con la de Victor Fleming, a lo que respondió "mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia".

Johnnie Grey (Buster Keaton), un joven sureño tiene dos grandes amores en su vida; su novia Annabelle (Marion Mack), y su locomotora The General. La Guerra entre el Norte y el Sur estalla, y todos van a alistarse. Johnnie corre para ser de los primeros, pero cuando al preguntar por su oficio, y responder "Maquinista", los del reclutamiento deciden que será más útil en su actual labor. Eso lo deprime profundamente, pero aún más cuando su entera su novia y cree que en realidad no se ha alistado por cobardía. Poco tiempo después, un grupo de espias del Norte secuestran la locomotora de Johnnie, dando la casualidad que Annabelle se encuentra en su interior, por lo que comienza una alocada persecución para salvar al amor de su vida y recuperar su adorada locomotora.

Lo he dicho anteriormente y me reafirmo en ello. Chaplin era una gran artista, pero Keaton fue por excelencia el gran cineasta de su época, superando al británico. Prueba de ello lo podemos ver en esta cinta, donde Keaton controla todos los factores, tanto técnicos como artísticos. Prueba de ello son las escenas rodadas de la locomotora, con una audacia impropia para la época. La gesta de poner a un protagonista del sur perdedor, en vez del norte vencedor únicamente para glorificar seguramente el mejor gag de la película de "Si luego pierden la guerra no me culpen por ello", o el derrumbamiento del puente al final del film con locomotora incluida, lo que elevó el presupuesto a más de un millón de dólares.

Keaton comenzó a trabajar en el film un año antes de su realización debido a la envergadura del proyecto, sobretodo en el apartado técnico. Durante este tiempo, Keaton llegó a conocer cada una de las piezas que conforman una locomotora. Comenzaron a rodar en los bosques de Oregon, y al encender las locomotoras provocaron un gran incendio. Realizó una proyección privada en su mansión en Hollywood (la mansión que aparece en El Padrino) junto a una de las fiestas más salvajes que se recuerdan. Pero tanto la crítica como el público recibieron con desgana la película. Quizás demasiado adelantada a su época; más acrobacias que payasadas; es un héroe, pero sureño; no es una comedia, pero tampoco un drama". No sería hasta años después cuando la crítica diese la razón a Keaton, y catalogasen su film como obra maestra. Pero ya era demasiado tarde.

Ultimamente nos llegan películas de los año 10 y 20 olvidadas por completo durante décadas pero que gracias a las últimas técnicas visuales son recuperadas. La mayoría de ellas ya no tienen un gran efecto sobre el público más que como curiosidad, pero The General es mucho más. No solo una obra maestra y una declaración de amor al cine y a la historia, puede llegar a ser educativa en muchos aspectos, para empezar para los cineastas actuales. Y tiene más de 80 años.


Y aquí podéis ver la película completa:


@solocineclasico

domingo, 29 de agosto de 2010

Películas - Años 40: Roma, Ciudad Abierta (1945)


ROMA, CITTA APERTA (10/10)


En 1945 asistimos al nacimiento del Neorrealismo Italiano, seguramente uno de los mejores géneros cinematográficos de la historia. Surge con la intención de contar y denunciar historias verdaderas y dramáticas sobre la gente de la calle, siendo un claro reflejo de una realidad que muchos querían o preferían ignorar. Situaciones cotidianas de la sociedad italiana de post-guerra son el principal argumento. Los hechos suelen ser casi siempre reales, con actores, habitualmente, no profesionales y rodadas en escenarios reales, algunos de ellos auténticos estercoleros donde malvivía la gente.

Fue 1945 el año del nacimiento de este género debido al estreno de la cinta Roma, citta aperta, que sería la primera de muchas cintas italianas pertenecientes a este movimiento.
Su director, Roberto Rossellini, cuyo nombre se encuentra en el Olimpo de los cineastas, decidió realizar una película que retratase el día a día en la Roma ocupada por los nazis. Durante el gobierno de Mussollini, a Rossellini no le faltó trabajo, conociendo durante esta época y trabando amistad con Aldo Fabrizi y Federico Fellini, los cuales le ayudarían con Roma, citta aperta. Para ello Rossellini salió a la calle durante la propia ocupación de su ciudad y comenzó a hablar con la gente para informarse de primera mano. Pronto fue capaz de tejer varias historias dándole forma y creando un único relato con varios protagonistas. También se basó en la verdadera historia del sacerdote Luigi Morosino, el cual fue torturado y asesinado por la Gestapo al ayudar a la resistencia.
Anna Magnani da vida a Pina, una viuda con un niño pequeño a punto de casarse con un miembro de la resistencia italiana que esconde en su casa a uno de sus líderes. Ayudados por Don Pietro, el sacerdote de la iglesia, interpretado por Aldo Fabrizi, se ponen en contacto con la resistencia, pero lo que no saben es que la Gestapo está detrás de ellos y a través de unos inconscientes informantes saben donde se encuentran.
Guarda este drama una de las escenas más famosas de la historia del cine, la cual puede que muchos, sin haber visto la cinta puede que conozcáis como yo antes de visionarla, pero si habéis visto la cinta, os sugiero que siga así.

La película fue un éxito desde el primer momento, aunque sufrió a causa de la censura en no pocos países. En EEUU sufrió un recorte de 15 minutos; en Alemania Occidental fue prohibida desde 1951 hasta 1960; y en Argentina aún hoy se desconoce la razón de que fuese apartada de los cines. A pesar de ello ganó la palma dorada en Cannes y estuvo nominada al Oscar a Mejor Guión.

Podéis ver la Película Completa aquí:


@solocineclasico

jueves, 26 de agosto de 2010

"Singing in the Rain" de Mint Royale

El vídeo que os presento a continuación es de un anuncio de Volswagen que apareció hace unos pocos años en televisión y que ya había olvidado por completo, quizás vosotros no. Se trata de un magnífico... ¿qué digo magnífico?, COJONUDO montaje de la mítica escena de Gene Kelly de cantando bajo la lluvia. Sencillamente, brillante.

martes, 24 de agosto de 2010

Figuras del Cine Clásico: Marlene Dietrich

¿Miedo a la muerte? Uno de debe temerle a la vida, no a la muerte.

Esa fue la eterna filosofía de la berlinesa Marie Magdelene Dietrich, más conocida como Marlene. Nacida en la capital alemana el 27 de Diciembre de 1901, desde muy pequeña estuvo vinculada a las artes, participando en pequeñas obras de teatro en el colegio, y tocando el violín. A principios de la década de los años 20 entró en la escuela de interpretación de Max Reinhardt. Dos años después consiguió su primer papel, aunque tendría que esperar hasta 1930, participando en peliculas menores con actuaciones de secundarias mayoritariamente, para su gran oportunidad en Der blaue Engel (El ángel azul) dirigida por Josef von Sternberg, y coprotagonizada por Emil Jannings. Marlene aparece en un par de ocasiones con los muslos al descubierto, algo radical en aquella época, por lo que tanto eso, como la película en si, le valió el mito de "diva" y "Femme Fatale", convirtiendose en todo un icono sexual de la época.


Ese mismo año (1930) llaman desde Hollywood interesados por Marlene para protagonizar una película junto a Gary Cooper que sería conocida como Morocco, comenzando así su singladura en tierras americanas de la que si se convirtió en una figura mítica, siempre mantuvo las distancias y una aptitud independiente ante su modo de hacer las cosas. Su mejor legado, cinematograficamente hablando, serían las películas de la década de los 30 que protagonizaría bajo las órdenes de Sternberg, como El Expreso de Shanghai o El Diablo era Mujer (ambientado en España).

Al comienzo de la segunda guerra mundial se nacionalizó americana huyendo de su país natal. Fue una firme anti-nazi, y lo demostró siendo una de las primeras celebridades que vendió bonos de guerra, entreteniendo a las tropas o manifestándose públicamente en contra del tercer Reich.

Aunque durante este periodo rodó algunas películas, no sería hasta finalizado el conflicto cuando la veríamos en sus mejores registros, como en Berlín Occidente (A Foreing Affair), Testigo de Cargo (Wittness for the Prosecution), Sed de Mal (Touch of Evil) y Vencedores y Vencidos (Judgment at Nuremberg).

Mucho se ha hablado de su vida privada, algo de lo que se sabe mucho pero de las que circulan innumerables historias, como por ejemplo, su orientación sexual, el número de amantes que estuvo, o que clase de mujer de familia era. El mito más famoso sea quizás el de su relación con otra extranjera que eclipsó Hollywood durante los años 30, Greta Garbo.

Su figura de diva y "femme fatale" ha inspirado a muchas actrices durante el paso de los años. Aquí os traigo dos claros ejemplos, la genial Cate Blanchett en "The Good German", o Diana Kruger en la cinta de Quentin Tarantino, "Inglourious Basterds".


Desde solo cine clásico os recomiendo sus siguientes películas:

Der Blaue Engel (1930) de Josef von Sternberg
Morocco (1930) de Josef von Sternberg
Shanghai Express (1932) de Josef von Sternberg
The Devil is a Woman (1935) de Josef von Sternberg
Detry Rides Again (1939) de George Marshall
A Foreing Affair (1948) de Billy Wilder
Witness for the Prosecution (1957) de Billy Wilder
Touch of Evil (1958) de Orson Welles
Judgment of Nuremberg (1961) de Stanley Kramer

@solocineclasico

domingo, 22 de agosto de 2010

Películas - Años 60: Ayer, Hoy y Mañana (1963)

IERI, OGGI E DOMANI (7/10)


Está embarazada, está embarazada, está embarazada, está embarazada.

Me decepcionó, y mucho, la cinta de De Sica junto a los míticos Sofia Loren y Marcello Mastroianni. No digo que la película no se buena, aunque tampoco supera lo notable. Ayer, Hoy y Mañana es una película dividida en tres historia sin conexión entre ellas y que únicamente tratan a modo de comedia el estereotipo de la bella y portentosa mujer italiana y el típico hombre cautivado por sus encantos.

La primera trata sobre Adelina. Algo así como una estraperlista que vende tabaco de contrabando en las calles de Nápoles y a la que han pillado en más de una ocasión. Para evitar la cárcel, Adelina siembre está embarazada. Pero cuando el número de niños aumenta, y el plazo para quedar nuevamente embarazada está apunto de expirar, el marido de ella se ve agobiado y estresado para dejarla embarazada.

En la segunda nos encontramos con Anna, una mimada multimillonaria de Milan que decide salir con su nuevo Rolls Royce junto a su amante, de una posición inferior a la suya. Durante el trayecto surge el tema del amor entre ambos, aunque el amante duda de ella, ya que la conoce bien, pero la incertidumbre de este no dudará mucho.

La tercera contiene quizás la escena más famosa de la película y una de las que más del cine clásico italiano. El streptease de Loren a los pies de la cama donde espera Mastroianni aullando como un lobo. Mara es una prostituta de lujo de Roma solo apta para hombres ricos y atractivos. Un día conoce al nieto de sus vecinos, un aspirante a sacerdote, que se vuelve loco por ella, por lo que decide abandonar sus estudios. Al mismo tiempo, Augusto, uno de los clientes de Mara, pasa unos días para visitar a Mara, pero ella está más pendiente en las discusión con la abuela del joven que de su propio cliente.

La película en si me gustó. Las tres historias son realmente divertidas, cuando no, hermosas, pero nada más. No esperen un relato neorrealista del tipo Ladrón de Bicicletas o El Limpiabotas. La película efectúa un reflejo satírico de la sociedad italiana a tres niveles completamente diferentes, pero nada más. Es quizás por eso que reconozco la calidad del film pero que tampoco puedo decir que sea una obra que me haya llenado. No.

Sica demuestra en esta cinta cuan gran director es. Loren y Mastroianni seguramente la mejor pareja en pantalla de la historia del cine italiano. Y la banda sonora Armando Trovaioli... bravísima!

jueves, 17 de junio de 2010

¿Sabes quién es?

Young Desiré ha preguntado en el blog si alguno reconocíamos a la mujer de esta fotografía. Por mi parte lamento decir que no tengo ni idea, pero invito a todos aquellos que tengan alguna o intuya quien es que lo digan para ayudar a nuestra compañera. Nada más.

Por otro lado, perdonad la falta de actualización del blog. Entre los exámenes, lo poco que queda para el estreno de Inception, mi otro blog y que en apenas dos semanas me voy a Edimburgo un mes apenas puedo pasarme por aquí. El resto de mis compañeros siguen igual, pero de todos modos antes de irme pienso hacer la crítica de al menos dos películas más de cine clásico español y terminar mi artículo sobre Marlene Dietrich.
Hasta entonces, gracias a los que seguís fieles al blog.

Un saludo a todos y ayudemos a Young Desiré si es posible. = )

domingo, 23 de mayo de 2010

Películas - Años 50: El Pisito (1959)


EL PISITO (8,5/10)

Lo primero, me gustaría presentarme. Me podréis conocer como Mrs. Blade Runner, y he tenido el privilegio de ser invitada por Sean al hablarme este de su ciclo de Cine Clásico Español, género del que si en buena medida no domino en su totalidad, si que conozco gracias a que mi críe disfrutándolo. Espero poder comentar en este blog tanto como me sea posible y dar difusión al magnífico cine patrio que parece estar cayendo en el olvido con el paso de los años. Para ello me estreno como una de mis cintas favoritas de la época, "El Pisito".
Segundo largometraje del italiano Marco Ferreri, afincado en aquella época en Madrid, con guión de él mismo y Rafael Azcona, y basado en la novela "El pisito" (1957), de Rafael Azcona. Fue estrenado el 1de junio de 1959.
El reparto está formado por: Mary Carrillo, José Luis López Vázquez, Concha López Silva, Celia Conde, José Cordero, Ángel Álvarez, Maria Luisa Ponte, Andrea Moro

SINOPSIS
Rodolfo y Petrita llevan doce años de relaciones. Para casarse necesitan un piso y no hay forma de encontrarlo. Rodolfo vive realquilado en casa de doña Martina, una anciana a punto de morir, cuyo el casero está deseando que deje libre la vivienda para derribar el edificio. Algunos aconsejan a Rodolfo una solución heroica: casarse con doña Martina y esperar lo poco que le queda de vida para heredar el alquiler. Rodolfo se resiste, pero cada vez con menos fuerza…
Uno de las películas clásicas del cine español, que supo reflejar de forma magistral algunos de los problemas de la sociedad española de finales de los cincuenta, centrándose fundamentalmente en el de la escasez de viviendas en las grandes ciudades, en este caso Madrid, que hace que muchas gentes tengan que vivir realquiladas, como el protagonista, en pisos cuyos arrendatarios los han convertidos en casas de huéspedes simuladas.
La crítica inscribe esta película dentro del llamado realismo social; influenciada en gran medida por el neorrealismo italiano, pero con un humor negro muy español, corrosivo en algunos momentos, absurdo en otros, y un guiño a la picaresca tan genuinamente española, la película es una rotunda denuncia de una situación injusta que se ceba en los protagonistas, unos personajes primarios, que se ven desbordados por esa situación, lo que les lleva a tomar una decisión drástica. A pesar del sarcasmo y del humor ácido que impregnan la cinta, la historia aparece envuelta en un sutil velo de tristeza por los años que van pasando y la juventud perdida de sus patéticos protagonistas, que ven su sueño de casarse cada día más lejos de cumplirse…
Como documental de la sociedad española de la posguerra, representada por la pareja protagonista y sus familias así como por los realquilados del piso de doña Martina, personajes marcados por las penurias de todo tipo, especialmente la económica, es una obra redonda, magnífica y al mismo tiempo conmovedora. La realidad que presenta es triste, el desánimo, la carencia de esperanza, lo impregnan todo; pero entonces, aparece el humor, muchas veces absurdo y siempre incisivo para suavizar esa realidad. El tópico del tempus irreparabile fugit en pocas ocasiones se ha visto mejor reflejado cinematográficamente que en esa escena en que Rodolfo y Petrita bailan lenta, tristemente, rodeados de jóvenes que les hacen comprender que su juventud se ha ido irremediablemente.

Magnífico (y duro guión), magnifica dirección e insuperables interpretaciones, especialmente de la pareja protagonista.



@solocineclasico

jueves, 20 de mayo de 2010

Películas - Años 60: Placido (1961)


PLACIDO (10/10)


En una pequeña ciudad de provincias, unas señoras afincadas a practicar ostentosamente la caridad, se inventan la campaña navideña "Cene con un pobre". Placido es contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero hay un pequeño detalle que le impide dedicarse únicamente a su tarea: ese mismo día de Nochebuena le vence la primera letra del motocarro.

Este es el sensacional, aunque a priori sencillo, argumento de "Placido"; una de las obras cumbres de Luis Garcia Berlanga y seguramente, su crítica más colosal contra la sociedad española en aquella época. Influenciado notablemente por el Neorrealismo Italiano; reflejo de una doble moral, la hipocresía, el decir pero no hacer, lo de siempre, vamos.
Con guión del propio director, junto a Rafael Azcona, "Placido" es una dura denuncia a la moralidad de la época. Pero no es abierta y directa, no. La censura habría destrozado la película en ese caso, no. Para ello, Berlanga vuelve a hacer uso del ingenio y humor ácido que tanto le caracterizó en toda su filmografía. Historias entrecruzadas, situaciones hilarantes, humor y tragedia, todo ello unido para mostrar al mundo una parte de la España de la época... y parece que funcionó, ya que la cinta estuvo nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera en 1961

El usar como excusa una campaña de navidad para reflejar a la sociedad hipócrita a la que hace referencia Berlanga no podría ser más acertada, porque... ¿qué mejor época que la navidad para mostrar como somos en realidad? Puede sonar a tópico, pero es así, y eso les pasa factura a las damas de sociedad que inventan el "juego" de cenar con un pobre. Lo importante, lo principal, lo esencial es el "que dirán...", las apariencias, la imagen. Eso lo es todo para esas personas. Ayudemos a los pobres (a los que jamás volverán a ver...); prediquemos el espíritu cristiano y hablemos de caridad (para luego hacer todo lo contrario...); luchemos contra la pobreza (pero no hagamos nada salvo "cenar" con un pobre...); todo esto en un intento de lavar sus consciencias para volver a caer en la misma piedra una y otra vez.

En el reparto nos encontramos a Casto Sendra "Cassen", en el mejor trabajo de su vida, junto a José Luis López Vázquez (uno de los más grandes del cine español), Elvita Quintilla, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba y Amparo Soler Leal.
En Estados Unidos, y en muchos hogares por todo el mundo acostumbran a visionar "It´s a wonderful life" durante las fiestas navideñas... en España quizás no es tanta la costumbre a recordar este film por la agria y desesperanzadora imagen que nos damos a nosotros mismos... aunque quizás no sería tan mala idea si con ello se captase el mensaje de la película.


Os la recomiendo a todos. Aquí podéis ver la Película Completa:

@solocineclasico

jueves, 6 de mayo de 2010

Películas - Años 50: Muerte de un Ciclista (1955)

MUERTE DE UN CICLISTA (8,5/10)


"GRAVEMENTE PELIGROSA"

La trama comienza en una carretera (como diría mi abuelo) "de las antiguas", por donde va circulando un ciclista. Pasa por delante de nosotros y a los pocos segundos es atropellado por un coche. No vemos como. Bardem prefiere no mostrar dicha escena recreando quizás el momento de duda que podría tener el causante de dicho accidente. Los responsables son, en apariencia, una pareja normal y corriente, que bajan a ver que ha ocurrido. El ciclista está mal herido, pero ellos deciden no ayudarle y marcharse del lugar. Con el paso de los minutos descubrimos que los posibles sentimientos de culpa de estos dos individuos no son únicamente por no socorrer al ciclista, sino también porque en realidad son amantes. Deciden guardar silencio ante lo ocurrido con la esperanza de que no los descubran, pero un magnate del mundo del arte afirma saber lo que ha ocurrido y comienza a chantajearles.

Además de la anterior premisa, vemos un transfondo crítico social muy importante, reflejado en la diferencia de clases durante la dictadura, o los primeros movimientos estudiantiles en España de protesta.

Ella, el personaje femenino, María José (Lucía Bosè), está casada con un rico empresario y vive a todo lujo. Él está locamente enamorado de ella y en ningún momento piensa que le pueda ser infiel.
Él, el personaje masculino, Juan (Alberto Closas), es un profesor de universidad recomendado por el marido de su hermana. Lo que le permite trabajar sin apenas esfuerzos, algo que levanta rumores a sus espaldas. Está confundido, no sabe que quiere hacer con su vida, y encuentra a María José como una especia de válvula de escape.
Ambos habían sido novios antes a la Guerra Civil, pero al volver Juan, María José se ha fugado con su actual marido como única vía de supervivencia. Años después renuevan su relación, mostrando en cierto modo, como ninguno de los dos está enamorado por completo del otro. María José parece que le quiere, aunque para ella, su situación actual tiene mucha mayor importancia; en cuanto a Juan, está tan confuso que no sabe lo que quiere o no quiere, lo que le llevará a tomar la decisión del final de la película... al igual que a ella.

Aunque pueda parecer una historia simple, la historia de amor e infidelidad de Juan y María José, y el que abandonen a su suerte al ciclista, le valió a la cinta la calificación de "Gravemente Peligrosa". Bardem hace una crítica a la diferencia de clases durante aquella época, y como esta era corrupta, hipócrita, e inmoral en muchos aspectos. Para ello hace de Rafa (Carlos Casaravilla), un personaje clave, ya que es punto intermedio, un perfecto observador entre esos dos mundos. Rafa es el típico intelectual al que todos los aristócratas quieren tener a su lado en un intento de mejorar su propia imagen, y que intenta chantajear a los protagonistas.

Por otro lado, y casi sin tener nada que ver con la historia central, nos encontramos con un protesta estudiantil en la facultad donde trabaja Juan debido a un error/injusticia que cometió durante un examen a una de sus alumnas.

La película ganó el premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes. Al poco tiempo de dicho premio, Bardem participó en las Conversaciones Nacionales Cinematográficas de Salamanca, durante el transcurso de las cuales, se debatió sobre la situación estructural del cine español. Juan Antonio Bardem y Basilio Martín Patiño resumían conjuntamente las conclusiones de aquel congreso subrayando que "cuando el cine de todos los países concentra su interés en los problemas que la realidad plantea cada día, sirviendo así a una esencial misión de testimonio, el cine español continúa cultivando tópicos conocidos. El problema del cine español es que no es ese testigo que nuestro tiempo exige a toda creación humana". Bardem fue aún más lejos en su valoración de tan significativo encuentro cuando declaró que "el cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico".

Personalmente me esperaba más de la cinta. Aunque tiene un clara influencia del Neorrealismo Italiano, Bardem le dio un toque muy personal a la cinta con una dura, pero sencilla, crítica de trasfondo. Calle Mayor es mucho mejor. Mención especial a la actuación de Alberto Closas.



VIA: Cinefia

miércoles, 5 de mayo de 2010

Los Simpson en el Cine Clásico... La Gran Evasión



LOS PÁJAROS/ UN TRANVÍA LLAMADO MARGE (4x02)




Hace poco comentamos esta genial película en el blog, La gran evasión. Sin duda alguna, la cinta de Steve McQueen ha hecho escuela y ha inspirado a otros muchos directores con el paso de los años. En el capítulo, "Un tranvía llamado Marge", encontramos muchos homenajes a distintos clásicos del cine. Hoy tocaría hablar de la cinta de 1962.



P.D.: De este mismo capítulo extraimos el homenaje de Los Pájaros.

miércoles, 28 de abril de 2010

Película - Años 30: Viva la Libertad (1931)


A NOUS LA LIBERTÉ (8/10)

El otro día Rene Clair y su película A Nous La Liberté (Viva La Libertad!) me mostró como incluso los mejores directores se inspiran en otras películas para armar sus obras maestras. Tiempos Modernos esa película por todos conocida, en la que Chaplin hacía una genial, maravillosa y perfecta metáfora de la pérdida del individuo en el periodo de entre guerras con el auge de la industria y la cadena de montaje, bebe mucho de esta película francesa hecha 5 años antes.
Y es que nada como las clases de cine (una asignatura que me justifica todo primero de Comunicación Audiovisual) para confirmar lo que ya sabía que me quedan muchas joyas por ver.


A Nous La Liberté es un film de 1931. Cinco años más tarde Chaplin construiría Tiempos Modernos con un punto de partida muy parecido. Las secuencias que Clair en la fábrica, así como el emblemático final con ambos protagonistas buscando el camino correcto, serían inspiración para el inglés para hacer su película. El director francés lejos de enfadarse por plagio, se sintió halagado de que un genio como Chaplin se basara en su película.
A Nous La Liberté nos cuenta la historia de dos compañeros de celda, Louis y Emile, en una cárcel que deciden fugarse. El plan no sale como lo habían planeado (nunca salen bien) y mientras uno consigue salir, el otro es atrapado por los guardas. Los años pasarán y sus vidas progresarán. Uno de ellos, el que logró salir de la cárcel, prosperará en el negocio de los toca-discos hasta llegar a tener una gran empresa con centenares de trabajadores explotados. Mientras que el otro conseguirá escapar de la cárcel y tendrá que encontrar la manera de sobrevivir en un mundo en plena evolución. El destino los vuelve a juntar en la fábrica dónde Louis, el propietario, lejos de haber cambiado se alegra de ver a su amigo y decide ayudarle en todo lo que puede.
El enorme cambio no solo económico que ocasionó la Revolición Industrial marcó un antes y un después en la sociedad. El cine se vio obligado a ejercer de testigo de la época mostrándonos este cambio. La deshumanización del hombre convirtiéndolo en parte de una manada (como expresa de manera genial Chaplin en Modern Times) era el tema principal de las películas más arriesgadas de la época. Con geniales escenas sobre las cadenas de montaje que después inspiraría a Chaplin para hacer uno de los mejores “bailes” de su mítico Charlot.
La comedia del cineasta francés Rene Clair no se queda ahí, además es un canto a la amistad entre los dos protagonistas. Una amistad que consigue romper la barrera entre pobres y ricos de manera un tanto ingenua y utópica, pero no por ello peor. Simpatía, sencillez y libertad son tres valores presentes en cada fotograma de la película. El film del cineasta francés además nos hace reflexionar con sobre las pequeñas cosas que nos hacen ser personas individuales y no un todo impersonal, un cielo, unas nubes, la mirada de una chica des del balcón.

Henri Marchand y Raymond Cordy son los protagonistas del film interpretando a Emile y Louis respectivamente. El primero con una mirada ingenuo y más instinto que cabeza intenta conseguir sus objetivos. Objetivos que están lejos del dinero o del materialismo necesario para progresar en la creciente nueva sociedad. Emile es un “bicho raro” en busca de amor, paz y libertad. Cordy interpreta a Louis un rico empresario que ha sido atrapado por el sistema. Pero el reencuentro con su amigo le hace replantearse su vida y se da cuenta que su amigo aunque ingenuo y en busca de una quimera imposible vive mejor que él.
La película de apenas 90 minutos de duración se pasa en un abrir y cerrar de ojos gracias a un ritmo envidiable y ágil. Una banda sonora inolvidable con las voces de los presos cantando a la libertad dan la guinda a una película imprescindible para un amante del cine.
Una comedia que se podría considerar musical, simpática, sincera y sencilla con buenas interpretaciones y magistralmente dirigido por Rene Clair.

miércoles, 14 de abril de 2010

Películas - Años 50: Bienvenido Mr. Marshall (1953)

BIENVENIDO MR. MARSHALL (9/10)



"Como alcalde vuestro que soy, os debo una explicación, y esta
explicación que os debo, os la voy a dar. Que yo, como alcalde
vuestro que soy, os debo una explicación, y esta explicación
que os debo, os la voy a dar, porque yo, como
alcalde vuestro que soy...."


Seguimos con nuestro especial de cine clásico español. Lo mismo que la semana pasada comentaba una película trágica y dura, hoy he decidido girar 360 grados y hablar sobre una cómica y mordaz. Una que reuniera tanto el cinismo, como la picardía propia del pueblo español. Surgen unos cuantos títulos, pero la obra por excelencia que reune esas características, y que además fue la pionera, es sin duda alguna: Bienvenido Mr. Marshall.

Nuevamente, pongámonos en situación mediante un escueto resumen por mi parte: Tras acabar la Segunda Guerra Mundial Europa estaba completamente desolada y destruida. EEUU decidió poner un programa económico de ayuda al que apodaron "Plan Marshall". La mayoría de países europeos se vieron beneficiados por este programa excepto los del bloque comunista, y España. Aquí empieza la coña por nuestra parte.

Vayamos a la película: Villar del Río, un pueblo típico español (posíblemente castellano), espera con ansia la llegada de los americanos, tras el anuncio del Delegado de la región, para repartir las ayudas que están repartiendo por parte del famoso Plan Marshall. No saben nada excepto que les van a dar lo que ellos pidan (sin abusar!), y que han de prepararles un gran recibimiento.
La presentación de los personajes no podía ser más fluida y divertida. Están todos los prototipos típicos de los pueblos españoles: El Alcalde, el hombre más rico del pueblo, curiosamente sordo; el Cura, guía espiritual de sus feligreses, bonachón aunque firme; el Hidalgo del pueblo, noble pero pobre, claro guiño a nuestro querido Don Quijote; el Empresario que llega al pueblo, pícaro y emprendedor, aunque con demasiadas pretensiones y ensoñaciones de grandeza; la Maestra, inteligente, capaz y "soltera"; los comerciantes... todos ellos son los dirigentes del pueblo; todos ellos seguidos por el pueblo llano, agricultores, ganadores o peones sin ideas, aspiraciones o motivaciones, masas estancadas.

Ante el temor de que los demás pueblos puedan ofrecer a los americanos un recibimiento mucho mejor, ellos deciden mostrar algo atípico en un pueblo de la zona de Castilla, un recibimiento a lo andaluz (mi hermosa tierra). El empresario convence al Alcalde para decorar todo el pueblo como si fuera uno andaluz, además compran para todos los lugareños trajes de flamenco y gitanas... ("Tipical Spanish") Todo ello acompañado de una canción de bienvenida, la famosísima "Americanoooos, vienen a España guapos y saanos". El final es soberbio. Deja clara una cosa, a optimistas no nos gana ningún pueblo en la faz de la Tierra; los españoles somos expertos en reírnos de nuestras propias tragedias y pensar que tarde o temprano todo se solucionará. No diré más para los que no la hayan visto, en especial nuestros compañero de América Latina.


La cinta es una crítica, tanto hacia los Estados Unidos a modo de sátira y con "buen rollo" por el plan Marshall del que España, tras más de 10 años de dura pos-guerra, no se benefició en absoluto; cómo al propio régimen de Franco, con su política autocrática y de autosuficiencia, lo cual cerraba las puertas a cualquier ayuda del exterior. Quizás la censura no entendió esa última parte y la dejaron pasar pensando únicamente en el reproche hacia los yankees.

La película está dirigida por otro genio del celuloide patrio, Luis García Berlanga, de él ya comentaremos más películas en este especial; además de estar escrita por Juan Antonio Bardem y Miguel Mihura.
Se presentó al Festival de Cannes, ganando el Premio Internacional de la Crítica (para Berlanga), y una mención especial al guión.
Por mi parte hacer una mención especial a la actuación de Pepe Isbert, cómo alcalde Villar del Río. Alcalde, ricachón del pueblo, viejo verde, medio-sordo, inocente, y temeroso del Delegado... Esplendido!; y también al montaje que nos permite visionar la cinta de un modo cómodo y a gusto, con un ritmo muy bien marcado y progresivo.

Os dejo con unos cuantos vídeos que he encontrado en YouTube y que os permitirán saborear un poco esta pequeña obra maestra.

Bienvenidos Americanos:


Fragmento 2:


Fragmento 3, con la genial explicación del Alcalde:

sábado, 10 de abril de 2010

Películas - Años 50: Calle Mayor (1956)


CALLE MAYOR (10/10)


Dicen que Lorca fue el autor que mejor supo reflejar la agonía de las mujeres a principios de siglo. Clara prueba de ello son algunas de sus obras, en especial Bodas de Sangre, Yerma o La Casa de Bernarda Alba. Si Lorca consiguió eso en el teatro, Juan Antonio Bardem no se quedó lejos con "Calle Mayor", aunque el propósito del director no era únicamente ese. En una trama que esconde varios gritos de denuncia, el ingenioso director critica también el comportamiento sexista de la época en nuestro país; critica el estilo de vida, como se podía jugar con las costumbres y normas no escritas de modo que pudiesen a afectar de un modo inhumano a una inocente persona. La historia no podría ser más redonda.

A mediados de los años 50, en una ciudad de provincias, un grupo de amigos (corroborando el estereotipo de chulitos aburridos y crueles) deciden pasar el rato gastando una cruel broma a una solterona de 35 años del pueblo. Pongámonos en situación. En aquella época una mujer que pasaba de los 30 años y aún permanecía soltera difícilmente iba a encontrar marido, en tal caso quedaría en dicho estado para los restos. Era lo peor que le podía pasar a una mujer, ya que se les preparaba desde pequeñas para ser buenas esposas y dulces madres. Limpiar, cocinar, criar hijos y ser esposas comprensivas... Caso contrario era el de los hombres. Pero volviendo a nuestra historia, una mujer de 35 años, soltera, era el blanco perfecto para una cruel broma. ¿Cómo? fingiendo que uno de ellos la ama y que desea casarse con ella para después dejarla tirada después de haberla cortejado y una vez que ella se hubiera enamorado. ¿Podéis haceros una idea de lo que puede suponer para ella dicha noticia? Cuando prácticamente tenía asumido que viviría el resto de sus días sola (no literalmente) y que jamás tendría una familia le cae del cielo esta buena nueva dando a su vida un giro de 360 grados. El final, soberbio, duro, claro, te deja una sensación en el cuerpo no muy distinta a la de, quizás, Dogville. Quizás tan espléndido como el final sea el principio, donde a través de los ojos del intelectual de pueblo vemos como la masa ignorante (la mayoría) del pueblo se aburren y buscan entretenerse de los modos más corrientes, simples, y en ocasiones zafios.

Juan Antonio Bardem se decantó por la actriz americana Betsy Blair, recién nominada al Oscar por Marty. La actriz se mostró reacia en un principio por ir a rodar a la España de Franco, pero Bardem la convenció demostrándole que su película suponía una sutil crítica al régimen y a la mediocridad de la vida media en la España de Franco. Al poco de comenzar el rodaje en Palencia encarcelaron al director durante 15 días por "problemas políticos". Ante la negativa de Blair de que continuaran el rodaje con otro director, la producción acabó trasladándose a Cuenca y Logroño en distintos escenarios.
La censura intentó acondicionar la película con una voz en off introduciendo la cinta:

"Una pequeña ciudad de provincias.
Una ciudad cualquiera...en cualquier provincia...de cualquier país.
La historia que está a punto de comenzar... no tiene unas coordenadas geográficas precisas."

A continuación vemos la ciudad de Cuenca con sus famosas casas colgantes. Bardem 1, censura 0.

La "crítica realista" de Bardem y su análisis del comportamiento de las personas, y la sociedad en general, en extremos odiosos y crueles, nos recuerda que la crueldad no conoce límites. Nos recuerda que las personas somos un claro reflejo de nuestro entorno con sus más y sus menos, y que somos la primera amenaza para los que nos rodean llegados a un caso extremo.

La película ganó el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Venecia de 1956 y a punto estuvo de lograr el León de Oro en la categoría principal, aunque finalmente quedó desierta. También elegida por la Academia Española de Cine para representar a España en los Oscars, aunque finalmente no fue seleccionada. Aquel año ganó el Oscar en esa categoría La strada de Fellini.



@solocineclasico

jueves, 8 de abril de 2010

Especial: Cine Clásico Español

Este post va dedicado a todos los que afirman que durante el régimen en España no se hacía cine de verdad.

Decía Orson Welles en The Third Man:

"En Italia, gobernaron los Borgia durante 30 años y no hubo más que guerras, terror, matanzas; pero surgieron Miguel Angel, Leonardo DaVinci y El Renacimiento. En Suiza en cambio tuvieron 500 años de paz, democracia y amor, y ¿cuál fue el resultado? el reloj de cuco."
Clara muestra de cómo las personas sacan lo mejor de sí en los momentos difíciles.
Paradojicamente, suelo leer mucho a cerca de porque el cine español tiene el nivel tan bajo que tiene y en muchos epígrafes comienzan diciendo que el cine se corrompió durante la dictadura y que en España no se hacía "cine" durante dichos penosos años. Y yo pregunto ¿¿¿qué???

Decir eso es lo mismo que escupir en la cara de directores consagrados como Berlanga, Forque o Bardem, ambos comunistas declarados que con sus más y sus menos fueron capaces de dirigir películas en España durante dicha época. Por otro lado, soy de la firme opinión que durante dicha época, los directores y guionistas, sin ser financiados por las televisiones, sin tantas y tantas ayudas de los ministerios, sin la SGAE, sin sus privilegios y demás polladas, sacaron lo mejor de sí y dejaron una rica herencia cultural, cinematograficamente hablando, que muchos hoy no conocen o han olvidado. Cierto que existía la censura, negarlo sería un estupidez. Existía y era bastante fuerte, pero el que exista la censura en un país no hace que los artistas dejen de trabajar o que tenga que esforzarse de verdad para seguir creando. Que se lo digan a Chinos o a Cubanos.

Títulos como Calle Mayor, Bienvenido Mr. Marshall, El Verdugo, Muerte de un Ciclista, Plácido, Los jueves Milagro, El mundo sigue... cine que mostraba lo mejor y lo peor de los españoles. La personalidad, la aptitud, la picaresca, la envidia. Todo reflejado de un modo fidedigno, simple y magistral. Pero en España no se hizo cine durante el régimen, ¡no!

En los próximos días, y con el tiempo que disponga, me gustaría hacer un repaso de algunas de las mejores películas clásicas del cine español con mensajes claros y desgarradores, más propios del Neo Realismo italiano que otra cosa. Comenzaré con Calle Mayor de Juan Antonio Bardem, tío del que se trabaja actualmente a la Pene.

Os espero, sobretodo, para que dejéis vuestras impresiones y opiniones. Me gustaría que esto fuera algo comunitario, algo que pudiésemos construir entre todos.



@solocineclasico

domingo, 4 de abril de 2010

Películas - Años 60: La Gran Evasión (1962)

THE GREAT ESCAPE (8,5/10)


Nos encontramos en plena segunda guerra mundial y en el corazón de Alemania nazi. Un nuevo campo de prisioneros abre sus puertas, el Stalag Luft III, donde los principales oficiales y suboficiales de aviación británicos y americanos ver cercenados su libertad. Pero quizás el detalle más interesante de este campo sea lo que lo distinga del resto de campos de prisioneros, es el mejor. Es un campo diseñado expresamente para evitar fugas y evasiones, por lo que reciben a los soldados aliados con mayor historial de fugas. Pero estos, no pierden el tiempo, por lo que, haciendo honor a su más que sonada reputación, comienza la realización de tres túneles para fugar a más de doscientos prisioneros. Todo esta planeado al detalle, uniformes, visados, horarios de tren, mapas de carretera...

¿Será posible tal acción?, ¿hasta que punto puede la inventiva del ser humano serle de ayuda cuando se le priva de la libertad? Tendréis que juzgarlo vosotros mismos viendo The Great Escape, basado en hechos reales e hito de las cintas bélicas que abarca el cine clásico. Con un espectacular reparto encabezado por un inolvidable Steve McQueen en el papel de Hilts, perdón, Capitán Hilts, aviador norteamericano experto en fugarse de cualquier tipo de campo aunque poco más...
En ese mismo campo coincidirán casi toda la Organización X, un gran grupo de soldados aliados con experiencia en fugas. El jefe de dicho grupo es el comandante Roger Barlett (Richard Attenborough), el cual orquesta el plan en busca de organizar un nuevo frente en la propia Alemania para así combatir a los propios nazis y provocar un gran alboroto.

El resto del reparto está formado por estrellas como James Garner, Charles Bronson, Donald Pleasence, David McCallum y James Coburn entre otros.
John Sturges, su director, es el autentico Gran X de esta película al orquestar casi tres intensas horas de cine plus sin decaer en casi nada. Al igual que puede ocurrir en 12 Angry Men, el espectador acaba sintiendo la angustia y la agonía de verse encerrado en el campo de prisioneros y ansía respirar libertad junto a los actores. Los últimos tres cuartos de hora de la película casi no tienen nada que ver con lo anterior visto, pero son lo mejor de la película junto a las asfixiantes escenas de construcción de los túneles, "Tom", "Dick" y "Harry".

Espectacular también la banda sonora por parte de Elmer Bernstein y el tema principal de la misma.


Os apunto un par de curiosidades:
Se estreno el 4 de Julio de 1963 en Estados Unidos.
Steve McQueen gano el premio a Mejor Actor en el Festival de Moscú de la Unión Sovietica.
Aquí os dejo una página en inglés de la auténtica fuga.

Aquí os dejo el trailer:

sábado, 6 de marzo de 2010

Películas - Principios de Siglo: Alicia en el País de las Maravillas (1903)

ALICE IN WONDERLAND (10/10)



El estreno de la nueva cinta de Tim Burton está próximo. No es más ni menos que la adaptación y nueva versión del clásico de Lewis Carroll, Alicia en el País de las Maravillas.
Disney hizo su propia versión la cual hoy en día es considerada un clásico, pero los chicos de La Palomita Mecánica encontraron el otro día este vídeo en YouTube en lo que es la primera adaptación del clásico 37 años después de que se publicara la historia. Puro cine mudo de principios de siglo, para ser más específicos de 1903.




Como curiosidad resaltar que la película ya cuenta con alguno de los efectos visuales más punteros de la época, como la escena en la que Alicia aumenta y disminuye de tamaño o la escena del gato (muy graciosa por cierto, se ve que el gato tenía pocas ganas de colaborar). La cinta guarda cierta calidad de los fotogramas, aunque se ve que algunos están bastante deteriorados, pero es normal. Tienen 107 años!

jueves, 4 de marzo de 2010

Películas - Años 20: Amanecer (1927)


SUNRISE: A SONG OF TWO HUMANS (10/10)


Tal como comentaba ayer mismo, en la primera ceremonia de los Oscars hubo dos secciones referentes a Mejor Película; Mejor Producción y Mejor Calidad Artística. Amanecer ganó este segundo, siendo Alas la que se considera la primera película en ganar el Oscar. Pero si buscamos en las listas de mejores películas de la historia encontraremos Sunrise, porque de hecho, es una de ellas. Podrá ser Alas la que "oficialmente" ganó el principal Oscar, pero creo que eso nunca ha sido considerado como referente para elegir la mejor película de un año.

Amanecer es en mi opinión la gran primera obra maestra del género romántico de la historia del cine. Existía dicho género anteriormente, pero hasta ese momento ninguna había alcanzado tal grado de realismo, emotividad, sentido, poder, fuerza. Es una auténtica joya de la que ya podrían aprender muchos hoy en día.

La acción transcurre en Estados Unidos, comenzando en un pequeño pueblo con la llegada de una forastera, proveniente de la ciudad. En el pueblo conoce a un campesino casado que se enamora de ella (George O´Brien). La mujer de ciudad convence a este para que acabe con su mujer (Janet Geynor) para que ambos puedan escaparse a la ciudad. El hombre decide llevar a cabo el plan aunque en un estado de semi-consciencia. Los remordimientos comienzan a aflorar en él, ya que la mujer se le presenta como algo novedoso, algo fuera de lugar en su tranquilo habito; algo salvaje y poco común por lo que se siente realmente atraído. Siendo su mujer todo lo contrario, aunque no puede evitar sentirse mal, ya que su mujer es... su mujer, de la que una vez estuvo enamorado y de la que puede volver a estarlo. La mujer de ciudad representa la sofisticación, el progreso y la malicia que a todo esto acompaña, mientras que su mujer es un claro reflejo de la vida rural aunque con obvias muestra de pureza y bondad.
La mujer de ciudad llega a poseer al hombre de un modo anti-natural, haciendo que este descuide sus propias tareas y se convierta en un extraño para sus más allegados. Murnau lo reflejo de un modo excelente en este empalme de fotogramas:


Confundido y angustiado, el hombre sugiere a su mujer pasar un día tranquilo e íntimo los dos solos en el lago. La mujer, preocupada por el comportamiento de su marido, se emociona por este cambio de actitud en él y acepta alegre y motivada la sugerencia. Una vez en mitad de este, intenta asesinarla y que parezca un accidente, pero llegado el momento se ve incapaz de hacerlo y vuelve remando a la orilla. La mujer aterrada huye a la ciudad con el marido detrás implorando su perdón. Ya en la ciudad la pareja poco a poco se tranquiliza y mediante una serie de sucesos vuelve a surgir el amor entre ellos de un modo bello y real. El final es de los mejores y más emotivos que nunca he visto.



La historia no presenta las típicas gilipolleces que aparecen hoy en día en las películas románticas que ha hecho de ese género uno de los más infravalorados de la actualidad, no. Presenta a dos personajes, reales. Con lo que podemos llegar a identificarnos en más de un aspecto o ver en ellos a conocidos. Vemos como el amor que había entre ellos no había desaparecido, simplemente estaba dormido o apagado, como suele suceder en todos los noviazgos o matrimonios. La rutina adormece ese sentimiento que se traduce en apatía, y algo nuevo, algo fuera de lo normal puede despertarlo. En este caso, el hombre siente apatía por su estilo de vida, su mujer, su pueblo; la chica de ciudad despierta en él lo poco de vida que le quedaba, pero con esa chispa encendida es capaz de comprender que realmente ama su mujer, que la quiere por encima de todo.

Dirigida por el F. W. Murnau, director alemán de clásicos como Nosferatu o Fausto, es con Sunrise con la que firma su Obra Maestra. El guión es de Carl Mayer, colaborador habitual de Murnau. La cinta, además de ese Oscar a "Mejor Película", otorgado a Murnau, ganó el Oscar a Mejor Actriz para Janet Geynor, y Mejor Fotografía.

Aquí podéis ver la Película Completa:


@solocineclasico

miércoles, 3 de marzo de 2010

Películas - Años 20: Alas (1927)


WINGS (9/10)



Todos los años ocurre igual. Sobre estas fechas todo el mundo se pone como histérico (bueno, puede que hace unos años...) con la carrera de los Oscars. Que si promedios por aquí, que si estadísticas por allá. Que si en el año tal, ganó esta película contra todo pronóstico y ahora equivale a una posibilidad de que esta... Estamos acostumbramos a leerlo todo esto en Internet o en revistas especializadas, etc... pero que lleguemos a algún tipo de conclusión como estas por nuestra cuenta a raíz de nuestro propio conocimiento ya es más inusual.


El que ustedes no sepan alguno de los datos más significativos de la carrera de los Oscars, o no recuerden quien ganó el Oscar a Mejor Actor de reparto en 1944 no es motivo de preocupación (lo que hacía falta...), pero ya que estamos, y a unos pocos días de la próxima entrega de los Oscars del 2009, ¿por qué no conocer alguna de las películas que han ganado la preciada estatuilla?, ¿y ya puesto, por qué no empezar por la primera que tuvo dicho honor?

Dos jóvenes americanos (Charles "Buddy" Rogers y Richard Arlen) enfrentados por el amor de la misma chica (Jobyna Ralston) deciden alistarse juntos para combatir en la Primera Guerra Mundial como pilotos. Aunque ella está enamorada de uno de ellos, ninguno de los dos lo sabe; al igual que el que cuyo amor no es correspondido por la chica, si lo es secretamente por una de su mismo barrio (Clara Bow) que decide alistarse también como voluntaria para hacer trabajos humanitarios en el frente, en cierto modo para saber que su enamorado se encuentra bien. La película contiene una de las más impactantes escenas bélicas del cine clásico, la de Saint-Muhiel, decisiva en la guerra.

Este es el argumento de Wings, traducido como Alas; un drama bélico de la Gran Guerra que fue la primera cinta en ganar el Oscar a Mejor Película, además de otro Oscar por los Mejores Efectos de Ingeniería (los efectos especiales de la época). Aunque quizás deberíamos especificar un poco, ya que aunque ganó el Oscar a Mejor Película, también lo ganó Sunrise: A Song of Two Humans, aunque en una categoría distinta. Wings ganó el Oscar a película más sobresaliente, más excelente..., Sunrise ganó el Oscar a película de mayor calidad artística. ¿Cuál podríamos considerar la actual Mejor Película? En realidad Wings es considerada como tal, y en opinión del que suscribe, dicha categoría es la que más se asemeja a la actual Mejor Película. Aunque para mi, la película de Murnau, es muchísimo mejor película que la cinta de Clara Bow, pero de ella ya hablaremos proximamente.



P.D.: Fue el genial Charles Coburn quien ganó el Oscar a Mejor Actor Secundario en 1944 por The More the Merrier, por si os alguno se picaba ; )
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