martes, 30 de junio de 2009

Películas- Años 30: Sombrero de copa (1935)


TOP HAT (7/10)

Cuando uno piensa en musicales del cine clásico es imposible que no salten a la luz el nombre de Fred Astaire y Ginger Rogers, una pareja que supo cómo generar una química inigualable a la hora de bailar y que no en vano tuvo más de 10 títulos en su haber. Sombrero de copa, dirigida por Mark Sandrich y basada en una obra de teatro, The Girl Who Dared, escrita por Alexander Farago y Aladar Laszlo fue el primer film guionado específicamente para la pareja como protagonista.
Esta comedia musical, lujosa, exuberante en escenarios y vestuario, tiene un porqué: la gran Depresión. Desempleo, crisis económica, el film era una mirada disfrazadamente ácida sobre la clase alta norteamericana de entonces a quien se le echaba mayor culpa de esta situación económica. Los clubs exclusivos, los hoteles lujosos, la posibilidad de viajes al exterior, los grandes números musicales de entonces, no faltan en una película que argumentalmente no cuenta más que lo que contaban por lo general todas las comedias de la época: Dale (Ginger Rogers) es una joven soltera que tiene tratos comerciales con un exclusivo diseñador de la época, alojada en uno de los mejores hoteles de Londres conoce casi por casualidad a Jerry Travers (Fred Astaire), un bailarín que dará una función especial en el hotel producida por su amigo Horace Hardwick (Edward E. Horton). Con una intrincada confusión de identidades, la comedia romántica abordará un cruce de equivocaciones cuyo deleite real no es otro que las actuaciones de los personajes, sobretodo los del mayordomo Bates (Eric Blore) y el diseñador Alberto Beddini (Erik Rhodes).
Si ha de disfrutarse algo en este film es desde ya dos de los bailes más consagratorios y fascinantes de esta pareja: Isn't This a Lovely Day? y Cheek to Cheek, ambos temas compuestos por Irving Berlin quien se transformaría no solo en un invalorable amigo de Astaire sino en su mano derecha para la composición de los Films posteriores del artista. Tanto éxito tuvo el film que recaudó una suma de dinero tal que ayudó a la RKO a salir de una inminente bancarrota. Los escenarios, los más grandes construidos hasta entonces en esa productora, son de un impacto visual tremendo, con un lujo de detalle inimaginable para la época. El set montado de los canales venecianos, por ejemplo, abarcaba más de la longitud normal de una calle (300 pies o 100 metros) y las aguas fueron específicamente teñidas de negro para contrastar con el blanco restante de todo el montaje.
En cuanto a premiaciones, fue nominada a 4 Oscars ese año sin llevarse finalmente ninguno, pero considerando el éxito y la recaudación no pareció importarle a la RKO en absoluto. Merecidísimo hubiese sido aunque sea al de mejor tema musical que tanto fue emulado en Films posteriores; por ejemplo en “Milagros inesperados” cuando el pobre convicto pide como último deseo antes de su ejecución ver un film pues nunca había estado en un cine.
Sombrero de copa, es de por sí, el film más taquillero de la época; pero también el más valorado a la hora de recordar a Astaire y Rogers contando y bailando. Ambas coreografías, antes nombradas, son de una perfección singular, filmadas de una sola toma como siempre exigía Fred Astaire, encargado del planeamiento de las mismas y de una calidad desbordante para transmitir ese amor a la danza. Y pensar que la RKO en el primer casting del actor reportó: “ no sabe cantar, no sabe actuar, algo baila”.
@solocineclasico

Películas - Años 40: La sombra de una duda (1943)


SHADOW OF A DOUBT (9,5/10)


Recomendacion: Si no has visto el film solo leer los primeros parrafos para saber un poco el argumente, que trata el film y saber algunas opiniones personales de criticos de cine y mi opinion personal. Apartir de los primeros parrafos hay muchisimos Spoilers. La nota subjetiva se encuentra al final de análisis del film.
La sombra de una duda (1943), tanto en su estreno como hoy en día, es una obra maestra del suspense y misterio. El film americano numero 6 de Hitchcock, en opinión de este servidor es una de las películas de suspense más interesantes del maestro de este género. Con el talento del maestro ya subrayado, es uno de los filmes clave en el desarrollo del terror Psicológico con el que alcanzaría la perfección en Psicosis. Pero ante todo es la película preferida de Hitchcock. Solo por ese dato ya merece la pena ver el film. Nominada al Oscar a mejor guion en 1943, aunque en el año de Casablanca poco puedes hacer.
Narra la historia de un asesino en serie de mujeres, con las que previamente se había casado o mantenido una relación sentimental. Fue un problema propio que empezó en los años 40 y todavía no ha acabado (Unos años más tarde cineastas como Chaplin tratarían también el tema a su manera).
Sólidas actuaciones principales, aunque por encima de todo muy creíbles e identificables. Actualmente solo en los filmes de Eastwood podemos apreciar esa simpleza interpretativa en todo el reparto, principal, secundario o extra.
En la pequeña ciudad de Santa Rosa (California), la vida ciudadana se desarrolla agradable y sin mucho que comentar. La vida ciudadana esta descrita con tanta precisión y detalle que parece que los actores son personas normales y el film parece que no esta rodado en un estudio normal, sino en esa misma ciudad, grabando la vida naturalmente. A decir verdad es la primera película de Hitchcock en rodar en localizaciones. Este rasgo es muy propio de los filmes de Hitchcock y mas tarde, alcanzaría la perfección en filmes como La ventana indiscreta. El día a día en este lugar transcurre sin que nunca suceda nada. Dando la impresión de que eso nunca cambiara.
Precisamente esa sensación de inmovilidad provoca desasosiego en la joven Charlie Newton (Teresa Wright, la loba). La joven sueña con un mundo más emocionante, visitar lugares inolvidables y apreciar la vida más que sus antepasados. Pero al mismo tiempo sus padres aman esa vida tranquila.

La joven tiene como ídolo a su tío Charlie (Joseph Cotten, actor que pasara a la historia por su interpretación en el tercer hombre). Es elegante, sabio y viaja por todo el mundo por su desconocido trabajo. Es muy rico. Su tío decide visitar a la familia sospechosamente. La joven en primer lugar cree que sus vidas se han reunido por una fuerza misteriosa que los une como familia, lo describe como una unión telepática entre ambos, ya que se llaman igual (En los planos principales, la presentación de los personajes, Hitchcock ya zanja ese asunto). Cree que su tío es la clave de la felicidad de su familia.
Durante esa primera parte Hitchcock aprovecha para añadir poco a poco el suspense y misterio. Por que ha decidido el tío Charlie visitar a la familia de repente? Que es lo que le tiene tan ocupado? Pero añada muchos rasgos personales (Algo que no hace muy a menudo) La situación del director era trágica durante la Segunda Guerra Mundial. Su madre murió durante la escritura del guión, y como el autor fue llamado al frente antes de acabar le guión, Hitchcock en persona lo termino (Otra cosa que no suele hacer muy a menudo) Además durante ese tiempo llegaban noticias diarias de desapariciones de amigos o conocidos. Por ello en esta película más que en ninguna otra, el maestro del suspense trasmite una sensación de encanto y palabras y imágenes familiares que conmueven al espectador. Esa primera parte esta plagada de rasgos que unen la familia en las situaciones más difíciles de la vida. Entre ellos pondré el ejemplo de cuando la madre describe un accidente de la niñez del tio Charlie, que cambio su comportamiento para siempre. Ya presenta lo engañosas que son en muchas ocasiones las apariencias.
Mientras se desarrolla el film, el espectador apreciara el humor negro que caracteriza a Hitchcock (Un humor muy parecido al de los Coen) Se demuestra en las conversaciones que tienen el padre y un amigo suyo o un vecino, que hablan constantemente de cómo se matarían uno a otro, un crimen perfecto. Los aficionados del maestro encontraran otro capitulo de la realización del crimen perfecto imposible, el tema por excelencia de Hitchcock tanto filmes posteriores como La soga o Extraños en un tren, tanto en filmes anteriores como Alarma en el expreso.
"Donde esta el asesino de la viuda alegre" comentan unos vecinos
Pero todo cambiara con la llegada de unos investigadores del gobierno, haciéndose pasar por unos simples entrevistadores realizando una encuesta. Esa segunda parte del film, se convierte en la canalizacion de la primera. El tío Charlie cada vez se comporta de una forma más sospechosa. Hay muchas escenas clave que exponen pistas sobre el asesino que de verdad es: Un anillo que llega gradadas unas iniciales, comentarios durante la cena, o arrancar una pagina de periódico… Pero la mayor pista de todas se encuentra en una simple cena familiar, donde la familia comenta la música de "la viuda alegre". Hitchcock quiere que el espectador no tarde en averiguar que él es el asesino y expone una pregunta clave en su filmografía: Que harías en esa situación ? El centro de la película no tarde en ser que la joven Charlie aceptando la verdad sobre su tío.
El investigador invita a salir al joven Charlie y no tardan en enamorarse. La maestría de Hitchock se aprecia en dos segundos. En uno de ellos ambos están riéndose y pasándolo en grande, en el segundo estas discutiendo. La película se cumple en un Thriller psicológico, en el que una joven tiene que decidir entre aceptar la verdad sobre su ídolo, contárselo a su familia que pasa por una etapa de felicidad por la llegado del hombre (Sobretodo la madre, hermana del tío Charlie), o contárselo al hombre del que se esta enamorando, pero investigador del caso. Es una situación muy dura para la mujer y no vuelve a mirar a la cara a su tío como antes. Este no tarda en notar la diferencia, y ese tío tan encantador empieza a darnos cada vez más miedo su mera presencia. Poniéndonos otra pregunta a contestar: Será capaz de matar a su propia sobrina? Se considera tan superior para hacer ese acto inhumano?

El film te mantiene al borde del asiento durante toda la película. Y a pesar de saber la verdad, te mantiene con un constante suspense. Hitchcock juega con el espectador. Actualmente solo Christopher Nolan es capaz de jugar con el espectador de esa manera.
"Somos viejos amigos Charlie. Mas que eso. Somos como hermanos gemelos. Tu misma lo dijiste... Crees que sabes algo ¿No? Hay tanto que tu no sabes, tanto! Eres tan solo una vulgar chica pequeña, viviendo en una vulgar ciudad pequeña. Viven en un sueño, eres una sonámbula ciega. ¿Como sabes como es el mundo? ¿Sabes que el mundo es una asquerosa pocilga? ¿Sabes que si pudieras arrancar las fachadas de las casas descubrirías solo cerdos? El mundo es un infierno! ¿Que importa lo que ocurra en el? "
La superioridad del tío Charlie hacia los demás se muestra en esas pocas palabras. Matar es ser superior. Matar no tiene nada el malo, el mundo esta podrido. A ratos Hitchcock presenta una visión muy pesimista de la sociedad, en las que con caracterizaciones siendo sobrenaturales, te duele oír lo que oyes y ver lo que ves.

Charlie se propone hacer que su tío se vaya de la ciudad antes de que hunda la reputación de la familia. Si le atrapan que no sea cerca de su ciudad de origen. Sus miradas de advertencia hacia la muchacha pasan a ser advertencias con daño físico, hasta ser casi mortal. Todo sucumbe como es habitual en uno de los finales más inolvidables de la historia. El tío Charlie decide irse pero antes intenta un ultimo intento de asesinato a su sobrina. Pero el azar y la valentía de la mujer hacen que sea su tío el que en una escena espectacular caiga del tren en marcha (Ya les gustaría a muchas películas de accion llegar al nivel de esa misma secuencia de hace mas de 60 años)
"El mundo no es tan malo como el pensaba. Pero a veces necesita ser muy vigilado. Parece volverse loco de vez en cuando. Como tu tío Charlie."
La bso es este film concuerda mucho, a pesar de no ser ni de lejos tan buena como las de Bernard Herrmann. Varios temas son muy influyentes en las obras maestras posteriores como Vertigo o El hombre que sabia demasiado. La fotografía sobresaliente, imagenes que nunca se olvidaran, muy superior a lo que se veía normalmente en esa epoca, aunque el maestro hizo mas tarde muchos progresos en este campo. En cuanto al montaje, es muy hábil y controla tu mente sin aburrirte, impactando y apuñalando al espectador, igual que en toda su filmografía. Todo se compone en producto sobresaliente. Muy propio de la buena media de Hitchcock.


Pero en resumidas cuentas, Shadow of a doubt es junto a Psicosis, una de esas raras películas en las que el personaje principal es el malo, y el publico tiene la opción de simpatizar con él. Saber porque mata, ver como se siente, saber sus opiniones... Probablemente porque nunca os imaginaríais a ese personaje matando a alguien. En palabras del maestro "Probablemente, ademas de un asesino idealista. Forman parte de esos asesinos que sienten en ellos una misión de destrucción. Puede que las viudas mereciesen lo que les ocurría, pero no era asunto suyo hacerlo. En la película, se plantea un juicio moral, ya que Cotten es descuido al final, aunque sea accidentalmente por su sobrina. Esto equivale a decir que no todos los malos son negros, ni todos los heroes son blancos. Hay grises por todas partes. El tio Charlie quería mucho a su sobrina, pero no tanto como le queria ella a el. " Un juego de suspense muy atractivo y poderoso, entretenido y sobrenatural. Hitchcock en estado puro, con ganas de jugar con espectadores de todos los gustos.

"Matamos a los que amamos"
Orson Welles

@solocineclasico

domingo, 28 de junio de 2009

Los Simpson en el Cine Clásico... Psicosis (Parte II)

Perdón por el retraso por actualizar el blog. Aqui os dejo la segunda entrega de los gags de Los Simpson sacados de Psicosis.







La próxima actualización puede que sea el sábado o el lunes, ya que el domingo me será imposible.

Saludos


P.D.: Si alguien sabe de algún homenaje y quiere comentarlo o que se publique que lo deje por escrito y lo subiros al blog.

domingo, 21 de junio de 2009

Los Simpson en el Cine Clásico... Psicosis (Parte I)

PSICOSIS/ RASCA, PICA Y MARGE (2x09)


Uno de las escenas más famosas de la historia del cine que ya recordábamos esta semana con el particular homaje que hizo la bella Marion Cotillard de la película de Hitchcock.



Aunque el video es genial, no puedo desaprovechar esta oportunidad para que compareis Psicosis con esta partícular escena de los Simpson, por lo que os dejo ambas imágenes para comparéis.
Aunque esta escena es la más famosa, no solo de la película, sino la principal en todos los homenajes que han hecho a este film en películas posteriores, ahi otros muchos gags de Psicosis que os dejare la semana que viene.



sábado, 20 de junio de 2009

Películas - Años 20: Avaricia (1924)


GREED (8/10)


El joven McTeague, hijo sin futuro de un minero brutal y alcohólico, abandona su miserable pueblo gracias a los esfuerzos de su madre y con el tiempo y mucho esfuerzo se convierte en un reputado dentista de San Francisco. Allí conoce a su mejor amigo, Marcus, que llega a ser para él como un hermano, y se casa con la bella y bondadosa Trina, que le presenta éste y que llega a ser la mujer de su vida. Sin embargo, la infelicidad va a caer sobre McTeague justo cuando su existencia parece encaminarse a la plenitud del amor y de la amistad. A Trina le toca la lotería y, de repente, cambia radicalmente su personalidad y se transforma en una mujer grotescamente avara que empieza a esconder su dinero de los ojos de su propio marido. McTeague se cansa entonces de trabajar mientras su esposa no suelta prenda y Marcus empieza a sentir una terrible envidia de la riqueza de sus dos amigos… La llegada del dinero va a destrozar para siempre las vidas de los tres y las va a precipitar en un pozo de avaricia sin fondo.

El actor y cineasta austríaco Erich Von Stroheim fue uno de los más grandes creadores del cine de su tiempo, creador maldito y siempre incomprendido al que la industria le obligó a retirarse de los rodajes tras la cámara y a sobrevivir únicamente como intérprete. Dio vida a muchos hombres malvados, sádicos, duros, intransigentes y brutales que le hicieron célebre, y se creó una oscura leyenda en torno a su persona que le ayudó a alcanzar una siniestra fama: se dijo que venía de una familia aristocrática y que fue poeta y teniente de dragones del Imperio Austro-Húngaro, y hasta que desayunaba una taza de sangre. Tras emigrar a los USA comenzó en el mundo del cine como actor en películas de Griffith, del que fue ayudante. Inconformista férreo y orgulloso, crítico incansable con la sociedad y con el sistema, luchador por evitar siempre cualquier tipo de concesión en su cine, irónico y a veces hasta descarado, hubo, como otros tantos, de combatir durante toda su carrera contra sus productores. Practicante de un naturalismo sucio, sórdido y tremendista casi aunque cargado de un romanticismo exacerbado, sus películas están llenas de violencia física y psíquica, de rabia salvaje, de crueldad, de sadismo, de miseria física y moral, de personajes destrozados o al borde de la locura y de crítica a menudo insmisericorde a la moral establecida. Erich Von Stroheim, que quería hacer en el séptimo arte lo que escritores como Zola o Maupassant hicieron en la novela, fue declarado persona “non grata” en el propio Hollywood, que masacró sin piedad casi todas sus películas durante el montaje. Sólo pudo dirigir nueve filmes en toda su vida, de los que destacan “Maridos ciegos”, “La ganzúa del Diablo”, el drama sobre la primera posguerra europea “Esposas frívolas”, la comentada y terrible “Avaricia”, la sátira de la aristocracia austríaca “La viuda alegre” (cuyo rodaje fue suspendido y el filme montado por el gran Joseph Von Sternberg) o “La Reina Kelly”, que hubo de terminar y montar la propia Gloria Swanson, su protagonista. La influencia naturalista y brutal de Erich Von Stroheim fue decisiva en muchísimos autores posteriores a él, que reivindicaron con fuerza su incomprendida y despreciada figura, condenada únicamente a ejercer de intérprete para el resto de su vida. Le vimos en grandes películas como “La gran ilusión” o “El crepúsculo de los dioses”. Él, de todas formas, lo que quería era dirigir, pero la industria consiguió hastiarle hasta límites insospechados. Otra carrera que Hollywood destrozó.


Basándose en la novela “McTeague” de Frank Norris rodó Erich Von Stroheim su obra maestra y una de las grandes películas de la historia del cine: “Avaricia”. Ya la nombrada novela había tenido problemas con la Liga de la Defensa de la Moral Norteamericana en el año de su publicación, 1899. Era una historia cruda sobre la locura humana protagonizada por personajes vulgares y de la moral más baja. Era, en definitiva, perfecta para lo que Stroheim quería mostrar en su película: el triunfo del naturalismo en toda su triste desmesura, visceralidad y patetismo. Rodada toda ella en escenarios completamente naturales (desde la verdadera y mítica San Francisco de los años veinte hasta el mismo Desierto de la Muerte, en donde hubo que envolver las cámaras en toallas heladas ante las temperaturas de 50 grados), ”Avaricia”, a pesar de los problemas que tuvo en su momento, fue considerada una de las grandes obras maestras de la historia séptimo arte. Era toda una lección de cine: fue la primera película de la historia rodada enteramente en exteriores, sus interiores tenían techo y cuatro paredes para dotar a la luz completamente natural de plena capacidad para producir nuevas y sugerentes sensaciones, utilizó unos movimientos de cámara completamente innovadores y muy difíciles de lograr hasta el momento, el oro (motor de la trama del filme) fue coloreado por Stroheim en tonos dorados para darle más énfasis y sus actores realizaron tremendos esfuerzos(como vivir en los mismos escenarios de la trama para habituarse al ambiente) que les llevaron más allá de la simple interpretación en su afán de obtener el más descarnado realismo, por lo que el rodaje llegó a ser para ellos un auténtico calvario. Pero no sólo destacaba “Avaricia” por su aspecto técnico: fue además uno de los dramas más desgarradores de su tiempo, estudio minucioso sobre la codicia humana y disección morbosa de la perdición de hombres buenos por culpa del dinero y, además, fuente de numerosos escándalos, como la citada novela en la que se basa. En el filme, violento, pesimista y desencantado, existe hasta una escena de sexo conscientemente mal sugerida, la cual para el momento histórico era imperdonable mostrar en una película. “Avaricia” fue muy mal recibida por la sociedad norteamericana y hasta por la europea. Fue considerada una cinta inmoral y perversa. Stroheim se había cavado su propia tumba con esta obra maestra. No fueron estos sus únicos problemas: los 100.000 metros rodados durante dos años completos de casi nueve horas de película (sí, nueve horas de metraje original) quedaron reducidos a la duración de una historia comercial convencional de 100 minutos (en 1999 por suerte se pudo recuperar el actual montaje, de 4 horas). Erich Von Stroheim, después de eternas discusiones con los productores, terminó llorando de rabia y renegando de aquel horrible montaje final.
Hoy nos faltan palabras para alabar todas las maravillas de su obra estrella. En “Avaricia” encontramos rasgos surrealistas, simbolistas, expresionistas, realistas, casi fellinianos, impresionistas, momentos que vimos posteriormente en “Ciudadano Kane”… Billy Wilder ya se lo dijo a Stroheim: “Su problema fue el de adelantarse diez años a su tiempo”. Él le respondió lo que todos ya sabemos: “Veinte años, veinte”.


Un artículo de Cinemagnificus

viernes, 19 de junio de 2009

Películas - Años 50: Candilejas (1952)


LIMELIGHT 10/10


"Puede usted leer mis memorias en el archivo de la policía"

Redna, el administrador de 7 arte blogpost se une a solo cine clásico para comentar las mejores películas clásicas de la historia, junto con grandes compañeros y compañeras de grandes blogs.
"El hambre no tiene conciencia"

Año 1952 después de Cristo. Chaplin era el director más influyente en la historia del cine, tanto mudo como hablado. Había tratado criticas muy duras a la sociedad con humor para todos los públicos (El gran dictador, Tiempos modernos, El chico) y otras con humor negro (Monsieur Verdoux) Otras dentro de esa especie de burla a la sociedad, tenían tanto poder poético, que son solo mostrarnos unos fotogramas era capaz de conmovernos mas que ningún otro director, antes o después. Ejemplo de ello es Luces en la ciudad, la mejor comedia romántica de la historia. Todas esas películas a pesar de sus diferencias, tenían muchas similitudes. En todas ellas aparece Chaplin como protagonista. Además el director y actor componía sus bandas sonoras personalmente, y actualmente, todas esas bso son legendarias.


Candilejas se encuentra sin duda entre sus mejores trabajos musicales por la que ganó su único Oscars a excepción del honorífico, cuando América se dió cuenta de su error. La música, de Chaplin, aporta una partitura original con un tema central, lírico y melancólico, de gran fuerza.
Es muy triste pensar que el público de Estados Unidos, después de la Segunda Guerra Mundial le tratara tan mal a este director. El cine hablado le había jugado una mala pasada, y de la misma manera que en la época muda encanto a los espectadores y la crítica, durante los años cuarenta empezó su cuesta abajo hacia la pobreza. Todos empezaron a odiar a Chaplin de la misma manera que en los años 20 le amaron. Fue muy duro para este personaje del cine pasar por esa situación. Esa dramática situación lo obligo a tener que refugiarse en Europa, el continente del que años atrás se había tenido que ir y buscarse la vida en el nuevo continente. Ese continente le acabo tratando mal.
“El público, esa muchedumbre, ese monstruo sin cabeza.”

Candilejas (1952) es una historia con la que podemos identificar a Chaplin mostrándonos su perdón, su pesar y ofreciendo sus lecciones a la nueva sangre. Es uno de sus filmes menos conocidos, ya que en Estados Unidos, su anterior película fue censurada. Pero muchos la sitúan entre sus mejores películas por su sensibilidad, y el amor que desprende a la vida, al arte y a las promesas que se encuentran solas en un mundo decadente. Es la última película que produjo en Estados Unidos, ya que la situación en la que estaba le motivo a hacer el film, como ultima leccion a los americanos. Uno de los meritos de Chaplin es que tiene muy claro de lo que quiere hablar en sus peliculas detras de ese humor que le caracteriza, muy propio del cine mudo.
El film nos sitúa en Londres durante la Primera Guerra Mundial. Un veterano cómico de teatro llamado Calvero (Charles Chaplin), en plena decadencia y alcohólico, acoge en su casa a una joven atormentada a la que salva cuando ésta se va a suicidar, intoxicada con gas. Tras ese accidente la joven cree estar paralítica, sin ganas de vivir en un mundo sin futuro, ya que ha fracasado en su gran sueño de ser bailarina. Dedica su tiempo a enseñar a la joven bailarina su experiencia y su filosofía de la vida.
El cómico intentará que la joven Thereza (Claire Bloom) vuelva a caminar y recupere su afición por la danza. Juntos consiguen que Terry, como la llaman los pocos allegados que le quedan, triunfe en el ballet unos pocos años después, pero Calvero siente que su tiempo ya ha pasado, como queda patente al ser rechazado por el público en su regreso a los escenarios. Ahora será la joven la que tendrá que darle ganas de vivir.
Como veis el argumento es muy parecido a su situación en Estados Unidos, ya que esta lleno de notas autobiográficas del maestro. En plena madurez vital y artística, Chaplin firma otra grandísima película. Es increíble como nos hace pasar de la sonrisa a la melancolía, de la carcajada a la tristeza. Como nos hace pensar, recordar y amar el arte humano de vivir para entretener. Su guion es muy hábil y sincero, lleno de frases inolvidables que apuñalaran el corazón del espectador, haciendo soltar mas de una lagrima hasta el mas duro.
Maravillosos momentos y diálogos, en los que por cada carcajada hay una lagrima. Se nota mas que en ninguna otra película de su filmografía, que Chaplin fue una persona sencilla y de gran corazón, y que amo por encima de todo la vida de cualquiera. Porque cuando una historia sale de adentro, es cuando se impacta en el cine con una huella imborrable en su historia. Porque pocas películas dan una lección de humanidad tan completa como Candilejas. De hacer una historia sin decir a nadie el porque. Cada segundo es para el espectador un momento de reflexión y nostalgia. Charles Chaplin es único en crear una felicidad desde el inicio hasta el fin. Un sentimiento universal. Hasta en una drama tan mayúsculo como este no pude dejar de sonreír, entre lagrima y risa. Porque tiene ese don, el don de transmitir esa felicidad, incluso aunque no quieras ser partícipe de ella.
"Esto es lo que somos todos: amaters. No vivimos lo suficiente para llegar a ser otra cosa. "
Es en otras palabras, un testamento a toda una vida. Una conjuncion de sabiduria recojida durante toda su filmografia, muy parecido a lo que Kurosawa hizo con Ran (1985)La fotografía, de Karl Struss ("El gran dictador", 1940), en B/N, desarrolla un notable trabajo de cámara, con abundantes primeros planos, planos picados a gran altura, giros, movimientos de grúa y elocuentes travellings, demuestran mas que nunca la brillanted y la sabiduria de Chaplin ante el cine detras de las camaras. Con esta actucion vuelve a demostrar que es un gran actor y se nota que se forjo en el teatro. Era tambien un artista delante de las camaras. Recordemos la actuacion de el gran dictado, por la que fue nominado al oscar.
Con que adjetivos se puede describir el film? Brillante, emocionante, melodramarica, grandisima, obra de arte, melancolica, imprescindible, crepuescular, sobresaliente, impactante, sobrenatural, sincera...

"Lo peor en usted es que se niega a luchar, se da por vencida, no hace más que pensar en la enfermedad y en la muerte. Pero existe algo tan inevitable como la muerte y es ¡la vida!"

Si todas esas razones os parecen pocas para visionar el film, tanto pot primera vez si no habías oído nunca hablar de el como si quieres darle otro visionado, os diré que la escena final de 10 minutos es inolvidable. Una de las mejores escenas de la historia. En ella Chaplin invita a su rival en la taquilla Buster Keaton, que sufría una decadencia muy similar a la de Chaplin con la entrada del sonido. Pues me atrevo a decir que esos planos que comparten ambos están entre los mejores de la historia. Unos planos con los que los aficionados de Keaton améis a Chaplin y con los que los aficionados a Chaplin améis a Keaton. Después de ver esa escena no os atreveréis a decir si uno es mejor que otro. Solo por ver esos planos ya merece ver el film.
Para aquellos que quieran echarle un vistazo a esa escena os la dejo AQUÍ:
¿Hay algo más elocuente que el silencio? Pues bueno a aquellos que no habéis visto el film os recomiendo mejor que veáis el film completo antes de ver esta escena.
Bellísimo final. Bellísimo punto y final a su carrera en Estados Unidos.
Chaplin fue expulsado de malas maneras de Estados Unidos después del estreno de Candilejas. Dicen que lo último que vio del país de la libertad fue la estatua de la libertad, desde la parte de atrás del barco que le llevaba de "visita" a su Inglaterra natal. Fue el momento que se daría cuenta de que nunca mas la volvería a ver.

Oscar para Chaplin en 1972, uno de mis momentos oscar favoritos.



Un oscar que tardo en llegar. Tenía 83 años cuando se lo concedieron. Pero siempre serás uno de los mejores directores de la historia del cine.

-¿No odiabas el teatro?
- También odio la sangre, sin embargo corre por mis venas.

Chaplin, creo que ahora mas que nunca estas en la historia del cine. Eres inmortal en nuestros corazones.

Vive y se feliz. Aunque muchas veces sea tan difícil.

“La vida puede ser maravillosa si no la tienes miedo”

Podéis ver la película online:


@solocineclasico

jueves, 18 de junio de 2009

Películas - Años 50: Eva al desnudo (1950)


ALL ABOUT EVE (9,5/10)



No fue hasta la llegada de Titanic en 1997 cuando una película obtuvo de nuevo la cifra de 14 nominaciones en los Oscars. 14 nominaciones, se dice pronto. Pero hemos dicho de nuevo. ¿Qué película poseía el record de mayor numero de nominaciones de la historia?

Esa no era nada más ni nada menos que All about Eve (Eva al Desnudo o La Malvada), película de 1950 con la gran Bette Davis y una joven, aunque ya por entonces importante, Anne Baxter. La película alcanzó la friolera cifra de 14 nominaciones, un record que no se volvería a ver hasta 47 años después. ¿Pero como llegó a ser candidata de tantas nominaciones?
La película cuenta la historia de Margo Channing (Bette Davis), considerada como la mejor actriz de todo Broadway y de como conoció a Eva, una preciosa, dulce e inocente joven que la idolatra no como a otra mortal cualquiera, sino como a un ser superior. Eva no tiene nada ni a nadie en New York, por lo que Margo le da trabajo para que sea una de sus asistentas, algo que Eva acepta encantada. El caso es que ella es demasiado perfecta para Margo, molestandole especialmente lo maravillosa que todos la encuentran.
E aquí donde arranca lo bueno. Asistimos al típico pique de mujeres entre Margo y Eva. La primera ve eso que siempre ven las mujeres y que pocos hombres son capaces de notar, ver sus intenciones. Margo comienza a creer que Eva quiere robarle su vida de "grande del teatro", por lo que empieza a comportase desquiciadamente ante los ojos del resto de sus amigos que solo ven a una bella y gran chica acusada de ser nada menos que una "trepa" o una "fresca" como queráis.
No os digo más de la película, teneís que verla. El desenlace es mágnifico.
La idea surgió a partir de la propia experiencia de una actriz llamada Elisabeth Bergner, la cual vivió algo muy parecido a lo que cuenta la película. Bergner contó lo ocurrido a su amiga Mary Orr, la cual escribió la historia cambiando en parte el final.
Joseph L. Mankiewicz, el director de la película, se hizo con la novela y comenzó a preparar la que sería la película de su vida. La historia no iba a tratar unicamente del teatro y Broadway, ya que eso queda relegado a un segundo plano, lo que la historia realmente quiere transmitir son los deseos y ambiciones que despiera la fama y fortuna a algunas personas llegando a realizar actos jamas pensados con tal de ver cumplido su ansiado sueño.
Para el papel de Margo Channing, la gran estrella del teatro de unos 40 años, se llegaron a rifar muchos nombres. Uno de ellos fue el de mi querida Claudette Colbert, que llegó incluso a firmar el contrato, pero una lesión de espalda impidió que se uniese al proyecto. Esta, junto a Lo que el viento se llevó, fue la mejor oportunidad que perdió.
Otra actrices que aspiraron al papel fueron Susan Hayward, Marlene Dietrich, Barbara Stanwyck y Gertrude Lawrence.


Ante los problemas que estaban teniendo para encontrar a una actriz, el productor, Darryl F. Zanuck contactó con Bette Davis, la cual al terminar de leer el guión, dijo que era el mejor que había leido en su vida.
Para encontrar a una joven actriz que hiciese el papel de Eva tuvieron menos problemas. Necesitaban a una actriz joven, con talento y además guapa. En principio quisieron contar con Jeanne Crain, pero esta se quedó embarazada, por lo que le dieron al papel a Anne Baxter, la cual acababa de ganar el Oscar a Mejor Actriz de Reparto por "El Filo de la Navaja"
La película cuenta también con la fugaz aparición de la futura diva del cine, Marilyn Monroe, la cual hace uno de sus primeros papeles de bella aspirante al mundo de la actuación, pero un poco tonta. Algo que vino haciendo el resto de su carrera, tanto en el cine como en la vida real creo yo.


Pero aqui viene el análisis de los Oscar a los que estuvo nominados y los que se llevó, espero un análisis en mayor profundidad de David Gil de aquel año en su página, que será más exacto que el mio.
A lo que vamos, que aquel año Eva al Desnudo se llevó 6 de los 14 oscars a los que estaba nominados, entre ellos los de mejor película, director y actor secundario para Geirge Sanders. Además, Bette Davis y Anne Baxter estuvieron nominadas a Mejor Actriz.
La otra película que estaba nominada aquel año fue la que inauguró este blog hace ya varias semanas, Sunset Boulevard (El Crepúsculo de los Dioses). Las dos eran las favoritas de aquel año, pero Eva al Desnudo ganó aquella noche, no porque fuese mejor, que no lo era ni lo es. Si ganó fue porque los académicos la entendieron. Nada más. Vieron algo más cercano que reconocían sin problema además de una gran película con buenas actuaciones. En cambio, el proyecto de Wilder era demasiado adelantado a su época y, creo yo, no lo comprendieron. Decidieron darle el Oscar a Guión Original y olvidarse de ella premiando a All about Eve en las principales categorias donde competían.

Creo que el Oscar más curioso aquella noche fue el de Mejor Actriz, al cual competian Anne Baxter y Bette Davis por Eva al Desnudo, y por otro lado la magnífica Gloria Swanson por El Crepúsculo de los Dioses. Las favoritas eran las dos últimas. Dos grandes actrices que interpretaban a otras dos legendarias actrices, nunca se había visto dos candidatas con semenjante nivel. Era como este año con Mickey Rourker y Sean Penn.

El Oscar a Mejor Actriz del año 1950 fue a parar a Judy Hollyday por Born Yesterday.

Sin comentarios...





Y ahora es cuando inauguro la primera encuesta del blog. Encuesta que solo podreís contestar si habeís visto tanto El Crepúsculo de los Dioses como Eva al Desnudo. Creo que la pregunta es intuible, ¿Cúal es mejor película?
Como la técnica de votar en las encuestas de los blogs no me parece muy segura la verdad, tendreís que dejar un comentario en este post diciendo cual os parece mejor.
En un mes cerraremos la encuesta y anunciaremos a la ganadora.
Obviamente solo se podrá votar una vez. Yo os lo dejo ahí, votad a la que creaís mejor. Mi voto va para El Crepúsculo de los Dioses, ¿y el vuestro?

miércoles, 17 de junio de 2009

Homenaje a Psicosis (Psyco)


Curioso a la par que hermoso homenaje de la bellísima Marion Cotillard a una de las obras cumbres de Hitchcock, Psicosis. En la famosa escena de la ducha.
Este domingo también veréis el peculiar homenaje de esta película por parte de Los Simpson.

Un Saludo

P.D.: Como siempre, click para aumentar.

martes, 16 de junio de 2009

Películas - Años 50: Cantando Bajo la Lluvia (1952) I


SINGING IN THE RAIN - (9'5/10)


Con los musicales pasa una cosa muy curiosa, o gustan mucho o los odian. Sus detractores la atacan porqué los números musicales solo sirven para parar la trama, que no sirven para nada, que para ver musicales mejor ir al teatro y no sé que burradas más. Aunque ahora me encantan los musicales, es más lo considero uno de mis géneros favoritos tengo que reconocer que yo me dejé arrastrar por la multitud de prejuicios que giran alrededor de dicho género. Pero eso solo fue hasta que vi precisamente Singing in the Rain, una película que sin duda se ha convertido en el musical más conocido de la historia por méritos propios. Fue a partir de ahí que me interesaron los musicales y empecé a devorarlos: Fred Astaire, Cyd Charisse, Gene Kelly...

¿De qué trata la película? Don Lockwood y Lina Lamont son la pareja famosa. Una pareja cinematográfica que los periódicos intentan que traspase la pantalla. Mientras el primero ha tenido que trabajar muy duro para llegar al reconocimiento final, Lamont ha sido siempre una diva con mal carácter. Su equilibrio se verá roto por dos golpes duros. Por un lado la aparición del cine sonoro obligará a los estudios a replantearse el gran cambio que supuso. Y por otro lado, Kathy Selden, una chica con un objetivo claro, ser actriz de teatro, no de cine pues esos solo ponen caras... Una chica que se meterá en medio de la pareja cinematográfica y a la vez será la solución a los problemas causados por la llegada del sonoro. Aunque se trata desde una perspectiva muy cómica, el film deja una interesante reflexión: la desaparición de muchas divas del cine mudo debido a su falta de dicción, a su voz o a que no encajaban en las voces que se supone que debían tener tales estrellas del firmamento Hollywoodiense. En el film se le saca todo el sentido cómico, pero fue un gran drama que sufrieron muchas de las actrices de los años 20. Ante la llegada del sonoro y el fracaso del primer pase del film, Selden, su enamorado Don Lockwood y su inseparable amigo Cosmo Brown deciden convertir la película que parecía que tenía fracaso escrito en el título en un musical.

Singing in the Rain funciona en todos los sentidos. Es mucho más que un musical, el film es una gran comedia, una gran historia romántica y un gran homenaje a un cine que si entonces ya quedó desfasado, hoy en día solo aficionados intentamos rescatar del olvido, si estoy hablando del cine mudo. Todo el mundo la haya visto o no, tiene presente la escena de Don después de despedirse de Kathy y en un arrebato de optimismo dado al amor que siente por ella se pone a cantar bajo la lluvia... Y todas esas magníficas coreografías, míticas las de Moses supposes his toeses are roses, los duos románticos que no abundan consiguiendo así un romance simpático y nunca demasiado empalagoso, las piernas de Cyd Charisse, las canciones unidas a las coreografías ideadas por el propio Gene Kelly consiguen convertirse en parte en un bloque unido y conglomerado, lejos de ser simples números desgajados sin vínculo de unión, como la mayoría de musicales actuales.

Que decir de las actuaciones que no se haya dicho ya... Gene Kelly se convierte en el protagonista, Don Lockwood, de esta mítica película no solo bailando y cantando sinó también ayudando al director Stanley Donen con las coreografías. Kelly se convertiria con el paso de los años con un icono del cine musical que marcó un antes y un después y que junto a Fred Astaire se han convertido en los dos intocables. En esta ocasión Kelly está acompañado por Debbie Reynolds como Kathy, el personaje femenino como la media naranja de Don y Donald O'Connor como Cosmo Brown el amigo de Don que aporta la gran parte de vis cómica que tiene la película y que ayuda al desarrollo ágil del film. Y como olvidar la fugaz aparición de Cyd Charisse y la interpretación de Jean Hagen en la piel de la siempre glamurosa Lina Lamont.


No hace falta decir que la banda sonora es una maravilla, al igual que la colorista fotografía de Harold Rosson y John Alton.

Como conclusión uno de los mejores musicales que demuestra que no se necesita una historia muy complicada para sacar un gran musical lleno de magia, una magia que hoy en día se ha perdido y se ha sustituido por el afán a ganar dinero, por eso cuando me preguntan si hoy en día se podría repetir una película como ésta, mi respuesta es muy clara No. Un musical, una película que forma parte del mito colectivo, una película que envejece muy bien.

Después de leeros esta crítica os estareis preguntando porqué no le puesto el 10, yo tampoco lo sé...

Podéis ver la películas online aquí:

@solocineclasico

Chicas del Cine Mudo: Lillian Gish (1893 - 1993)



LA PRIMERA GRAN HEROINA



Mujer + Cine Clásico = Lillian Gish
Con esta sencilla suma comenzamos a hablar de una de las mujeres más influyentes y poderosas del cine clásico, junto a Mary Pickford. Lillian Gish, la primera heroina del cine clásico, por lo que tambien de la historia del cine en general. Atractiva, inteligente, fuerte y talentosa, asi era Lillian Gish, y hoy hablamos de ella.

Nacida el 14 de Octubre de 1893 en Springfield, Ohio, Lillian Gish fue criada por su madre junto a su hermana pequeña Dorothy. Su padre las abandonó cuando apenas eran bebes.
Ante la necesidad de sobrevivir y con apenas 6 años, Lillian comenzó a trabajar sobre el escenario de los teatros de variedades. Poco despues su hermana siguiño sus mismos pasos.
Esta fue su situación hasta 1912, cuando gracias a su amistad con Mary Pickford, conoció a D. W. Griffith. Este vió en Lillian el personaje femenino perfecto para sus futuros proyectos, por lo que trabajo con ambas, especialmente con Lillian, en numerosos proyectos.

Un Unseen Enemy (1912) fue la primera película que hicieron Lillian y Griffith juntos, a la que seguirían doce películas más aquel año.
En 1915 llegaría El Nacimiento de una Nación, una de las obras maestras de Griffith en la que Lillian tenía el papel protagonista. A pesar de que fue tachada de racista, la película tuvo un gran éxito y posteriormente se convertiría en uno de los mitos del cine mudo, ademas de una de las primeras obras maestras del cine.
Despues del éxito de El Nacimiento de una Nación, llegó la espectacular Intolerancía, la otra obra maestra de Griffith, la cual tuvo un presupuesto de más de 2 millones de Dólares y a Lillian Gish una vez más en la cabecera del reparto.
La película fue un completo fracasó, lo que supuso la ruina de Griffith, el cual nunca terminó de recuperarse de este batacazo.

Durante mucho tiempo se rumoreó la posible relación entre Griffith y Gish, aunque el nunca tuvieron una relación amorosa, si que fueron amigos durante toda su vida, (la de él por lo menos). Además Gish mantuvo economicamente a Griffith durante algunos años.

En 1920, y siendo una de las grandes estrellas del momento, Lillian debutó como directora en Remodeling Her Husband, junto a su hermana Dorothy, la cual fue la protagonista de la cinta.
Fue en la década de los años 20 cuando Lillian consiguió un control tan fuerte de sus películas, que ella misma podía decidir sobre el director o el mismo guión. Curiosamente algo normal ahora pero no tanto en aquella época, y menos en una mujer.

Con la llegada del cine sonoro abandono el mundo del celuloide dedicandose al teatro, pero no como otras estrellas que no se habituaron al sonoro, sino que ella nunca creyo en este nuevo modo de ver el cine, por lo que simplemente, se retiró en 1933.
Pero volvió... volvió en la década de los 40. Intervino en Commandos Strike at Dawn (1942) y Top Man (1043), pero no fue hasta 1946, y despues de la muerte de Griffith, cuando Gish volvió a lo grande con Duel in the Sun (1946), uno de los grandes western de la historia junto a Joseph Cotton, Gregory Peck y a Jennifer Jones (nominada al Oscar a mejor actriz). Lillian obtuvo su primera nominación a Mejor Actriz de Reparto por esta película.

Continuó haciendo películas e interviniendo en la televisión, aunque no con mucha frecuencia. En la década de los setenta se la vió unicamente un par de veces en la tele, incluyendo una noche de 1971, en la que recibió el Oscar Honorífico. Regresó en la década de los ochenta.
Su última película, y quizas de las más importantes, fue Las Ballenas de Agosto, en la que compartío cartel junto a veteranos como Bette Davis, Vincent Price o Ann Sothern.
Muchos se sorprendieron al no ver entre las nominadas a mejor actriz a Lillian Gish aquel año. Curiosamente cuando le preguntarón acerca de esto, y su opinión a cerca de que el oscar aquel año lo ganase Cher, ella simplemente respondió:

"Al menos no tuve que perder ante Cher"


En 1993, y con casí 100 años, murió la que ha sido, y que sigue siendo, la actriz con la carrera cinematográfica más larga de la historia.


Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

Un Unseen Enemy (1912) de D. W. Griffith
El Nacimiento de una Nación (1915) de D. W. Griffith
Intolerancía (1916) de D. W. Griffith
Remodeling Her Husband (1920) de Lillian Gish
Duel in the Sun (1946) de King Vidor
Las Ballenas de Agosto (1987) de Lindsay Anderson




"El matrimonio es un negocio. Yo elegí el negocio del cine antes que el del matrimonio"

-Lillian Gish


sábado, 13 de junio de 2009

Los Simpson en el Cine Clásico... Los pájaros



LOS PÁJAROS/ UN TRANVÍA LLAMADO MARGE (4x02)


El homenaje de los Simpson de está semana va dirigido para la última "gran" película del director inglés Hitchcock, Los Pájaros. Obra maestra del cine de suspense, Los Simpson se atreven a copiar la escena final de la película de un modo muy peculiar.

Cabe destacar que en este episodio en concreto hace otros dos homenaje a otros dos películas del cine clásico que próximamente comentaré por aquí. De momento disfrutad con esta divertida escena.





Películas- Años 40: Ladrón de bicicletas (1948)



LADRI DE BICICLETTE (10/10)



-Hay una cura para todo, menos para la muerte.

Tras las devastaciones de la segunda guerra mundial, surge el neorrealismo italiano; un movimiento cinematográfico mayormente apuntalado por directores como Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica. Este último dirigió en 1948 El ladrón de bicicletas, un film que se llevaría el Oscar a la mejor película extranjera. Junto a El limpiabotas y Umberto D, este film participa de una trilogía donde las vicisitudes del hombre son recorridas desde su niñez hasta su vejez, y es que justamente el neorrealismo fue una verdadera conjunción de realismo social y arte crítico donde lo importante era manifestar las problemáticas de la post guerra de los sectores más desfavorecidos.

La historia entonces nos cuenta la difícil vida de Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani), un hombre de mediana edad que tiene una familia a la que le cuesta mantener por falta de trabajo. Gracias a la agencia de empleos consigue un puesto municipal (algo así como un empleo de oro para la época) para colocar carteles en la calle siempre y cuando, claro, posea una bicicleta, herramienta fundamental para su cargo. Su mujer entonces empeña toda la blanquería que tiene para poder recuperar la bicicleta que su marido ya anteriormente había empeñado y Antonio comienza a trabajar. Las escenas donde se prepara para su primer día, su pequeño hijo ayudándolo a prepararse y su esposa cosiendo pacientemente la gorra del uniforme dan idea ya de a todo lo que este director apuntará: la dignidad del hombre. Mientras pega pacientemente sus primeros carteles, su bicicleta es robada en sus narices y de aquí en más el film nos mostrará la desesperación de un hombre y su pequeño hijo por recuperarla. La simbología es evidente, no es más que la desesperación por recuperar su dignidad, su futuro, su posibilidad de sacar su familia adelante.

Los recursos neorrealistas están ampliamente usados en El ladrón de bicicletas: abundantes exteriores, donde la ciudad de Roma se convierte en un intrincado laberinto de calles, barrios deslucidos por la guerra, los niños como testigos de la problemática social del momento y la labor de actores no profesionales. De hecho LianellaCarell, María Ricci, era una periodista desocupada, Lamberto Maggiorani, un obrero real y el pequeño Enzo Staiola, Bruno Ricci, un niño curioso que presenciaba la filmación y fue descubierto por el propio director. Así y todo las actuaciones son destacables, sobretodo la del pequeño Bruno, y las escenas deslumbrantes. Con momentos de simple silencio y pasividad escénica, De Sica muestra las tribulaciones de un hombre que desespera por no hundirse, de sacar a su hijo de la necesidad de trabajar en una gasolinera así con sus pequeños 5 o 6 años.

Llamado el cine de la desesperanza, El ladrón de bicicletas es una galería de las incontingencias de una época difícil, donde los hombres luchan entre sí para sobrevivir, la solidaridad tiene momentos esporádicos, y la necesidad es la vedette. Pero el film no solo muestra esto, también muestra (y esto es la que la eleva en sí) la relación de un padre con su hijo, el compañerismo y el sostén que se dan el uno al otro, la desesperación como generadora de malos ejemplos.

Este film era una deuda en mi haber, y ahora me doy cuenta porqué se habla tanto de ella dentro de lo que es el cine clásico europeo. Es uno de los Films con la escena final más perfecta, sensible, desgarradora y locuaz que he visto en mi vida. Una película con la que es difícil no sentir con los protagonistas, no adentrarse en ese mundo de la desesperación y desesperanza.



Podéis ver la Película Completa aquí:



@solocineclasico

jueves, 11 de junio de 2009

Películas – Años 60: Matar a un Ruiseñor (1962)


TO KILL A MOCKINGBIRD (10/10)

Hijo mío, hay muchas cosas feas en el mundo, me gustaría que no las vieras, pero no es posible.
He aquí ante uno de los grandes clásicos del cine donde la grandeza de la película (que es bastante) es casi ensombrecida por la actuación de Gregory Peck, uno de los grandes del cine clásico.
La película no es solo conocida por la atrevida historia que contaba, sino por el desarrollo de los personajes, (los entrañables Jem y Scout), el tema que trataba (el racismo) y su personaje principal, Atticus Finch, interpretado por un Gregory Peck desbordante.
Matar a un Ruiseñor está basada en la novela homónima ganadora del premio Pulitzer de Harper Lee, en la que narra varios hechos que tuvieron gran trascendencia en su infancia, como la relación con su hermano, la figura de su padre, o el controvertido juicio que hubo en su pueblo. Harper Lee adapta su nombre al de Scout Finch, y el de su pueblo al imaginario de Maycomb, Alabama, adaptando perfectamente el estereotipo de pueblecito sureño de un modo que muchos críticos han alabado.
Matar a un Ruiseñor nos sitúa durante la gran depresión, y cuenta la historia de Scout y Jem, dos hermanos que viven en el pueblecito de Maycomb, Alabama, junto a su padre Atticus, Atticus Finch. Su madre murió pocos años atrás, por lo que su padre les dedica todo el tiempo que le permite su Bufete de abogados.
He aquí algo importante y que tenemos que comprender. Tanto Jem como Scout son solo niños, niños que reflejan por un lado la inocencia propia de esa edad, y por otro lado las ganas de madurar para comprender lo que hay a su alrededor. De ahí que el artículo comience con una de las muchas grandes frases de la película. Atticus quiere ante todo proteger a sus hijos, pero sin ocultarles lo que pasa realmente en el mundo y en la mente de las personas. De ahí que no son solos los niños los que aprenden la lección, en cierto modo Atticus Finch refleja perfectamente la típica figura paternal que nos lo explica todo de la mejor manera posible, y de la forma más dulce. He aquí la grandeza del personaje de Peck, aunque ahora seguiremos hablando del mismo.
Llega el verano, y con este Didi, o Titi (ni idea), el cual es un niño de la edad de Scout y Jem. Algo presumido (aunque llega a caer muy simpático). Los tres juntos curiosean cerca de la casa de Boo Ridley, un extraño habitante del pequeño pueblecito, del que se rumorean muchas cosas pero que pocas son ciertas. Este personaje tendrá mucha transcendencia al final de la película, no digo más, además de ser el primer papel en el cine de otro grande del cine. ¿Quién?
Al mismo tiempo, Atticus recibe un encargo. Defender a un hombre negro al cual es acusado de violación a una joven (como no) blanca. Esta es quizás el tema más interesante de la historia, y aunque tarda un poquitín en empezar, entrelaza de un modo acertado con el resto de la historia de Scout y Jem, (esto es un logro tanto por la autora como por el director y el guionista que fueron fieles al esquema del libro). Atticus acepta el caso y se ve sometido a la presión de los vecinos por defender a un negro, lo que posteriormente lleva al juicio, el cual es la parte más interesante de la película, y del cual serán testigos sus hijos, los cuales llegarán a ver a su padre luchando por la justicia de un hombre, en una tierra donde ser negro equivalía a no ser igual ante la ley.

El tema principal de la película es el racismo, y la historia refleja fielmente el típico juicio en el sur racista de aquella época, y como ya no solo el acusado es amenazado de muerte, sino el propio abogado (Peck) también es increpado por parte del pueblo. Atticus deberá luchar en dos frentes, el defender la causa de su cliente y por otro lado el proteger a sus hijos del desprecio que levantará el mismo por defender a un negro.
Es llegado a este punto cuando nos enamoramos del personaje de Peck, el cual es un padre protector, cariñoso y bueno con sus hijos; un vecino amable y educado (la escena junto a la vecina gruñona la cual se ablanda con la presencia de Atticus); persona sin prejuicios (apoyando a la familia de Tom (el acusado), y ganándose el respeto de la comunidad negra de su pueblo (cuando termina el juicio).

-Levante señorita Scout. Su padre aún no ha salido de la sala.

No sé que más deciros de esta extraordinaria e incomparable película. Os la recomiendo al más alto nivel.
El resto de la información os la dejo en este corto aunque acertado video de Tele Madrid donde podréis ver varias escenas de la película y escuchar la emotiva banda sonora de Elmer Berstein, otro de los grandes del cine clásico en temas de banda sonoras.
Aunque de momento es solo una la película que tiene una nota inferior a 10, he analizado cada fragmento de Matar a un Ruiseñor y he de deciros que la nota de esta película no puede bajar del 10, es imposible.
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