jueves, 28 de mayo de 2009

Películas- Años 50: Solo ante el peligro (1952)


HIGH NOON 10/10


No me pregunten porqué, pero el western es un género que siempre me atrajo; y evidentemente no podía faltar entre los clásicos. Pero la verdad es que elegí abrir mi colaboración con un film que cuando lo ví entendí su inmensidad. Es que “A la hora señalada” (High Noon) se salta muchos de los esquemas típicos del género para reconstruir alegóricamente todo un entorno sociopolítico de la época.
Veamos un poco: en 1947, en Estados unidos El Comité de Actividades Antiestadounidense (HUAC por su nombre en inglés), se encargaba de investigar la propaganda e influencia comunista en la industria cinematográfica de Hollywood; asique muchos de los artistas, productores, guionistas, etc. se hallaban en lo que se denominó “listas negras”, el sabotaje con el tiempo fue tal que muchos artistas, como Chaplin, por ejemplo, se vieron obligados a emigrar para poder seguir trabajando.
El guionista Carl Foreman encargado de “A la hora señalada” con el productor Stanley Kramer, habían fundado una productora con una doble finalidad: crear films de géneros comercializables, pero a la vez que contuvieran un alto grado simbólico de la situación sociopolítica del momento. Y si bien la película protagonizada por Gary Cooper y la bella Grace Kelly (en su primer papel protagónico) al principio fue pensada como una alegoría de lo que representaba la ONU para Foreman, finalmente se desarrolló en relación a su propia experiencia personal frente a este contexto controlador.- “No era miembro del partido comunista en ese entonces, con lo cual no quería estar con ellos, pero obviamente me era impensable convertirme en delator”- explicaría más tarde.


Will Kane (Gary Cooper), es el sheriff de Hadleyville, un pequeño pueblo en el medio de la nada. En su último día de trabajo antes de retirarse y recientemente casado con Amy (Grace Kelly) llegan a la estación de tren local tres matones a la espera del tren del mediodía en el cual arribaría Frank Miller (Ian Mac Donald), quien años atrás Kane había atrapado. El film, que en un primer momento se pensó realizar en tiempo real, se focaliza en la figura del comisario tratando de reclutar infructuosamente ayudantes para enfrentar a este matón y defender al pueblo de él. Si bien todos saben que Miller viene a matar al sheriff, como lo había prometido cuando lo enjuiciaron, nadie mueve un dedo por él aun cuando saben que gracias a él el pueblo se transformó en lugar seguro y pacífico.

Las escenas, acompañadas por la misma balada, se centran entonces en esa búsqueda desesperada por ayuda y en el nerviosismo de los minutos que se acercan a las doce. El reloj es un gran protagonista. Kane es un sheriff fuera de lo común, muy dispar a lo que sería un John Wayne (a quien de hecho la película no le gustó por la inverosimilitud de un sheriff buscando ayuda en el pueblo) pues teme, suda, no quiere estar en el lugar que está, pero sabe que debe hacerse cargo de la situación. No puede ni quiere abandonar el pueblo a pesar de que este mismo se lo recomienda a gritos. En esta espera del minuto a minuto, las actuaciones son las que marcan la magnificencia de este film. La acción es poca pero las emociones muchas, imposible no ver una alegoría en esta historia sea cual fuera. Podría ser la parábola de muchas sociedades, de la cobardía normal del ser humano, de las traiciones inesperadas, de la soledad ante los problemas, del abandono de los seres en quienes uno confiaba.

El trabajo de montaje en esta joya cinematográfica debería llevarse unos cuantos premios ya que su director Fred Zinnemann confió a Elmo Williams la tarea de edición por ciertas escenas que no le gustaban. Este genial editor entonces pasó dos días cortando aquí y resaltando allá hasta lograr casi lo que en un principio se quiso hacer: remarcar el tiempo real de espera, lo que se logra recién en la mitad de la película si uno sincronizara un reloj con los muchos que muestra el film. No obstante los relojes mostrados, están magníficamente compaginados con la espera en sí y uno sufre el paso a paso de lo inevitable: Kane enfrentando solo a los cuatro matones. El genial de Williams además, supo respetar la idea del director y del fotógrafo Floyd Crosby de resaltar el agotamiento físico de Cooper, quien para ese entonces ya sufría problemas de salud (no olvidemos que fallece 8 años después, en 1960, de cáncer). Así, las arrugas continuas, el tono de voz, la sudoración, palidez y movimientos pesados del actor, hacen de este sheriff nervioso y temeroso de lo que vendrá un ganador seguro del Oscar de ese año. El film en total gano 4 Oscars.
A la hora señalada, es un western original, un thriller psicológico inmejorable, una obra intachable.
Una última curiosidad que me encantó conocer de este film: Henry Morgan en el film personifica a un tal Sam Fuller, nombre de un conocido realizador de la época (El rata, on South Street, 1952). Foreman lo conocía del Sindictado de Escritores Cinematográficos y probablemente enojado por su sentido cínico con respecto al ambiente dictatorial y asqueado de sus ideas contrarias lo hizo figurar en el film de forma realmente patética pues ahí no solo se niega a ayudar al sheriff sino que se esconde en su casa haciendo mentir a su mujer. No es capaz ni de enfrentar al protagonista como el resto del pueblo escondiéndose tras las espaldas de esta.



@solocineclasico

miércoles, 27 de mayo de 2009

Chicas del Cine Mudo: Mary Pickford (1892 - 1979)

LA PRIMERA NOVIA DE AMÉRICA


Hoy en día el puesto de “Novia de América” es un puesto por el que luchan la gran mayoría de las actrices que velan más por su figura que por su talento. Creo que actualmente es Julia Roberts, o por lo menos lo fue durante algún tiempo hace ya unos cuantos añitos, pero tampoco se si esto va como el Papa, que te dura hasta la muerte.
Otra de la que había oído hablar era Scarlett Johansson. El caso es que antes que todas esta tuvo que haber una primera “Novia de América”, una que difícilmente será superada pero que a día de hoy solo los cinéfilos conocemos. Esta no es ni más ni menos que la dulce y bella Mary Pickford.
Aunque sin llegar a belleza extraterrestre de Paulette Goddard, Mary Pickford, si tenía ese toque de elegancia y belleza superior al de las mujeres de aquella época.

Nacida en Canada, como otras grandes bellezas del cine clásico y actual (me viene a la cabeza Ellen Page), su verdadero nombre era el de Gladys Louise Smith. Su padre murió alcoholizado cuando ella tenía 6 años. Poco tiempo después, y siguiendo la costumbre familiar, la pequeña Gladys se introdujo en el mundo del espectáculo. Fue conocida con el sobrenombre de “Baby Gladys Smith”, debido a su pequeña estatura (1,54m), demostrando grandes dotes para la interpretación.
A los 15 años viajó sola hasta Nueva York donde el conocido productor, David Belasco, le dio un papel en una de sus obras d Broadway. Fue este el que decidió cambiarle el nombre por el de Mary Pickford. Pickford era el apellido de soltera de su madre.
Durante su estancia en Nueva York, Mary coincidió con las hermanas Gish, pero lo que sería más importante, tuvo su primer contacto con el cine, por lo que no tardo en visitar el estudio de D. W. Griffith, de la cual nacería una amistad que duraría durante años. Precisamente trabajando en uno de los cortos de Griffith fue donde conoció a Owen Moore, el que sería su primer marido. Su primer papel en el cine fue en 1909 en una película de Griffith, “Mrs Jones Entertains”.

Pickford no tardó en alcanzar la fama, siendo apodada como “La Novia de América” (la primera). Su pequeña estatura, sus papeles de niña pobre, y sus tirabuzones (que según dicen procedían de un burdel) hicieron que la fama de Pickford traspasase la frontera norteamericana y llegase a todo el mundo. Su nombre aparecía en los créditos principales de todas sus películas, y además era la actriz mejor pagada de su época.

A finales de la década de los años 10 conoció al apuesto Douglas Fairbanks, el rompecorazones de la época, y uno de los más míticos de la historia del cine. Su relación supuso uno de los primeros escándalos de la época, siendo incrementado con su posterior matrimonio el 28 de marzo de 1920.

Un año antes funda, junto a Douglas Fairbakns, Charles Chaplin y D. W. Griffith la United Artists, con la clara intención de desafiar a los grandes estudios de la época.

Durante la década de los años 20 su carrera fue meteórica, hasta 1928, cuando murió su madre. La actriz entró en un estado de depresión dejando el cine y sus papeles de niña pobre con tirabuzones durante un año.
Volvió en 1929 y con el cine sonoro en pleno auge, y aunque ganó el oscar a mejor actriz aquel año por Coquette, Mary decidió dejar el cine sonoro en 1933, centrándose más en su labor como productora. En 1935 Chaplin y Pickford se hicieron con el control total de la United Artists al comprar su parte a Fairbanks y Griffith, aunque acabaron vendiéndola en 1953.
Mientras que su matrimonio con Fairbanks se derrumbaba, los otros miembros de su familia seguían muriendo, algunos de forma dramática, por lo que Pickford se recluía cada vez más en su mansión en constante estado de depresión.
En 1937 se casó con el que sería su último marido, Charles Rogers.
En 1975 recibió un oscar honorífico por su contribución al cine. Murió cuatro años después a causa de una hemorragia cerebral. Los últimos años de su vida los paso completamente recluida en su mansión.


Si sumas Cine Mudo con Mujer el resultado es Mary Pickford, una de las mujeres más influyentes de la historia del cine y sin duda la que más en sus comienzos.

Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

- Mrs Jones Entertains (1909) de H. W. Griffith
- The Poor Little Rich Girl (1917) de Maurice Tourneur
- Rebecca of Sunnybrook Farm (1917) de Marshall Neilan
- Polyanna (1920) de Paul Powell
- Little Lord Fauntleroy (1921) de Alfred E. Green & Jack Pickford
- Tess of the Storm Country (1923) de John S. Robertson
- My best girl (1927) de Sam Taylor
- The Gaucho (1927) de F. Richard Jones
- The Taming of the Shrew (1929) de Sam Taylor
- Coquette (1929) de Sam Taylor





Recopilatorio de fotos de la Actriz acompañado de una bella partitura.

Películas – Años 40: Ciudadano Kane (1941)


CITIZEN KANE (10/10)


Considerada como una de las mejores películas de la historia, no son pocos los medios especializados que la tachan como la mejor de todas. Creo que este blog se unirá a los que le dan tan aplaudida categoría.
Haremos un análisis de la película dentro de un par de líneas, pero esto que lees ahora va dirigido a toda persona que aún viendo, o sin haber visto la película, no entiende porque es una obra maestra. Pues bien, a principios de la década de los años 40, un joven visionario de 24 años llamado Orson Welles decidió hacer una película basada en la vida del magnate de la prensa William Randolph Hearst. Welles era un joven sin apenas experiencia en el cine, pero con una ilusión y genio que no veremos hasta la llegada de Stanley Kubrick.
Welles se pone en contacto con Herman J. Mankiewicz, para escribir un guión que trate de la vida de Hearst, pero deciden darle un toque distinto a la narración como nunca antes se había visto, el toque personal del autor de la obra, pues Ciudadano Kane no es una simple película que analiza por analizar. Le busca sentido a la controvertida figura de un multimillonario en su afán de comerse el mundo para que el espectador entienda, sienta e incluso se apiade de la triste figura de Charles Foster Kane.
La película hizo uso de todas las técnicas inventadas por aquel entonces en el mundo del cine de un modo magistral, destacando los planos, en los que por primera vez los decorados iabn a necesitar techo puesto que los ángulos de los objetivos lo filmarían; o los movimientos de cámara y uso de grúas para los dollys y los travellings.
Otro tema a destacar de Ciudadano Kane es como la narración no es la habitual en aquella época, sino que Welles decide empezar por el final, con la muerte de Kane, y a partir de aquí contar mediante flash backs su vida.


La película comienza con la muerte del magnate de los medios de comunicación, Charles Foster Kane, y como lo último que dice es “Rosebud”. A continuación la película hace un resumen de su vida en un breve documental donde nos informan de la vida y figura de Kane. Entonces se apaga un proyector y se encienden las luces. Nos encontramos en una sala de proyecciones con un grupo de periodista escondidos entre humo y oscuridad. Mi primera reacción fue de sorpresa al ver esto. Welles ya te la ha jugado por segunda vez en apenas minutos, ya que no es inusual encontrar en películas de aquella época recursos de ese tipo para ahorrases minutos del metraje presentando al personaje. Welles hace lo mismo pero no solo para el espectador, sino para los propios personajes de la película y ahí empezar a querer indagar en su pasado.
Los periodistas comienzan a hablar entre ellos, llegando a la conclusión de que además del mismo documental necesitan algo más que ofrecer a toda esa información, por lo que mandan a uno de sus miembros a buscarle el significado a la última palabra de Kane, “Rosebud”. La investigación de este le lleva a interrogar a todas las personas cuyas vidas se cruzaron alguna vez con la de Kane, permitiéndonos descubrir cómo fue este hombre mediante el uso de flash backs. Pero lo revolucionario de esta película no es su uso de flash backs, sino como son usados. Intentare explicarme. En cierto modo, el espectador se identifica con ese periodista en busca del significado de la palabra “Rosebud”, ya que él sabe tanto de Kane como nosotros gracias a ese introductorio documental. Lo único que queda de Kane es esos pedazos de historia que le cuentan las personas que compartieron su vida, por lo que la figura de Kane es algo grandioso y carismático en boca de muchos, pero cuya verdad pocos conocen.
A través de las declaraciones de los entrevistados, tanto periodista como espectador comienza a descubrir en Kane, una triste figura de triunfos y fracasos de alguien a quien el dinero robo su inocencia y libertad. No quiero dar más detalles… xD

El final de la película es uno de los grandes clásicos de la historia, y Rosebud es una las palabras más importantes del diccionario de Hollywood.

La película recibió nueve nominaciones a los Oscars, destacando la

s de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor. La academia decidió premiar únicamente a Welles por su guió original junto a Herman J. Mankiewicz, siendo este Oscar el único no honorífico que recibiría Welles en vida.

Qué verde era mi valle” arrebató a Ciudadano Kane la gran mayoría de los Oscars a los que estaba nominado.

William Randolph Hearst quiso impedir la llegada de esta película al cine por todos los medios: Trató de quemar los negativos. Incluso el día del estreno metió a una menor de edad desnuda y fotógrafos en la habitación del hotel en el que se hospedaba Orson Welles. Por suerte la película pude ser emitida y gracias a un informador secreto, Welles no acudió a su habitación esa noche.
Lo único que consiguió Hearst fue que la película no se emitiese en los principales cines del país, sobre los que tenía el control.
La estrategia de Hearst no es muy distinta a la que sin duda podría haber llegado a usar Kane.

Desde aquí os animo a aquellos que aún no habéis tenido la oportunidad de ver esta gran obra maestra que lo hagáis y ante todo os preparéis para recibir una gran lección de historia. Una joya al alcance de vuestra mano.



Rosebud!

@solocineclasico

martes, 26 de mayo de 2009

Películas - Años 40: El Gran Dictador (1940)


THE GREAT DICTATOR (10/10)


Los que alguna vez hayan pasado por mi blog sabrán ya mi admiración hacia Chaplin. Un hombre que rompió las barreras del cine. Si Sean es keatoniano yo soy la chapliniana (aunque Keaton también me gusta). Pero no os voy a hacer una biografía os voy a hablar del que es para mí su mejor película El Gran Dictador (The Great Dictator).
En abril 1889 nacieron dos personajes que pasarían a la historia para bien o para mal. El 16 nacía Chaplin y quizás para contrarestar tanto humanismo, cuatro días más tarde nacía Hitler, un personajes que ha escrito una de las páginas más negras de la historia. Además ambos tenían un aspecto físico similar, hecho que supo aprovechar a la perfección Chaplin en este film.
Como es habitual en sus películas Chaplin te hacía una pequeña introducción al inició de dicho film una introducción que no era más que una declaración de intenciones. En esta película comentaba:
- Esta historia transcurre en un periodo de entre guerras en el que la locura se desató, la libertad bajó en picado y la humanidad fue tratada a patadas

Acto seguido nos presentan a un patoso militar de lleno en la primera Guerra Mundial. Salvándose como puede decide arriesgar su vida para salvar a un piloto que está malherido. Cuando parece que han pasado el mayor peligro el avión se queda sin carburante y se cae en picado. El joven soldado entra en coma, hasta que años después despierta amnésico. Las cosas a su alrededor han cambiado, el dictador Hinkel tiene el poder y está empezando una persecución contra los judíos. El barbero amnésico vuelve a su casa que forma parte del Ghetto, intentando volver a su vida antes de la guerra hasta que se da cuenta que ya no vive en el mismo mundo, que se tiene que esconder y que tiene que esconderse de los militares porque estos tienen el derecho de hacerlo. En su vida aparece una joven, Hannah una muchacha que es igual de ingenua que nuestro protagonista porqué sueña que con un poco de lucha y mostrando rebeldía conseguirá que su vida mejore. Con tantas cosas en común y un carácter complementario, nuestros dos amigos intentarán vivir como puedan día a día. Paralelamente el film nos enseña la ajetreada (nótese el tono irónico) vida del dictador, sus disputas con su compañero dictador Napolini por la conquista de Austerlich y sus discursos delante de sus seguidores.
Chaplin creó una elaboradísima crítica a las crecientes dictaduras de Europa con un clarísimo símil de Hinkel emulando a Hitler y Napolini a Mussolini. Esta película que hoy en día nadie duda que es una obra maestra, en su estreno tuvo muchas críticas, sobretodo de ese sector acomodado que no creía que Hitler fuera tan tan malo. Porqué no nos engañemos, Chaplin lo vió muy claro desde el principio, pero Europa y América se durmió en los laureles mientras Hitler preparaba su imperio, y cuando quisieron actuar ya fue demasiado tarde. En Chaplin, film de 1992 de Robert Attenborough donde Robert Downey Jr. interpreta al cómico aparece la reacción de un público germanófilo ante el visionado del film. Una reacción basada en tirar tomates delante de la pantalla. No sé si la realidad fue muy diferente, pero teniendo en cuenta que se basa en la propia autobiografía de Chaplin temenos que suponer que no.


El film reune todos los elementos "made in" Chaplin. Aunque ya hacía unos años que Chaplin se había despedido de su pequeño vagabundo y del cine mudo, uno siempre tiene reminisciencias de su pasado. Porqué en el fondo el barbero sigue siendo el pequeño vagabundo, un hombre que hace de su ingenuidad una arma para luchar contra el mundo, un idealista, un optimista con unas ideas muy claras. Un hombre que no busca dinero ni fama, solo la felicidad porqué este es el objetivo de la humanidad y sin duda el más difícil de conseguir. El/los personajes de Chaplin siguen siendo bailarines en un cuerpo de actor cómico, escenas concretas como la archiconocida escena en que mueve el globo terraqueo como si fuera un globo, simbolizando el dominio del mundo, parece una coreografía minuciosamente estudiada, unos movimientos que calzan perfectamente con la música, hasta tal punto que te pone los pelos de punta, tanta poesía, tanta magia en una escena que en realidad es déspota. Pero ese toque satírico lo suaviza de una manera que nos desarma y nos hace cómplices. Aunque tiene un guión cuidado, Chaplin sabía que su gran punto fuerte era la comedia muda, por eso es en esos fragmentos donde la película brilla. Otro de los mejores momentos son los discursos: Chaplin crea un idioma con un deje inglés y apariencia de alemán mostrando todas las vergüenzas de un dictador.

A lo largo del film, Chaplin hace tres papeles. Hasta los últimos minutos vemos a dos personajes, al dictador Hinkel y al barbero judío. Pero en los últimos minutos cuando Chaplin en una acto de optimismo del que nos tiene siempre acostumbrados consigue mediante una carambola que el barbero y el dictador sean confundidos. El primero delante de los micrófonos suelta un discurso que se podría considerar un canto a la humanidad. Una humanidad que él de manera optimista la considera buena por naturaleza, cree que el cambio es posible, y con los ojos a punto de soltar una lágrima proclama que Los hombres tenemos que pensar menos y sentir más. Sin duda una de las mejores secuéncias de la historia del cine. Por otro lado, Chaplin se rodea de un excelente reparto: Reginald Gardiner, Henry Daniell, Carter De Haven, Grace Hayle, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert donde brillan su compañera Paulette Goddard en el papel de Hannah y Jack Oakie.
Para finalizar os dejo el video del Speech final, porqué por muchas cosas que diga, nada puede equipararse a ese discurso que sirve para que no perdamos esa esperanza que todos tenemos en el interior y que soñemos como Chaplin, porqué al fin y al cabo él era un idealista y aunque pasó por tiempos duros no le fue mal del todo.

Aquí podéis ver la Película Completa:

@solocineclasico

domingo, 24 de mayo de 2009

Figuras del Cine Clásico: Paulette Goddard (1910-1990)


LA ÚLTIMA GRAN CHICA CHAPLIN


Comenzamos la sección de biografías de figuras del cine no precisamente con una de las más famosas pero tampoco desconocida, ni mucho menos. Se trata nada más y nada menos que de Paulette Goddard.
Posiblemente recordemos a Paulette Goddard como la bella pareja de Charles Chaplin en dos de sus mejores películas, Tiempos Modernos (1936) y El Gran Dictador (1940)
Comenzó su carrera profesional como modelo publicitario y, después, como integrante de la compañía musical Ziegfeld Follies de Florenz Ziegfeld. Tras casarse con un millonario llamado Edgar James, se trasladó a vivir a Hollywood. A principios de los 30 participó en papeles secundarios en obras como Las calles de la ciudad (1931) de Rouben Mamoulian con Gary Cooper y Sylvia Sidney, o Torero a la fuerza (The Kid from Spain, 1932) de Leo McCarey junto a Eddie Cantor.
Cuando aún era una completa desconocida en el mundo de Hollywood, conoció al humorista británico Charles Spencer Chaplin en una fiesta en donde ambos se enamoraron. Paulette participo en las dos siguientes películas de Chaplin, Tiempos Modernos y El Gran Dictador, casándose con este después de rodar la primera película. Hizo una prueba para Scarlett O´Hara, la inolvidable heroína sureña de Lo que el viento se llevó, siendo una de las favoritas a conseguir el papel, pero fue su relación con el director Charles Chaplin la que, según dicen, arruinó todas sus posibilidades para hacerse con el papel. Sin embargó participó en otras películas como Mujeres de George Cukor o en El Gato y El Canario, junto a Bob Hope, ambas en 1939.

Podríamos hablar de los distintos tipos de cánones de belleza y como afectaron a cada época y todo ese rollo, pero creo que es más simple analizar la belleza de Goddard, la cual si viviese hoy en día estaría en el catálogo de las 100 mujeres más sexys del mundo. De aspecto jovial y mirada pícara, Paulette Goddard irradiaba una ilimitada belleza en cada una de sus escenas. Posiblemente Jessica Biel no gustase en aquella época, o Mary Pickford no nos gustase ahora, pero era épocas distintas. Sin embargo, Paulette Goddard es una clara excepción. Su belleza perduró a lo largo de los años, permitiéndonos apreciarla tanto a mi abuelo hace bastantes años, como a mí ahora.
Pero el matrimonio no duro, y en 1941, la mundialmente conocida estrella, Charlot, y Goggdard rompieron su matrimonio.
Fue la década de los años 40 cuando más trabajó, destacando su participación en películas como Al Fin Solos, de H. C. Potter; El Castillo Maldito; Piratas del Mar Caribe de Cecil B. De Mille; Sangre en Filipinas, por la que fue nominada al Oscar; La Bribona; Memorias de una Doncella y Los inconquistables, una vez más junto a Cecil B De Mille.
A partir de los años 50 su carrera se vio reducida a la radio o televisión, además de algunas breves apariciones en películas.
Acabó viviendo en Suiza, no muy lejos de su ex-marido Charles Chaplin.
Murió en 1990.

Paulette Goddard pasará a la historia del cine como la chica de Chaplin sus dos películas más importantes y como una actriz más a partir de los años 40, que vio una única recompensa en 1943 con una nominacion al Oscar.

Como curiosidad recalcar que su figura fue protagonizada por una joven Diane Lane en Chaplin (1992)

Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

- Tiempos Modernos (1936) de Charles Chaplin
- Mujeres (1939) de George Cukor
- Al fin solos (1940) de H. C. Potter
- Si no amaneciera (1941) de Mitchell Leisen
- El Gran Dictador (1941) de Charles Chaplin
- Sangre en Filipinas (1943) de Mark Sandrich
- Los inconquistables (1947) Cecil B De Mille

miércoles, 20 de mayo de 2009

Películas – Años 50: El Crepúsculo de los Dioses (1950)


SUNSET BOULEVARD (10/10)

-Es Norma Desmond, de las películas mudas. Era un estrella.
-Y grande, pero el cine ahora ya no lo es.

Hay una frase que ciertamente me gusta por la reflexión a la que invita, y es ¿Quién vigila a los vigilantes? De la misma manera podríamos realizar una pregunta semejante extrapolada al mundo del cine, ya que si este se dedica a contar historia, ¿quién cuenta la historia de los que cuentan historias? La respuesta es similar en ambos casos. Y en el segundo, uno de los mejores cuenta historias de Hollywood, Billy Wilder, se atrevió con dicha misión.
Antes de la década de los años 50 ya habíamos tenido oportunidad de disfrutar de películas que usaban el cine, o personajes del mismo, como tema principal, como por ejemplo The Last Command (Josef von Sternberg, 1928), King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1933), o Sullivan's Travels (Preston Sturges, 1941), pero jamás se había realizado una crítica tan mordaz tratando un tema practicamente tabú en el país de la libertad, las grandes estrellas olvidadas.
Traducida (acertadamente en mi opinión) en España como El Crespúsculo de los Dioses, esta cinta nos presenta a Joe Gillis, un arruinado guionista de Hollywood que mientras huye de sus acreedores  para salvar su bien más preciado, su coche, acaba en una de las viejas mansiones de Sunset Boulevard perteneciente a una antigua estrella del cine mudo llamada Norma Desmond. Esta lleva años recluida en su mansión con la única compañía de su mayordomo Max. La antigua estrella de cine descubre que Gillis es guionista y le pide que la ayude con un guión en el que lleva años enfrascada. Ante la oportunidad de trabajar para pagar sus deudas, y desaparecer durante un tiempo de sus acreedores, Joe acepta quedarse en la lúgubre mansión y ayudar a Desmond en el guión. Con el paso de los días, y embriagada ante la oportunidad de vivir una segunda juventud, producto de la ilusión de trabajar de nuevo en su obra, y la compania del joven guionista, Norma busca seducir al escritor. Joe, el cual empieza a acostumbrarse a la buena vida que le reportar estar al lado de la vieja actriz, se debate entre seguir con ella a pesar de no amarla, o huir con Betty, la novia de su mejor amigo, y a quien ve todas las noches para escribir un guión.
Me gustaría empezar por el título. Sunset Boulevard era, y es, una avenida con su historia ya en el cine mudo. Más concretamente desde 1911, cuando el primer estudio cinematográfico de la ciudad abrió sus puertas allí mismo. Cuando las estrellas del cine mudo comenzaron a ganar las ingentes cantidades de dineros que les reportaban sus películas, en el boom de los años 20, aquella avenida se vio invadida por gran cantidad de enormes y majestuosas mansiones. Todo el cotilleo y vida de los famosos fuera del plató transcurría allí, por lo que era normal la expectación que creaba dicha avenida.

Cuando Billy Wilder llegó a América se enamoró de la historia de esta, especialmente de la cinematográfica, por lo que cuando este se trasladó a Los Ángeles, sintió curiosidad por estas mansiones, algunas abandonadas, y otras aún con estrellas del cine mudo ya olvidadas que se habían aislado del mundo. Esto tiene su explicación. El cine sonoro acabó con la carrera de muchos de ellos, ya que fueron incapaces de adaptarse al mismo, por lo que muchos fueron olvidados, cayendo en la bebida o el juego. Cuando Wilder estudiaba esas mansiones con la mirada, ya en los años 40, podía sentir a esas antiguas estrellas detrás de la ventana, protegidos por una cortina que hacía las veces de muro divisor entre el mundo real y su propio mundo. Esto dio una idea a Wilder para escribir un atrevido guión junto a Charles Brackett contando la vida de una de esas estrellas olvidadas. Si lo más atrevido del guión no era la propia historia que contaba, si lo era las personas involucradas al proyecto. Para los papeles de las antiguas estrellas se pensaron en autenticas actores, actrices o directores del cine mudo caídos en el olvido.
Para el papel de Norma Desmond, una antigua gloria del cine mudo se pensó en alguna auténtica actriz que como la ficticia, hubiese sido una estrella en la época del cine mudo pero que con la llegada del cine sonoro hubiese visto eclipsada su carrera. Se barajaron nombres como los de Mae West, Pola Negri o incluso Mary Pickford, de la que hablaremos otro día en este blog. El caso es que Wilder le pidió a George Cukor que le sugiriese algún nombre, este nombró a Gloria Swanson, la cual fue una de las actrices más admiradas y reconocidas por su talento y belleza durante el cine mudo. Se dice que llegó a recibir 10000 cartas a la semana, además vivió en un palacio barroco estilo italiano en la década de los 20. Era perfecta, era igual que Norma Desmond, a excepción de que Gloria Swanson si se adaptó sin ningún problema a la llegada del cine sonoro, sino ya en el cine, si en la radio y en la televisión. Cuando Wilder la llamó dudo si aceptar o no el papel de Norma Desmond, por lo que nuevamente se pidió consejo a Cuckor, el cual, y cito textualmente: Si te piden que hagas diez pruebas, haz diez pruebas, o yo personalmente te pegaré un tiro, el papel de Norma Desmond es por el que serás recordada para siempre.
Otra estrella con un papel secundario, pero tan importante como el de Norma Desmond es el de Max Von Mayerling, que fue interpretado por Erich Von Stroheim. Max es el criado de Norma Desmond, pero posteriormente se descubre que este mayordomo fue en otra época un célebre director de cine y trabajó con Norma, de la cual fue su primer esposo. Curiosamente no hubo gran diferencia en la realidad, ya que Erich Von Stroheim fue un conocido y particular director de cine en la década de los años 20 que nos regaló clásicos como Greed, The Wedding March o Queen Kelly siendo Gloria Swanson protagonista en varios de sus films, además de su amante. Tanto Von Stroheim como Swanson perdieron el contacto a finales de los años 20 y volvieron a encontrarse para el rodaje de Sunset Boulevard.

Para el papel protagonista se pensó en un principio en Montgomery Clift, el cual llegó a ser firmar por 5.000 dólares semanales, durante un mínimo de doce semanas, aunque justo antes de comenzar del rodaje se retiró del proyecto. Adujo como excusa que el papel de un joven que enamora a una mujer mayor era demasiado parecido al que había representado en The Heiress (William Wyler, 1949) el cual le había parecido poco convincente. Furioso, Wilder le contestó: Si fuera un actor de verdad, podría resultar convincente haciéndole el amor a cualquier mujer. Al parecer el hecho de que en la vida real Clift estuviese manteniendo un romance con una mujer mucho mayor (la cantante Libby Holman) pudo haber influido negativamente en la elección de este papel. Por lo que Wilder se decantó finalmente por otro actor de gran personalidad que comenzaba a hacerse un nombre en la industria, William Holden. Poco más puedo decir de Holden salvo que es uno de mis actores favoritos desde siempre. Con el porte de Burt Lancaster, el toque malicioso de Kirk Douglas, y el carisma de Ray Milland, era el actor perfecto para un personaje escrito por Wilder. De hecho volverían a trabajar hasta en tres ocasiones más. Pocas, en mi opinión.
Para interpretar a Betty Schaeffer, un personaje totalmente opuesto al de Norma Desmond, necesitaban una actriz generacionalmente posterior a Swanson. El papel recayó en Nancy Olson., la cual había trabajado ese mismo año con Holden en Union Station (Rudolph Maté), y con quien volvería a coincidir en Force of Arms (Michael Curtiz, 1951), siendo estas seguramente sus tres películas más conocidas.
Quizás otro de los detalles más míticos de la película sea la escena de la partida de cartas, en donde Gillis describía a los amigos de Desmond como antiguallas del pasado. Estos no eran nada más y nada menos que otras estrellas del cine mudo que al igual que Desmond habían caído en el olvido. Estas estrellas fueron nada más y nada menos que Anna Q. Nilsson, H. B. Warner y mi muy queridísimo Buster Keaton.
El último papel que cabe destacar es el de Cecil B De Mille, el cual se interpreta así mismo en la película. El clásico director de cine, tanto clásico como mudo trabajo en la vida real con Gloria Swanson. En la película es exactamente igual pero cambiando el rol de Swanson por el de Desmond. Es su presencia en la película la que permitió nuestro deleite ante una de las citas más conocidas de la historia del cine.
- De acuerdo Mr. De Mille, ¡estoy lista para mi escena!

La película fue un éxito tanto para la crítica como para el público.No gustó, eso si, entre los sectores más conservadores de Hollywood, o entre aquellos a los que hace referencia indirectamente como Mary Pickford, o Mae Murray. Por poner otro ejemplo, el legendario productor de la Metro Goldwyn Meyer, Louis B. Meyer dijo durante un pase privado: -¡Ese maldito Wilder ha deshonrado a la industria que lo ha creado y alimentado!, ¡Deberían cubrirle de brea, emplumarlo y echarlo de Hollywood!! -A lo que Wilder, sentado detrás de Meyer respondió: -Señor Meyer, ¿por qué no se va a la mierda? Me llamo Billy Wilder y estoy orgulloso de esta película.

La película estuvo nominada a 11 oscars, entre los que podemos destacar Mejor Película, Mejor Director, y Mejor Actor, Actriz (secundarios también), ganando únicamente tres, entre ellos Mejor Guión Original. Aquel fue el año de All Abouts Eve (Eva al desnudo), película de temática similar al El Crepúsculo de los Dioses, aunque acerca del mundo del teatro.
Como anécdota final, en un pase previo de la película en Evanston, Illinois. El metraje inicial empezaba con Gillis en el depósito de cadáveres contándole a los fiambres como había muerto. Segun Wilder esto fue lo que pasó: La gente empezó a levantarse e irse. Yo me fui también. Bajé por la escalera, hasta los aseos, y vi a una señora de unos sesenta años, con un sombrero, que se volvió hacia mí y me dijo: "¿Ha visto una mierda semejante en su vida?" Y yo respondí: "Francamente, no".

editado el 05.04.2015

@solocineclasico

martes, 5 de mayo de 2009

PROXIMAMENTE...


A partir del lunes 25 de Mayo, solocineclásico abrirá sus puertas a todos y todas con un único propósito, el poder debatir única y exclusivamente del cine que comprendió entre los años 1915-1965. Puede que retrocedamos de 1915, pero no pasaremos de 1965, ya que en mi opinión, es a partir de ese año cuando el cine clásico está prácticamente extinguido y da paso a un cine más moderno pero no por ello peor, ni mucho menos. Mi idea es hablar únicamente de películas que comprendan esos años, ya que creo que encontraremos en ellos los mejores ejemplos de cine clásico.

Me encantaría analizar el principio del cine, la época del cine mudo, la llegada del sonoro, el cine de posguerra tanto en EEUU como en Europa, el neorrealismo italiano, el cine europeo en general, el resurgimiento del cine japones... de todo. Me encantaría abarcar todo a lo que cine clásico se refiere.

Yo soy lo que soy y tengo los conocimientos que tengo, que no son muchos, y el cine clásico es algo que tengo pendiente desde hace mucho, por ello, me gustaría contar con todo aquel que tenga interés en el blog, o que sienta la necesidad tanto de compartir como aprender de esta época. Por lo que si alguien quisiera participar en este blog solo tendría que pedírmelo y entraría a formar parte de el sin ningún problema y con el mejor recibimiento posible por mi parte.

Muchas gracias por leer esto y espero contar con vosotros a partir del último lunes de Mayo.


Un saludo
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