jueves, 31 de diciembre de 2009

Vuelve a vivir: Feliz 2010

Os habla Redna, puede que no haya tenido mucho tiempo para actualizar el blog, pero aqui estoy, y como bien ha dicho Sean desde este blog os deseamos a todos un feliz año.

Os quiero desear de parte de todos otra vez un feliz año nuevo. Y que mejor manera de desearoslo que con una de las escenas mas conmovedoras de la historia del cine. Si se os caen unas lagrimas no os asusteis, a mi siempre se me caen con esta escena y con esa cara de felicidad de Steward.



Feliz 2010 y feliz 31 de Diciembre 2009. Estas palabras nos hacen inmortales.

Solo Cine Clásico te desea un Feliz 2010!


De parte de los colaboradores de este blog y de un grupo de cineastas con los que lo vamos a pasar de puta madre esta última noche de este desastroso 2009, os deseamos a todos los que nos seguís habitual mente, y dejáis algún que otro comentario, haciendo que la labor de blogger sea más llevadera, una feliz entrada de año y no os atragantéis con las uvas (los que las toméis)


Felicidades!!!

P.D.: En la foto aparecen al fondo, de izquierda a derecha: Robert Mulligan, William Wyler, Georges Cukor, Robert Wise, Jean Claude Carriere y Serge Silberman. Al frente: Billy Wilder, Georges Stevens, Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Robert Mamoulian.

Películas - Años 50: Con Faldas y a lo Loco (1959)


SOME LIKE IT HOT (10/10)


Una de las mejores comedias del cine clásico, seguramente la obra más querida de su director, ese Dios que se apodaba Billy Wilder. La cinta está considerada como una de las mejores comedias jamás hechas (n.º 1 en la lista de las grandes comedias de la American Film Institute y 14.º en la Lista de las 100 mejores películas americanas). Lo que ya os da una idea del material que tenemos entre manos, pero pasemos directamente a la acción.

Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon), son dos músicos de jazz que presencian un ajuste de cuentas en un garaje conocido como la Masacre de San Valentín, durante la prohibición en los años 20. Los gangsters se dan cuentan y se proponen a liquidarlos cuando inesperadamente se salvan y comienza una frenética huida para salvar los cuellos. En vista que los gangsters tienen controladas todas las salidas de la ciudad, Joe y Jerry no tienen más remedios que disfrazarse de mujeres y huir con una banda musical de chicas que parten hacia Florida, en el transcurso del viaje conocerán a Sugar (Marilyn Monroe).

Para esta comedia, Wilder contó con su actor fetiche, Jack Lemmon, para el papel de Jerry, el gracioso del dúo. Dúo completado por Tony Curtis, que hace el papel de galán, aunque también tipo gracioso, que busca conquistar a Sugar, de la cual se acaba enamorando.
Para el papel de rubia buenorra y resultona, de grandes... ojos, y algo corta, ¿qué mejor que la rubia buenorra y resultona, de grandes... ojos, y algo corta favorita de América, Marilyn Monroe?
Curiosamente, esta actuación le valió a Marilyn el Globo de Oro, y muchos podrías pensar que ¿por qué?, si basicamente hizo de si misma. Al parecer, durante el rodaje, Monroe ya andaba con una de sus constantes depresiones; sufría de insomnio; dolores de cabeza; le costaba memorizar sus diálogos, lo que la enemistó con todo el equipo y especialmente con Curtis, que aunque negaría años más tarde, afirmó que besarla era como besar a Hitler; durante el rodaje se quedó embarazada y tuvo un aborto... en fin, fue una locura tanto para el equipo como para ella, sin embargo su trabajo es más que notable, y aunque para mi Monroe siempre será una rubia tonta con un buen par de... ojos, no puedo sino quitarme el sombrero por su trabajo, al menos, en la cinta de Wilder. Bravo. Muchos fueron los sorprendidos porque no nominasen a Monroe al Oscar por el papel de Sugar, yo entre ellos, hoy... no entonces.

La película ganó un Oscar, de los seis a los que estaba nominados, entre ellos mejor actor para Lemmon, mejor director para Wilder y mejor guión adaptado, también para Wilder y I. A. L. Diamond, el cual coescribió el genial guión basándose en una historia de Robert Thoeren y Michael Logan (en dicha historia no había gangsters), que sirvió para realizar Fanfaren der Liebe, una película alemana de 1951. Por lo que muchos consideran, Con faldas y a lo loco un remake.

Sin duda alguna, lo que pasará a la posteridad y a la historia del cine con mayúsculas es la frase final que, si no habéis visto la película, os recomiendo que no veáis el vídeo:



Es en este 2009, cuando esta maravillosa cinta cumple los 50 años de edad con la misma frescura y originalidad que el día de su estreno.
Esta es la tercera y última película que os tenía reservadas, y creo que la última que analizaremos este año, así que dentro de unas horas, en el 2010, comenzará otro año en el que llegarán muchas más películas y cineastas dispuestos a adquirir un rinconcito en este blog dedicado exclusivamente a ese maravilloso periodo que fue el Cine Clásico.

miércoles, 30 de diciembre de 2009

Películas - Años 30: Lo que el viento se llevó (1939)


GONE WITH THE WIND (9/10)

Lo que el viento se llevó es una obra muy grande y muy compleja como para poder reseñarla con facilidad. Eso implica que inevitablemente me voy a dejar muchos detalles.

Lo que el viento se llevó es el cine por excelencia es una demostración de su evolución y de lo que era capaz la industria de Hollywood. Y eso queda claro en todo tipo de listas y tops que se hacen año tras año, la cinta está ahí. Es verdad que algunos de ellas tienen poca credibilidad, pero hay cintas como ésta, Casablanca o el Ciudadano Kane que siempre están ahí y si después de tantos años permanecen ahí es porqué se lo merecen. La cultura popular también tiene muy presente el film aunque sea de manera inconsciente: todo el mundo ha dicho alguna vez la célebre frase “a diós pongo por testigo que…” o la frase con la que acaba el film “mañana será otro día”… Mucha gente sabe perfectamente quien es Scarlett O’Hara… Así que podemos afirmar que Lo que el viento se llevó sigue viva después de 70 años, pocas son las películas que pueden decir tal cosa.

El film tiene muchos prejuicios. Principalmente por sus 4 horas de duración. Eso hace que muchos no se atrevan ni a verla. Pues bien, yo puedo decir que después de haberla visto 3 veces en 3 años, me sigue pareciendo un peliculón. En 1939 pocos podía imaginar que se podría hacer una película en color con tan bella fotografía, de Ernest Haller & Ray Rennahan, porqué Lo que el viento se llevó no son solo unos actores muy bien dirigidos interpretando buenos y contradictorios personajes. Formalmente el film es una maravilla de la época. Un juego de luces sombras impresionante. En momentos como la subida de la colina se te ponen los pelos de punta, visualmente perfecta. La banda sonora de Max Steiner es de esas que perdura, de esas que se quedan grabadas en la memoria para siempre… de esas que como los símbolos de marcas comerciales relacionas inevitablemente al producto, en este caso a la película. Una pequeña carta de presentación. Para presentar una tormentosa historia, sobre amor, celos, dinero, egoísmo, engaño, guerras, contradicciones, miedos, venganzas…

Contar de que va Lo que el Viento se Llevó en pocas palabras no es fácil, es una trama compleja donde la contextualización, en plena Guerra de Secesión americana juega un papel clave. La protagonista, una joven engreída y consentida Scarlett O'Hara es el centro de atención de las fiestas en las mansiones sureñas. La joven está enamorada de Ashley quien está enamorado y prometido con su prima Melanie. Todo transcurre con normalidad hasta el inicio de la guerra, que hace que todos los hombres, incluido Ashley vaya a luchar. Es justo en ese contexto cuando aparecerá Rhett Butler, un vividor que solo mira por sí mismo. La película narrará la relación entre esos dos fuertes caracteres, Rhett y Scarlett antes, durante y después de la guerra.


Es una historia que necesitaba esas 4 horas de metraje, es más creo que uno de sus hándicaps es que no acaba de estar del todo bien resuelta. No, no me refiero a la archiconocida frase que él le dice a ella antes de irse, ni al último plano con una Scarlett dispuesta a volver a levantarse… sino a todos los acontecimientos anteriores. SPOILER Sin casi tiempo para respirar y asimilar se mueren el segundo hijo que estaban esperando los protagonistas, Bunny y Melanie. FIN SPOILER. Todo muy precipitado si lo comparamos al tratamiento y la evolución de las relaciones personales entre todos los protagonistas.

El gran acierto del film a parte de la fotografía y su partitura es el tratamiento de los protagonistas y lo detallados que están. Todo protagonista sufre una evolución, no hay personaje en segundo plano, hay más importantes que otros pero todos están trabajados. Eso da lugar a una riqueza de personajes que se ha visto en pocas películas más. Y lo que resulta más brillante es que después de ver la película no acabas de entender algún comportamiento de sus dos protagonistas Rhett Butler y Scarlett O’Hara, porqué como nosotros están llenos de contradicciones, ni ellos mismos parecen saber el rumbo de su vida, viven al límite y siguiendo sus instintos. Scarlett O’Hara es un personaje enigmático. Engreída y consentida, vivía en su mundo de fantasía, de papá y mamá hasta que la guerra le hizo bajar a la tierra de los mortales. Con la guerra a parte de perder su primer marido, perdió todo lo que ella más quería, prestigio, riqueza y bienestar social y su tierra Tara. Para recuperarlo decidió que trabajaría, y se rompería la espalda para restaurar Tara. Pero paradójicamente, cuando se recuperó y volvió a disfrutar de una vida llena de privilegios, volvió a sus niñerías y quejas por tonterías. Es que todo ese esfuerzo no le ha hecho ver que el mundo es muy diferente de lo que se pensaba… o es que considera que ahora que ya ha vuelto a su situación normal puede volver a comportarse como una mocosa impertinente…. Quizás se entera demasiado tarde que en ese momento está teniendo su vida imaginada, con un marido que la quiere, una vida como la que había soñado… Tara no es un trozo de tierra. En esta película como en otras, Tara es un personaje por si solo, un personaje que permite a Scarlett levantarse cada vez que se cae, un personaje que es el que le da fuerzas para no desvanecerse en los momentos difíciles. Por otro lado tenemos a Rhed Butler, un tipo egoísta que ha ido por libre toda la vida. Un hombre que se define por no es un caballero, que deja las cosas claras desde un principio, y que intenta conquistar el corazón de Scarlett, pero lejos de convertirse en su príncipe azul decide participar en su juego de a ver quién es más terco y más tozudo, quien aguanta más sin darse cuenta que están hechos el uno para el otro, para ver que están hechos de la misma pasta, y que solo pueden ser ellos mismo cuando están juntos y no tienen que fingir delante la sociedad. Un hombre que parece que se ponga una máscara para no herirse, que en realidad si es un caballero, pero es consciente que no lo tiene que mostrar si no quiere que se aprovechen de su bondad. En un segundo plano pero no menos importante para el desarrollo del film están Ashley y Melanie, los criados fieles, las hermanas y los maridos de Scarlett. Todos sufren su evolución, pero siempre acompañando la trama dejando el protagonismo a los verdaderos protagonistas de la función.

El casting de actores es extremadamente acertado. Clark Gable es el encargado de interpretar a un tipo a priori sin muchos escrúpulos, que lo único que le interesa es él mismo que evoluciona a un tipo herido, cansado de ser siempre el segundo plato, y que aunque quiere a Scarlett sabe que nunca van a tener la vida de casados que algún día imaginó que podrían tener. Vivien Leigh interpreta a Scarlett O’Hara. Una cara bonita, con mucho don interpretativo a su espalda, una excelente actuación que ha permanecido, permanece y permanecerá en la historia del celuloide. Olivia de Havilland interpreta a Melanie, un personaje que es la bondad personificada, Leslie Howard interpreta a Ashley, y finalmente mención aparte se merecen Hattie McDaniel y Butterfly McQueen quienes interpretan a dos criadas de Scarlett, la primera fue la primera actriz de color en recibir un Oscar, que por desgracia no pudo recibir en la ceremonia porqué no se permitía la entrada a negros, y la segunda consigue crear un personaje simpático y gracioso.

La película tuvo hasta cinco directores: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming. Aunque al final solo aparece este último. Se ve que el rodaje fue una tarea titánica.

A los americanos les gusta mucho mirarse al ombligo, un ejemplo de eso es la cantidad de películas sobre su corta historia, si la comparamos con los países europeos. Si bien es verdad que su historia de para mucho, es curioso que muchas de ellas han sido multipremiadas en los oscars… En este caso todos merecidos, Lo que el viento se llevó es un acurado reflejo de la guerra de Secesión, 16 nominaciones y 10 galardones en el bolsillo.

Como conclusión, Lo que el viento se llevó es una cita ineludible a la historia del cine. Imprescindible más allá de si después te gusté más o menos.

Podéis ver la película online aquí:

PD: Si no os gusta la crítica, me importa un bledo ;)


martes, 29 de diciembre de 2009

Películas - Años 30: Ninotchka (1939)


NINOTCHKA (8,5/10)


Como quedan unicamente tres días para que acabe el año, y la década, aprovecharé para echar un vistazo a tres de mis películas favoritas del cine clásico, y que os recomiendo veáis si podéis en estas fechas de descanso. Además, lo que tienen en particular estás películas es que en este 2009 cumplían años acabados en 0, algo más especial.

Hoy quisiera comentar la película de 1939, Ninotchka, del genial director berlinés Ernst Lubitsch, que este año hace 70 que vió la luz.

La película arranca con la llegada de tres representantes de la URSS a la hermosa ciudad de París con el propósito de vender las joyas de una duquesa que, huyendo de la revolución, las dejó en tierras rusas. Enterada de la noticia, la duquesa envía a su vividor amante, el conde d'Algou, para evitar esa venta. El conde traba amistad facilmente con los tres rusos derrochando carisma e ingenio y evita la venta de las joyas. Los tres rusos, asombrados por el propio conde, y los lujos que presenta la capital francesa, se rinde a sus deseos y comienza a vivir el día a día en la ciudad de un modo "muy poco" comunista. Al pasar los días, y no recibir noticias de la misión de los tres enviados, Moscú envía a un nuevo enviado a París para averiguar el paradero de las joyas y los tres elementos. El enviado no es ni más ni menos que una joven y seria comunista convencida que se hace cargo de la misión y de cumplir el objetivo de la misma. Como no podía ser de otro modo, el conde d'Algou vuelve a repetir la misma jugada pero se enamora de la joven. Esta hace caso omiso de los intentos de conquista del conde, lo cual no hace más que atraer más y más a este. Dejándonos divertidos e inolvidables diálogos entre ambos, finalmente, Ninotchka se enamora del conde, pero una celosa duquesa consigue que Ninotchka vuelva a ser reclamada en Moscú, separando a la pareja. (Y ese no es el final)

Para el papel protagonista, Lubitsch contó con una de las estrellas del momento, Greta Garbo, la cual solía interpretar papeles dramáticos, por lo que su bello rostro acostumbraba a presentarse serio. En esta genial comedia, escrita entre otros por el inigualable Billy Wilder, la Garbo ríe. O al menos esa fue una de las frases que más populares hicieron a la película, ya que la famosa actriz no solo sonreía de mitad de la película hasta el final, sino que la primera vez que lo hace es con una sonora carcajada. Una risotada sincera, franca, como si llevase años guardada y esperase a la ocasión idónea para salir. Eso atrajo al público y a sus fans para ver tan inusual reacción de una de las divas del momento. Otro día os traeré un video en el que Buster Keaton también ríe.
El otro gran personaje de la película es el conde d'Algou, interpretado magistralmente por Melvyn Douglas, el cual es lo opuesto al personaje de Garbo y que al encontrarse con tal extraña y bella persona no puede sino enamorarse perdidamente.

La película es una clara crítica por parte de Wilder y Lubitsch del régimen soviético y como transformaba a las personas en seres más desgraciados o menos humanos. Claro reflejo de los 3 rusos que acaban encantados de los lujos de París, el cambio de personalidad de Ninotchka, o la increíble conversación de esta última y su compañera de piso hacia el final de la película sobre la ropa en París.

La película estuvo nominada a 4 Oscars, incluyendo Mejor Película y Mejor Actriz.

Como curiosidad, Bela Lugosi tiene un pequeño papel en la cinta.



@solocineclasico


domingo, 27 de diciembre de 2009

Películas-Años 60: Vencedores o vencidos (1961)


JUDGEMENT AT NÜREMBERG (10/10)


Al final de la Segunda Guerra Mundial, se llevaron a cabo los Jucios de Nuremberg, un conjunto de procesos judiciales en manos de las naciones aliadas vencedoras. En estos jucios se determinó y sancionó las responsabilidades de dirigentes, funcionarios y colaboradores del regimen nazi, juzgando ante todo los diferentes abusos cometidos en nombre del III Reich alemán a partir de Septiembre de 1939. Uno de esos procedimientos, el Juicio a los Jueces, tomó gran protagonismo pues en el banquillo de los acusados se encontraban justamente el aparato judicial nacionalsocialista encarnado en tres jueces populares de entonces y un médico encargado de las esterilizacones sanitarias. Fueron acusados principalmente de conspiración criminal, crímenes de guerra y crímenes contra la humanidad.

Stanley Kramer dirige entonces en 1961 Judgement at Nüremberg conocido, al menos en Argentina, con el nombre de Vencedores o vencidos donde se recrea en casi 3 horas de duración este juicio en particular. Con un reparto prodigioso que cuenta con nombres tales como Burt Lancaster, Spencer Tracy, Judy Garland y Marlene Dietrich entre otros grandes, El juicio de Nüremberg es sin dudas la mejor película sobre el holocausto que he visto en mi vida. Es que este film escrito por Abby Mann, quien ganó un Oscar por el mismo, no se queda en el mero formalismo de presentar los hechos recreativos del juicio en sí, no se enfrasca en la típica pregunta sobre si los reos son o no culpables- que es lo que en principio parece apuntar el film. En una infinidad de exposiciones alternativamente llevadas por las voces del fiscal, los testigos, el abogado defensor o el mismo Juez interpretado por Spencer Tracy, estamos constantemente ante innumerables cuestionamientos sobre lo que es justo o no, qué acciones definen realmente al hombre, qué es una dictadura, qué es el miedo, qué es ser humano. Un film altamente filoso y filosófico que como quien dice no deja títere con cabeza y apunta desde lo particular al gran interrogante universal sobre los derechos humanos y los crímenes. Parlamentos y juicios de valor que podrían perfectamente ser aplicados a cualquier dictadura histórica y mundial, parlamentos llenos de interrogantes morales y éticos sobre las acciones de los hombres, que en definitiva son las que lo definen.
La película, de una ambientación casi teatral, fue posteriormente llevada a las gradas con algunos de los actores del film, entre ellos el ganador del Oscar al mejor actor Maximilian Schell , quien interpreta a Hans Rolfe, abogado defensor de Ernst Janning (uno de los jueces más valorados de la época Nazi) interpretado asi mismo por un genial Burt Lancaster. Schell, curiosamente interpretó a Janning en la obra teatral que también tuvo tanto éxito como el film. Un actor que si bien está excelentemente acompañado por todos en esta obra maravillosa del cine clásico, diría sin exagerar que se lleva el film a cuestas. Su interpretación deja sin aliento y uno no puede menos que verse seducido por algunas partes de sus monólogos, algunos de los más punzantes del film. Seguido a este, tenemos un Montgomery Clift encarnando a Petersen, un testigo del juicio que cuenta sus experiencias personales cuando se le impuso la esterilización aún sin ser judío. Su interpretación es brillante y provoca lágrimas sin ponerse sobreactuado y melodramático.
El guión además nos deja entrever las repercusiones que este enjuiciamiento tuvo en el pueblo alemán- donde obviamente el film fue tibiamente recibido- y no sólo eso, nos muestra con apenas dos escenas, cómo este hecho también era polémico dentro de las mismas fuerzas americanas que se encontraban en una posición difícil ante la inminente guerra fría: si habían de necesitar el apoyo alemán para poder enfrentar a Rusia...¿cómo habrían de enjuiciarlos en su propia tierra?.
Sobre el film se podría decir mucho, realmente mucho, pero los invito a que la vean porque no bastarían palabras para describir ese magnífico contenido. Un film lleno de escenas y líneas memorables, con un final que deja perplejo y del que difícilmente se pueda uno olvidar tras su visionado. Crudo, pues entremezcla escenas reales de la época con las del film, irreprochablemente prolija y con una fotografía deslumbrante.
El juicio de Nüremberg es sin duda alguna, el juicio a la humanidad toda.

A continuación el genial Spencer Tracy pronunciando el veredicto final. Si bien sería considerado spoiler no hace a la ruina del film verlo, se los recomiendo porque son palabras profundas.




Aquí podéis ver la Película Completa:


@solocineclasico

domingo, 20 de diciembre de 2009

Jennifer Jones no ha muerto!!!

Exacto. Muchos sabréis ya que hace unos días la legendaria actriz Jennifer Jones falleció en su residencia de California. Es un hecho innegable, pero ¿de verdad ha muerto?, ¿en serio lo creéis? ¿Cuándo muere realmente un actor?, ¿cuándo su cuerpo deja de funcionar, deja de luchar y rindiéndose expira? o ¿cuándo finaliza su última actuación delante de una cámara? Es decir, la última vez que alguien dijo "¡Corten!" y estaba en frente de una cámara. Podríamos hacer dos distinciones, una como actor y otra como persona. El actor muere cuando decide no hacer más cine, la persona muere cuando las fuerzas de su cuerpo le abandonan. ¿Cuándo murió realmente Jennifer Jones?

Pero... ¿y si en realidad un actor/actriz nunca muere? Y cuando digo actor/actriz también quisiera incluir a director, a guionista, a productor, a todas las personas relacionadas con un proyecto tan interesante y vivo como el que es una película. En tal caso, si aceptamos esta ajustada teoría como tal, podríamos asegurar que Jennifer Jones sigue viva en cada uno de los fotogramas de sus 27 películas.

Jones nació en 1919 en Oklahoma, en una familia perteneciente al mundo del espectáculo. Aunque probó suerte en Hollywood y consiguió un par de trabajos, decidió partir hacia Nueva York después de fallar en una prueba para la Paramount. Ya en NY, tuvo una prueba con el director David O. Selznick que sería el comienzo de una fuerte unión entre director y actriz. Se casarían más tarde en 1949 y estarían juntos hasta la muerte del director en 1965.

La primera gran película que protagonizaría Jones sería The Song of Bernadette, en 1943, de King Vidor, por la cual recibió su único Oscar. Con el paso de los años estuvo nominada cuatro veces más.

Jones fue una de las actrices más populares de la década de los 40 y 50, convirtiéndose en un gran reclamo para el público y siendo deseada por todos los director. Algunos de ellos fueron entre otros el gran Vittorio de Sicca, Vicente Minnelli, William Dieterle, William Wyler o John Houston.

Al morir Selznick su presencia en la gran pantalla fue disminuyendo considerablemente hasta su última película The Towering Inferno, en 1974. Después de eso se retiró oficiálmente.

Os pregunto ahora a vosotros: ¿murió después de 1974?, ¿murió hace unos días? ¿no ha muerto en realidad? La respuesta tiene más fuerza según lo que sintáis a lo que penséis, por lo que sentidlo y luego decidid.

Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

- The Song of Bernardette (1943) de Henry King (actualizado)
- Since You Went Away (1944) de John Cromwell
- Love Letters (1945) de William Dieterle
- Duel in the Sun (1946) de King Vidor y otros
- Love is a Many-Splendored Thing (1955) de Henry King
- Towering Inferno (1974) de John Guillermin e Irwin Allen

viernes, 11 de diciembre de 2009

Películas - Años 50: Doce hombres sin piedad (1957)


12 ANGRY MEN (10/10)

Puede que algunos no lo sepais, pero un servidor tiene una lista personal de las que a su juicio son las 5 mejores películas de la historia. Una de ella las comentamos aquí, Ciudadano Kane, hay tres que no comprenden los años del cine clásico, así que solo queda una. 12 Angry Men.
Hablar de 12 hombres sin piedad es hablar de autentico cine. Aunque podría tratarse de una obra de teatro, presenta una historia tan fascinante y bien construida que permite su reproducción en un mismo escenario durante toda la película, lo que aporta un toque agobiente tremendo.

En toda película de juicios nos encontramos a los de siempre: el acusado (inocente o culpable), el abogado (con discurso final moralista perfecto para lucirse), el fiscal (tipo duro y grandilocuente que solo quiere ver cumplida la ley), el juez (un canoso señor aburrido que acabará aportando la guinda al pastel), los testigos sorpresa (a los cuales el abogado se come con patatas) o incluso el ujier (que llegados al climax de la película tendrá que sujetar al acusado cuando se levante a protestar)
Siempre es lo mismo amigos, siempre. Pero la película de Sidney Lumet presenta una diferencia, sus protagonistas van a ser unos personajes presentes en casi todas las películas de juicios pero a los que se les da casi menos importancia que al público, el jurado.
12 Hombres sin Piedad es una caracterización de 12 tipos diferentes de personas que unidas presentan un fiel retrato de la sociedad. Sus temores, su seguridad, sus dudas, sus creencias, su forma de razonar o expresarse, ya sea mediante palabras o gestos, es un claro guiño a la más básica confrontación entre los seres humanos.


Veamos, la película trata del proceso de deliberación de los miembros del jurado de un juicio por homicidio. Al parecer, un chico de los bajos fondos ha asesinado a su padre con una navaja automática. De ellos depende la sentencia, y en el caso de que unanimamente decidan declararle culpable, el destino del chavál sería la silla eléctrica. En un principio, la mayor parte de los miembros del jurado ven al chico culpable y comienzan votando a mano alzada. Todos levantan la mano excepto uno. El número ocho (Henry Fonda), que pide a los demás que lo hablen, ya que es la vida del muchacho la que está en juego y deberían tomarse más en serio lo que están a punto de hacer. No sabe si el muchacho es culpable o inocente, ya que en realidad, eso solo lo saben el chico y el fiambre. Otra cosa es lo que él o ellos crean, y él no lo sabe. Aquí comienza una lucha en solitario del número ocho tratando de convencer al resto de los miembros de los fallos de la defensa o las lagunas del propio juicio.

Al igual que Robert Mulligan con Matar a un Ruiseñor, 12 hombres sin piedad fue dirigida por un joven sin experiencia en el cine pero si en el teatro y en la televisión, Sidney Lumet, que lograría la primera de sus 4 nominaciones como mejor director con esta película, su opera prima. Aunque sin experiencia práctica en el mundo del cine, Lumet si estaba empapado de cine y televisión, y conocía ese mundo. Aportó además movimientos de cámaras pocos frecuentes en aquella época que dieron un toque muy elegante y en ocasiones dramático a la escena en cuestión.
Además contó con la superestrella, Henry Fonda, que además participó como productor (o a saber si fue al revés) y con secundarios de lujos o que a la larga se convertirían en tal, como Lee J. Cobb, que está a la altura de Fonda en todo momento; Martin Balsam o E.G. Marshall.

En la wiki, he encontrado un análisis genial de los personajes y lo que les caracteriza en comparación al resto.

Miembro 1: Un hombre común, impresionado y presionado con la responsabilidad que el estado ha colocado sobre sus hombros al nombrarlo presidente del jurado, trata de ser muy formal y respetuoso, y aunque no es muy brillante, se da a respetar.
Miembro 2: Hombre tímido y sin personalidad definida, duda constantemente y esto hace difícil que mantenga una opinión propia, se le persuade fácilmente por lo que su opinión será casi siempre la misma que la de la última persona que ha hablado.
Miembro 3: Es muy fuerte, rudo y testarudo hasta caer en lo sádico, es malhumorado y no le gusta escuchar otra opinión distinta a la de él, está acostumbrado a imponer su forma de pensar sin importar las consecuencias.
Miembro 4: Hombre de buena posición económica, se desenvuelve y habla con elegancia, es muy analítico y cuadrado hasta cierto punto, su suerte en los negocios hace que se sienta en ocasiones superior a los demás.ç
Miembro 5: Un hombre gris, tímido y callado, de estrato social bajo acostumbrado a cumplir con las normas de la sociedad para la que labora, le cuesta trabajo relacionarse con la gente, su falta de personalidad provoca que le falten al respeto.
Miembro 6: Hombre fuerte, honesto práctico y trabajador, suele cumplir con su trabajo sin meterse en problemas, por lo que siempre se atiene a los hechos, no soporta a la gente irrespetuosa y grosera.


Miembro 7 : Fanfarrón, presumido, altanero pero agradable vendedor, tiene cosas más importantes que hacer que sentarse a deliberar en una sala de jurados, es de temperamento explosivo y siempre está seguro de lo que dice aunque en realidad es tan inculto que no sabe en realidad de lo que está hablando.
Miembro 8: Callado y analítico, siempre trata de ver el otro lado de la moneda, es de valores arraigados por lo que valora mucho la importancia de la vida, cree firmemente en la justicia y tratará de luchar siempre para conseguir que se cumpla.
Miembro 9:Hombre de la tercera edad, vive de sus recuerdos y parece que sólo se mantiene con vida para no olvidarlos, en su juventud fue un hombre de ideales por los que luchaba hasta con el físico y su fuerza, hoy sólo puede luchar con la experiencia ya que su cuerpo cansado no le permite más.
Miembro 10: Un hombre amargado y molesto con la vida, es racista e intolerante, sólo valora su vida y no respeta credo, sexo o edad, es un hombre frustrado que sabe que nunca será un hombre importante, por lo que se desquita con los más débiles.
Miembro 11: Refugiado europeo, habla con acento, es humilde y está agradecido con el país que le abrió las puertas, no tolera la injusticia y los malos tratos ya que él padeció esto durante la guerra, por lo que siempre está dispuesto a conversar con tal de alcanzar un acuerdo justo.
Miembro 12: Joven publicista, ingenioso y agradable, ve a la personas como números, estadísticas y porcentajes por lo que no es fácil que entienda el lado humano de las cosas, es arrastrado por la vida y el mundo superficial de las agencias de publicidad, aunque en el fondo es un buen tipo.

La película abarca varios temas, y entre ellos yo destacaría el de objetividad que se supone ha de tener un jurado o un juez en un juicio, el evitar mezclar lo personal. El personaje de Henry Fonda es objetivo en todo momento, no dice que el chico sea culpable, pero tampoco inocente. Unicamente quiere que debatan el juicio, ya que el cree que no ha sido todo lo justo o correcto que debería haber sido. El personaje de Lee J. Cobb, al contrario, toma como personal el juicio, identificando al chico con su propio hijo y al padre asesinado como a el mismo al abandonarle su hijo.


Para ir acabando, en mi opinión hay tres tipos de películas: Las películas normales (que pueden gustar o no y que no son precisamente obras maestras); las grandes películas (que según los expertos y entendidos son obras maestras pero que no gustan a todos); y las obras maestras (aquellas que unen a crítica y público, esas son las grandes películas, ya que su mensaje es universal). El cine de Chaplin, por ejemplo, lo era; al igual que películas como El Padrino, Ciudadano Kane o La Lista de Schindler.

12 Hombres sin Piedad. Obra Maestra.

Aquí podéis ver la Película Completa:

@solocineclasico

lunes, 7 de diciembre de 2009

Figuras del Cine Clásico: Alice Guy


LA PRIMERA MUJER QUE SE ATREVIÓ A HACER CINE


Asistió a una proyección privada que los Lumière organizaron para profesionales y amigos. Fue en marzo 1895, meses antes de que los célebres hermanos revolucionaran el mundo con sus documentales. Sentada ante la pantalla, la joven Alice Guy tuvo claro que quería hacer películas. Se plantó ante su jefe, León Gaumont, y le convenció para que su empresa de fotografía se dedicara también a la imagen en movimiento. Poco después aquella secretaria se convirtió en la primera directora de la historia del cine.
En 1897 era jefa de producción de la compañía francesa. Rodó documentales e introdujo la ficción en sus películas. En 1905 viajó a España para filmar producciones sonoras en castellano. Aquellos primeros filmes rodados por una mujer en España son ahora rescatados en el libro 'La estaciones perdidas del cine mudo en Málaga' (Diputación de Málaga), que firma el periodista de SUR y especialista cinematográfico Francisco Griñán. «Aquellas primeras películas apenas han sido investigadas desde nuestro país porque fueron realizadas por una mujer y su figura se ha difuminado con el paso del tiempo». A juicio de Griñán, Alice Guy es una de esas mujeres incansable a las que la historia le ha negado el reconocimiento.
Su espíritu innovador y experimental le permitió dirigir cerca de un centenar de películas sonoras con el sistema 'cronophone', más de dos décadas antes de que las películas hablaran oficialmente. Como jefa de producción imprimió un sello visual a las producciones de Gaumont, donde hizo escuela al formar a una serie de cineastas. Una huella que después llevó a EE UU donde fundó su propia productora, Solax, y se convirtió en la primera mujer que dirigía un estudio cinematográfico.
España también figuró en el mapa profesional de esta cineasta, que pudo desenvolverse con el idioma ya que de pequeña pasó algunos años en Chile. El libro reconstruye el recorrido de Alice Guy, que llegó a Barcelona para rodar zarzuelas para el catálogo de Gaumont. «Aprovechó el viaje para filmar documentales, las típicas vistas de la época, y recogió imágenes del Monasterio de Montserrat, la bulliciosa Puerta del Sol de Madrid, la Mezquita de Córdoba, el Guadalquivir a su paso por la Torre del Oro de Sevilla o los gitanos del Sacromonte de Granada».
En la capital hispalense también filmó unas curiosas películas de danzas españolas, entre las que figuraba 'La malagueña y el torero', que fue coloreada a mano. «Muestra imágenes curiosas ya que el torero aparece luciendo un imposible capote verde», señala el autor del estudio.

También un documental
Junto a los filmes de Guy, el libro, que se completa con la edición de un documental que pone imágenes a muchas de estas películas, rescata otras 34 producciones documentales y de ficción de la época muda, como la serie 'Danses espagnoles', rodadas en los Reales Alcázares de Sevilla en 1898 por un operador de los Lumière, o la desconocida 'Un día por Málaga' (1913-16), documental del catalán José Gaspar cuyas imágenes originales están siendo restauradas por la Filmoteca de Andalucía.


TOMAS GARCIA YEBRA - MADRID
El artículo está sacado del Diario Digital El Sur de Málaga

domingo, 6 de diciembre de 2009

Películas - Años 50: Senderos de Gloria (1957)


PATHS OF GLORY (10/10)

No permitáis que la ambición se burle del esfuerzo útil de ellos.
De sus sencillas alegrías y oscuro destino;
Ni que la grandeza escuche, con desdeñosa sonrisa
los cortos y sencillos hechos de los pobres.
El alarde de la heráldica, la pompa del poder y
todo el esplendor toda la abundancia que da,
espera igual que lo hace la hora inevitable.  
los senderos de gloria no conducen sino a la tumba.
Thomas Gray (1716 - 1771)

La guerra. Resulta inevitable encontrarse con algún tipo de enfrentamiento, combate, campaña bélica, etc., a la hora de estudiar la historia. La guerra ha tenido una influencia directa durante toda nuestra historia para bien o para mal. El comercio, nuevos descubrimientos, avances tecnológicos, literatura, arte, todo ello relacionado con la guerra. Para entender a la sociedad del momento, hay que irse hasta la guerra de turno y ver como se actuó en la misma. Estudiar la Primera Guerra Mundial permite entender a las grandes potencias de principios del siglo XX, la influencia que venían arrastrando del siglo pasado, y las consecuencias posteriores. La película que os traigo hoy responde a más preguntas que, posiblemente, ninguna otra película bélica basada en la Primera Guerra Mundial. Y para empezar la crítica, he querido dejaros el contundente poema que inspiró a Humphrey Cobb para el título de su novela Paths of Glory (1935), escrita a partir de sus vivencias en el frente. Dicha novela no estaría exenta de polémica desde su publicación. A diferencia de otras novelas anti-bélicas del momento, Cobb fue uno de los primeros que atacó directamente, y sin adornos, a uno de los principales responsables de las terribles carnicerías producidas durante la guerra, el alto mando militar.
Años más tarde, un joven director neoyorkino llamado Stanley Kubrick adaptó la novela de Cobb a la gran pantalla con la ayuda de Calder Willingham y Jim Thompson, atraido por la historia de la ejecución de unos soldados escogidos al azar de todo un batallón para dar un escarmiento al mismo por "cobardía" en el campo de batalla.
Una vez terminado el guión, bastante fiel a la novela, Kubrick vio como todas las productoras rechazaban el proyecto. Incluso en un principio la United Artits declinó la posibilidad de trabajar con un material tan incendiario. Atraco Perfecto, la anterior película de Kubrick les había hecho perder unos 150000 dólares, y pesar de las buenas críticas recibidas, la productora no veía claro acometer un riesgo tan grande con un director que no les daba una mayor garantía de éxito. Sería gracias a la fuerte apuesta de Kirk Douglas, por el guión de Kubrick, que el proyecto saldría adelante, tras influir directamente en la United. 
 Francia, 1916. La historia cuenta el fallido ataque de una división francesa a una posición estratégica de los alemanes durante la Primera Guerra Mundial. El número de efectivos y el equipo táctico no es el adecuado para dicha operación, pero el mando lo tolera y permite la misma, firmando la segura sentencia de muerte de miles de soldados. En cuanto las primeras oleadas de hombres caen fulminados en mitad de tierra de nadie, el resto de los soldados permanecen en la trinchera sin avanzar. El General al mando decide dar un escarmiento a sus soldados y obliga a sus oficiales a que escogan a un hombre de cada una de las tres compañías como chivos expiatorios para ser fusilados. A partir de aquí comienza un juicio sumarísimo en el que el ejército juzga a estos tres hombres por cobardía, mientras que el coronel que dirigía a las tropas durante la carga, solicita encargarse de la fútil defensa de los soldados, condenados antes de comenzar el juicio. 
En la gran mayoría de las películas bélicas nos encontramos con un claro mensaje antibélico dibujado por los horrores de la guerra, el sufrimiento de las personas que se ven afectadas por la misma, etc. Senderos de Gloria no es la excepción, pero va más allá. La principal intención de Kubrick en este film es denunciar el poder megalómano, cruel y endiosado de parte del alto mando militar, responsable directo de las ingentes cifras de bajas humanas por la utilización de unas tácticas y un tipo de guerra absurdo. Miles de hombres que mueren por unos pocos metros de fango en apenas minutos, y que en ocasiones no tienen la preparación o el equipamiento necesario. Ideales conservadores en su vertiente más negativa como el orgullo, el honor, el prestigio, ciegan a estos militares que no ven las vidas que tienen en sus manos, sino el renombre que alcanzarán al tomar una colina cualquiera. De la misma manera, esta ceguera impide reconocer cualquier tipo de error o alternativa a sus acciones. Si se toma la colina, es gracias a él. Si la colina no se toma, es por culpa de los soldados, que influidos por el miedo, fueron incapaces de continuar. Esto se traduce en el juicio posterior a tres soldados escogidos al azar. El planteamiento del Coronel Dax, interpretado magistralmente por Kirk Douglas, es claro. La injusticia por la elección de esos hombres, y la culpabilidad del alto mando al plantear una misión imposible.
Esta cinta, junto a Atraco Perfecto y Espartaco, muestras a la perfección el cine de Kubrick en su etapa inicial. Un director correcto, muy técnico, pero que da una gran importancia al guión ante una clara falta de medios a causa de un presupuesto limitado. Elegantes movimientos de cámara, soberbio trabajo de fotografía por parte del alemán Georg Krause, el exhaustivo control de todas y cada una de las facetas del rodaje por parte de su director, la continua repetición de tomas a los actores, características propias del Kubrick que todos conocemos. La película se rodó en Baviera, ante las negativas por parte de EEUU y Francia de permitir su filmación. Vino acompañada, además, de una fuerte polémica desde su estreno en Europa, sobretodo en Francia y Bélgica, países donde hubo protestas por como retrataban al ejército francés de cobarde y déspota, al ver a sus soldados huyendo y a sus oficiales presenciando la retirada de sus hombres desde un castillo a distancia. La libertad es una cosa, y la insubordinación es otra, o sus hombres han muerto muy bien fueron frases que no sentaron muy bien, ya que fueron identificadas con los altos mandos franceses, que instaron al gobierno de aquel momento a que no estrenasen la película en el país galo.
Como curiosidad, y en referencia al majestuoso final de la cinta, en la cantina de los soldados, con una civil alemana cantando El Husar Fiel, su protagonista, la actriz Christiane Harlan, acabaría siendo la esposa de Kubrick.
Pero 1957 sería el año de El Puente sobre el ríoKwai (David Lean, 1957), genial cinta bélica que refleja de mejor manera el sentimiento bélico de la época, alejado de cualquier tipo de polémica o malestar. Sin embargo, la película ha ganado crédito con el paso de los años. Una mayor transigencia por parte de crítica y público, unido a la revalorización del cine de Kubrick tiempo después con sus principales películas, han colocado a esta cinta en el lugar que merece, como una de las mejores películas de todos los tiempos, y si me lo permitís, como mi película clásica favorita. Una bendita e imprescindible obra maestra.

Ver la película online aquí:


@solocineclasico

lunes, 9 de noviembre de 2009

Chicas del Cine Mudo: Pola Negri (1894-1987)


LA PRIMERA EUROPEA "MADE IN HOLLYWOOD
"


Penélope Cruz, Marion Cotillard, Diane Kruger, Monica Belluci, Paz Vega, sin mencionar a las actrices británicas, son solo algunos de los nombres de actrices europeas que siendo famosas en sus respectivos países, dieron el salto a Hollywood con éxito. Yo mencionó a las de mi generación, mis padres a los de la suya, mis abuelos lo mismo, pero si tenemos que remontarnos a la primera, tendríamos que detenernos en Pola Negri.

De verdadero nombre, Barbara Apolonia Chalupiec, Negri fue la primera europea en triunfar en EEUU, más concretamente en el cine mudo, donde su fuerte acento polaco no era impedimento alguno en sus películas. Pero empecemos por el principio.
Pola Negri nació en Polonia en 1894 en una familia bastante pobre. Su padre fue arrestado por el ejército ruso y enviado a Siberia. Su madre y ella se trasladaron a Varsobia, donde Barbara comenzó a estudiar danza, aunque la tuberculosis frenó su carrera como bailarina.
Esta época de su vida es un poco incierta, ya que después de dejar la danza se preparó como actriz con uno de los mejores profesores de Polonia, pero supuestamente su familia vivía en las más absoluta pobreza...
El caso es que comenzó a hacerse un hueco en panorama artístico de su país, por lo que cambió su nombre a Pola Negri por la poeta italiana Ada Negri. Durante su época en Polonia actuó en películas como The Wife (Zona), The Beast (Bestia) o Students (Studenci).

En 1917 se traslada a Berlín = ) donde trabaja con directores de la talla de Max Reinhardt o Ernst Lubitsch. De esa época destacan películas como Die Augen der Mumie Ma, que se convierten en éxitos en el mundo entero, por lo que los estudios de Hollywood le ofrecen un contrato.
No se lo pensó dos veces. En América, Pola Negri se convirtió en una de las mayores divas de la estratosfera por su sensualidad, porte, estilo y glamour, completamente diferente al de las chicas americanas. Allí tuvo aventuras con Charles Chaplin (en la foto) y Rodolfo Valentino.
Fue tras la muerte de este último cuando se desató la "polémica", al anunciar Negri que Valentino y ella tenían planes de matrimonio. La actriz siguió el féretro en su viaje de Los Ángeles a Nueva York, luciendo en todas las paradas de tren para la prensa como si de su viuda se tratase. En numerosas ocasiones sufrió de "repentinos" desmayos en frente de las cámaras. Esto atrajo a la prensa, aunque amigos cercanos del actor aseguraron que esos planes de boda eran un engaño por parte de la Negri. La actriz Tallulah Bankhead fue de las que más criticó a Negri, en contraposición con Mary Pickford o Alberto Valentino.

Con la llegada del cine sonoro, la carrera de Negri entró en un punto crítico, ya que el fuerte acento polaco de la actriz no era del agrado del público.
Esto, y el perder toda su fortuna en el crack de la bolsa en 1929, la hicieron volver a Europa. Allí trabajó sobretodo en Reino Unido y Alemania, donde trabajó con Goebbels. En 1935, la película Mazurka, del director Willi Forst, se convirtió en todo un éxito, llegando a convertirse en una de las películas favoritas de Hitler. Uno de los rumores de la época es que Negri y Hitler mantuvieron una relación sentimental...
En 1938 se marchó de Alemania debido a su descendencia judía-polaca. Durante los siguientes años vivió entre Francia, Nueva York o Portugal, hasta que se estableció finalmente en Estados Unidos, donde se estableció finalmente para vivir junto a su compañera, Margaret West.
En 1951 fue nacionaliza estadounidense.

Pola Negri fue de las principales candidatas para el papel de Norma Desmond en el clásico Sunset Boulevard, ya que ella era un vivo retrato del personaje de Desmond. Los últimos años de su vida vivió rodeada de misterio y con los ecos de su nombre perdidos. En una entrevista, Wilder afirmó que Negri se puso histérica y furiosa cuando este le sugirió la posibilidad de que ella interpretase a Norma Desmond.


Aunque sufría de un tumor cerebral, el 1 de Agosto de 1987, Pola Negri murió a causa de una neumonía a la edad de 90 años.


Solo Cine Clásico recomienda sus siguientes películas:

Niewolnica zmyslów (1914) de Ryszard Ordynski
Die Augen der Mumie Ma (1918) de Ernest Lubitsch
Hotel Imperial (1927) de Mauritz Stiller
Mazurka (1935) de Willi Frost
The Moon-Spinners (1964) de James Neilson

jueves, 22 de octubre de 2009

Johnny Depp vs Chaplin, Keaton y Arbuckle.

Estamos un poco vaguetes, así que hoy os tendreís que conformar con un único pero divertido video. Os traigo una de las mejores escenas de la película Benny y Joon, protagonizada por Johnny Deep, en la que interpreta a un joven analfabeto que adora el cine clásico, en especial a Buster Keaton.
La escena en cuestión ocurre en una cafeteria y es un claro homenaje al conocido número de los panes de Chaplin en "The Gold Rush", aunque el gag en realidad fue obra de Arbuckle en Rough House, de 1917, corto coprotagonizado junto a Keaton, pero esto en realidad es solo tema para un "curioso" debate...




Aquí otro vídeo en el que Deep da su opinión sobre este gag, y en concreto del modo en que lo realiza Chaplin.

P.D.: Al final del vídeo hace aparición una por entonces poco conocida actriz que ha día de hoy se ha convertido en una de las mejores del panorama internacional.

domingo, 18 de octubre de 2009

Los Simpson en el Cine Clásico... Los Diez Mandamientos


LOS DIEZ MANDAMIENTOS /
HOMER CONTRA LISA Y EL OCTAVO MANDAMIENTO (2X13)



La última película del gran Cecil B De Mille es, sin duda alguna, una de las más recordadas y queridas de su carrera.
Con un jovencísimo, pero conocido, Charlton Heston, en el papel de Moises, y con un reparto plagado de estrellas como Yul Brynner, Anne Baxter o Edward G Robinson, Los Diez Mandamientos es seguramente la película de temática bíblica mas impresionante jamas rodada, aunque ya en 1923, De Mille había rodado la misma historia aunque con un presupuesto y medios completamentes inferiores.




miércoles, 14 de octubre de 2009

Charlot, Keaton, Fatty, Lauren y Hardy, en el mismo corto!

Hasta hoy no sabía de la existencia de este interesante corto titulado Golf Antics, y que es un conjunto de historias cortas de varios personajes jugando al golf. La principal característica que les une es que son las principales estrellas humorísticas del cine mudo. Buster Keaton, Charles Chaplin, Roscoe "Fatty" Arbuckle, Lauren y Hardy, Larry Semon y "Dizzy" Daniels, compartiendo 8 minutos de metraje y protagonizando distintas escenas usando cada uno su propio estilo.

sábado, 10 de octubre de 2009

Películas - Años 20: El Navegante


THE NAVIGATOR (8,5/10)


En 1924, Buster Keaton ya se ha hecho un nombre en el mundillo de Hollywood. Como os comenté la semana pasada, ya era lo suficientemente conocido como para poder dar un rueda de prensa en la que defendía la inocencia de su amigo Roscoe Arbuckle.
Dos de las siete mejores películas de Keaton ya habían visto la luz, Our Hospitality y Sherlock Holmes Jr., y ahora le tocaba a The Navigator, traducido en España como El Navegante.
Rollo Treadway (Buster Keaton) es un joven millionario, bastante inútil, enamorado de su vecina, Betsy O´Brien (Katherine McGuire), que decide casarse con esta organizando todos los planes de la boda (incluyendo la luna de miel en un crucero), dejando para último lugar el preguntar a la chica si lo querré en la salud y la enfermedad, etc...
La chica dice que no.
Ante tal situación, Rollo decide partir el solo en el crucero para intentar superar la pérdida, pero este sale demasiado temprano, así que decide embarcar esa misma noche para no tener que madrugar. Al mismo tiempo, el padre de la vecina y ella misma van al embarcadero y descubren que un grupo de espías enemigos están soltando su barco para que este encalle. En medio de toda esta confusión, llega Rollo que se equivoca de barco y se mete en el del padre de su vecina. A este le tiran por la borda pero la chica se queda sola en el barco... un momento, ¿sola?, no, amigos, no. Rollo también va en el barco. Buster y la chica solos en un barco enorme a la deriva. Aquí comienza la película.


En El Navegante encontramos algunos de los mejores trucos y recursos cinematográficos de Keaton, como la sincronización de movimientos junto a Katherine McGuire; la situaciones desesperantes en las que ríes por no llorar; el modelo de héroe de Keaton, un joven tímido e inseguro que debido a las circunstancias a las que se enfrenta acaba madurando, siendo considerado un héroe y consiguiendo a la chica de la que está enamorado. Además de alguno de los momentos más inolvidables de su carrera cinematográfica como el paseo de la casa de Betsy a la suya; la frenética carrera de Buster y Katherine por el barco intentando encontrarse; la parte del traje de buzo y la posterior inmersión; la batalla a cohetes con los caníbales; y el inesperado final!

En esta película, Keaton ya tenía el control de total de la misma, ya que co-dirigía junto a Donald Crips, la producía, la escribía y la protagonizaba. Esto demuestra lo elevado de la posición de Keaton en aquel momento.
La película tuvo una buena acogida ante el público, pero la crítica no la aplaudió tanto, destacando el nota de prensa de Variety que decía: "La película de Keaton es irregular. Es decir, es a la vez banal y original, lo suficiente para hacer reír al espectador..." Aunque, eso sí, la revista aplaudía la mítica escena del traje de buzo.

Aquí podéis ver la película completa:


@solocineclasico

miércoles, 7 de octubre de 2009

Los Simpson en el Cine Clásico...

Curiosa viñeta sacada de un comic de Los Simpson. En la parte inferior reconocemos de derecha a izquierda a Charles Chaplin, Fatty Arbuckle y a Buster Keaton.

domingo, 4 de octubre de 2009

Figuras del Cine Clásico: Roscoe Arbuckle


FATTY ARBUCKLE
"EL PRIMER GRAN ESCÁNDALO DE HOLLYWOOD"



El nombre de la actriz de cine mudo Virginia Rappe pasaría a la historia, no por su deslumbrante carrera, o sus inicios en el mundo del celuloide. Todo lo contrario, por el final de esta, o lo que fue también el fin de su propia vida, aunque pocas cosas no escabrosas hay que destacar de su vida... tantas como de su filmografía.
El 9 de septiembre moriría en San Francisco a causa de una peritonitis. Las causas de estas, jamás lo sabremos, hay varias hipotesis, y una de ellas, llevada a acusación acabó con la carrera de Roscoe "Fatty" Arbuckle... pero, ¿de quién estamos hablando?
Remontémonos 34 años antes de la muerte de la joven Rappe (curioso apellido, ya veréis)

Roscoe Arbuckle nació en Smith Center, Kansas, aunque se trasladó a California, donde estaba emergiendo Hollywood, la nueva meca del cine. Aunque tenía experiencia de haber trabajado en el vodevil, e incluso tener el sobrenombre artístico de "Fatty" (debido a sus proporciones), en un principio, Roscoe se ganaba la vida como fontanero, hasta que un joven director de origen irlandes llamado Mack Sennet, que acababa de fundar la Keystones Kops, le ofreció trabajar en sus películas. A base de divertidas comedias con el sello característico de Sennet, alocadas carreras de coches, o batallas de tartas en las conocidísimas películas de Fatty and Mabel, donde compartía cartel con Mabel Normand, mujer de Sennet, Roscoe se dio a conocer al mundo entero.


Fue de esta unión donde surgió el conocidísimo "gag" del lanzamiento de tartas, el que todos hemos visto alguna vez en el que alguién arroja un pastel a la cara de alguien. Al parecer, a Arbuckle se le ocurrió la idea mientras estaban haciendo un picnic en El Paso, Texas, cuando se encontraron a los hombres de Pancho Villa en Rio Grande y empezaron a lanzarse frutas unos a otros. Cuando Arbuckle derribó a uno de esos hombres con un manojo de plátanos, estalló una sonora carcajada del propio Pancho Villa.

En 1916 ya era tan celebre como el mismísimo Charles Chaplin, por lo que la Paramount le ofreció un contrato, en el que se le garantizaba el control total de sus películas, además de crear la Comique Film Corporation exclusicamente para él, acontecimiento único en la época.

En 1917, presentó al mundo al que sería uno de los cómicos más grandes de la historia, Buster Keaton, con el corto The Butcher Boy. A raiz de esto, ambos artistas entablaron una larga amistad.

Los que conocieron en vida a Fatty, le consideraban un tipo altamente bromista con una personalidad fuerte y a veces complicada. En su vida tenía dos placeres, el alcohol y las mujeres, y le gustaba disfrutar de ambos en grandes cantidades, algo que se podía permitir perfectamente.

Cuando Arbuckle estaba en lo más alto de su carrera, decidió tomarse un merecido descanso, por lo que se fue a San Francisco junto a sus amigos Lowell Sherman y Fred Fishbach, registrándose en el hotel Saint Francis y alquilando las habitaciones 1219, 1220 y 1221. Lo que voy a narrar a continuación es un registro de distintas versiones que nunca podremos corroborar, pero dos cosas antes que nada. Uno, una chica llamada Virgina Rappe murió en aquel hotel; y dos, a pesar de haber sido acusado de la muerte de la chica, Roscoe fue declarado inocente.

Septiembre de 1921
Lo que supuestamente pasó:
Organizaron una fiesta, llamaron a un montón de chicas, compraron cantidades ingentes de alcohol y comenzó la juerga, juerga que se desmadró hasta alcanzar unos límites propios en los dorados años veinte.
A los dos días de haber comenzado la fiesta, Virgina Rappe se unió a la fiesta. Rappe era una joven actriz que había intervenido en películas de poca monta y como muchas en aquella época, tenía que buscarse algún papel en la cama de algún productor. Al llegar a la fiesta, Roscoe le recibió en pijama, lo que provocó las acusaciones de que el actor caminaba semidesnudo por los pasillos del hotel. Virginia empezó a ingerir grandes cantidades de alcohol, por lo que tuvo que ir al lavabo para vomitar. Arbuckle presenció la escena, por lo que fue detrás de la chica, encerrandose ambos en el baño durante 15 minutos. A las pocas horas, Rappe cayó gravemente enferma, siendo examinada por el doctor del hotel, el cual dictaminó que, probablemente, la mujer había sido intoxicada. Murió tres días después de peritonitis, causada por perforación de la vejiga. Dias más tarde, Roscoe fue acusado por una de las chicas que estuvo presente en la fiesta.
Lo que muchos medios de comunicación especularon, especialmente los de William Randolph Hearst, el pasivo protagonista de la maravillosa Ciudadano Kane de Orson Welles, fue que la chica había sido violada por Roscoe durante aquellos 15 minutos en los que estuvieron encerrados en el baño. Una de las versiones más escabrosas aseguran que ante la impotencia de Roscoe de no poder penetrar a Virginia, debido a sus 120 kilos de peso y a su algo grado de embriaguez, hizo uso de una botella de Coca-Cola, violándola y perdorandole la vejiga. Otros hablan de una botella de vino o un trozo afilado de hielo.
Cuando los médicos llegaron a la habitación, encontraron a Virginia en una tina con agua fria, donde había sido colocada en un desesperado intento por reanimarla. Arbuckle había colocado un pedazo de hielo a la altura de la vagina de Rappe, lo que le valió la acusación de haberla penetrado con un objeto puntiagudo de esa misma sustancia.

Roscoe fue llevado a juicio, el cual fue seguido por todo el pais y manipulado en muchos casos por los medios de comunicación en un claro intento de vender más y más y más...
Durante dicho juicio se probó que los daños en la vegija de Virgina podían haber sido consecuencia de un aborto practicado poco antes, y agravados como consecuencia de la gran cantidad de alcohol ingerido mezclado con medicamentos.
La figura de Virgina fue muy idealizada por los medios y por el fiscal durante el juicio, pero detalels que se obviaron fueron que esta chica había abortado, mínimo tres veces, se había prostituido o que había contagiado de sífilis colectiva a varios miembros de los estudios de Mack Sennet, aunque todo esto fueron rumores.

Aunque salió impune del juicio, la carrera y vida de Roscoe estaban acabadas. Hollywood le marginó y decidió plantar una clara muestra de repulsa y rechazo, aunque no todos acataron esa decisión. Uno de ellos fue Buster Keaton, el cual hizo una declaración pública en apoyo de su amigo, resaltando que Arbuckle era

"una de las almas más amables y bondadosas que había conocido."


Muchas de las películas de Roscoe se perdieron debido a que nadie mostró interes alguno en conservarlas. A día de hoy nos han llegado algunos de sus primeros proyectos, o aquellos en los que compartía papel con Keaton o Chaplin.
Durante los años siguientes viviría varios divorcios, además de sufrir de alcoholismo, algo a lo que Araminta Estelle Durfee, su primera mujer, se refirió como:

"Roscoe solo pareció encontrar consuelo en el fondo de una botella"

Con la ayuda de Keaton, intentó volver al mundo del espectáculo. Se rumorea que co-dirigió "El Moderno Sherlock Holmes" junto a Keaton.
Uno de los sobrenombres que iba a adoptar era Will B. Good, que era un juego de palabras que quería decir en realidad "seré bueno". Aunque finalmente adoptó el de William Goodrich.
El escritor e investigados británico David Yallop descubrió que el nombre completo del padre de Arbuckle era William Goodrich Arbuckle, de ahí el sobrenombre que adoptaría su hijo años más tarde.

Con la llegada del cine sonoro, la carrera de Arbuckle parecía tener posibilidades de volver a resurgir. Firmó un contrato con la Warner para dirigir 6 cortos cómicos en los que podría volver a usar su verdadero nombre. Al terminar de rodar el último de estos cortos, la Warner le ofreció un contrato para rodar un largometraje, algo que emocionó de sobremanera a Roscoe:

"Hoy es el día más feliz de mi vida"

Murió horas después.

Fue incinerado y sus cenizas dispersadas en el Océano Pacífico. En repetidas ocasiones Buster Keaton declaró que su amigo, Arbuckle, había muerto porque le habían roto el corazón.


Desde Solo Cine Clásico recomendamos sus siguientes películas:

A noise from the Deep (1913) de Mack Sennet, con Mabel Normand
The Butcher Boy (1917) de Roscoe Arbuckle, con Buster Keaton
Conney Island (1917) de Roscoe Arbuckle, con Buster Keaton
Out West (1918) de Roscoe Arbuckle, con Buster Keaton
Life of the Party (1920) de Joseph Henabery
Tomalio (1933) de Ray McCarery




lunes, 28 de septiembre de 2009

Los Simpson en el Cine Clásico... Ciudadano Kane (Parte IV)

CIUDADANO KANE/
SANGRIENTA ENEMISTAD, (4X22)
CIUDADANO BURNS, (5X04)


Con el post de hoy termina el especial de Los Simpson dedicado a "Citizien Kane". La semana que viene volveremos con otros títulos además de con un especial acerca del máximo responsable de la película mencionada, Orson Welles.




martes, 22 de septiembre de 2009

Los Simpson en el Cine Clásico... Ciudadano Kane (Parte III)

CIUDADANO KANE/
MARGE CONSIGUE UN EMPLEO , (4X07)
DOS COCHES EN CADA GARAJE Y TRES OJOS EN CADA PEZ, (2X04)
UN TRANVÍA LLAMADO MARGE, (4X02)

La sección de esta semana:





Gracias a todos por vuestros comentarios y por seguir esta sección. Así da gusto, de verdad. La semana que viene la última entrega.
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